就像我們可以學習世界上所有關於光的知識，並收藏能裝滿整個圖書館講述光的書籍，然而這些並不會真的讓我們感受到光。我們也能將美好事物的構成都歸納條列成公式並稱之為美學，但美學卻不一定能使人領略到美。如果產生光的結果是令人看見世界，產生的美的結果，應該就是帶給人一段感動的片刻；空間能改變人的感受與行為，美則能撫慰人心。   身處於美學相關行業的設計者們，從學生時代學習素描繪畫，到精修特定科目並投身職場，就不曾間斷的在鑽研美的構成方法與展現形式。但隨著畫面的收集與構成概念的深入，我們卻發現實質上能獲得的感動，往往越來越少。   例如侘寂，無疑是當今社會審美疲乏後的一帖良藥，然而當一樣東西有市場價值，就會有人想學。想學，就會有人去拆解其構成元素成為學問。歸納風格，考究塗料，開鑿出洞穴，並在當中立起一根風化木。   條列式法則與規範使人容易學習並模仿形式，卻也讓人不再投入耐心去理解其中生成的本質，並持續保持醒覺與探知。一波潮流下，收集了越多與侘寂有關的器皿與畫面，成為了風格，卻只是讓人離侘的本質越來越遠，這個迴圈的形成，是因為在講求速度的社會環境裡，為了效率，我們常被迫從他人的答案中來尋找答案。此外，也許並非物件或呈現本身，而是人們最終是以何種方式去經驗那個呈現？   藝術家明白作品的完成並非懸掛在畫廊，而是能否常佇於觀者的內心。任何形式上的藝術，都會隨著時間沖刷淡忘模糊，僅存當下經驗作品時的感受。那麼什麼樣體驗或注意力的引導方式，才能使人產生共感與連結？以設計解決功能問題，功能才能服務體驗，開啟了我對設計答案以外的探索。   2014 年上映的日本電影〈一代茶聖千利休〉，改編自小說家山本兼一的小說《利休之死》，導演是田中光敏。故事描述茶人利休的故事，除去小說刻意改變的歷史情節之外，扮演利休的演員在茶室寧靜專注點茶的沉靜美感，深深打動渴望在忙碌的日常中，嚮往寧靜片刻的自己。但僅擁有跟茶人一樣的茶碗，寧靜並不會因此發生，我便開始了裏千家茶道修行，從學習用茶碗點茶自服自飲的方式，到更深入的學習茶事，並在每天下午花一分半鐘點茶給自己；雖然一天有24 小時，但當時我常覺得只有那個片刻，我才真正的屬於我自己。也在茶道研修中，學習放下對追求對正確答案的依賴。   各種流派或武術，都有所謂的型。型，是指經過千錘百鍊演練後淬鍊出的最精簡流程與動作，也就是所謂的「答案」。擁有答案的人，僅是安靜地坐著點茶，就能讓茶席因為有他的存在，而使空間裡的他人一同融入他專注的心流裡。剛學茶道時，很想要得到「答案」。 轉茶筅的角度，擦棗的推收感，茶杓敲落輕重，茶粉撒落的流速，到底是什麼樣公式相乘，才能組合成茶道點前中的美好感受？但多數時間老師只是笑笑靜靜的看著，沒有指點什麼細節，令我時常感到困惑，如果老師示範正確答案，這樣的學習效率不是很快嗎？但隨時光流逝，我才懂得有時人生裡最好的老師，可能是不會給你答案的。我們的教育與社會總是教你如何比別人快，唯獨做自己這件事，比的可能是如何比他人慢。對於深知答案的老師來說，給予答案只是舉手之勞，然而學生從無到有自發性探索與成長的經驗，可能就在快速解答裡消失了；人一但習慣被給予答案，便不會靠自己去思考與解答，所以生活中不給答案的老師，遠比直接給你答案的老師，更需要耐性包容且珍貴。   在沒有正確答案的前提下，每個人都會在教室裡展現自己本來的形狀，有人點完茶後就會開始到後場聊天，某些人則會點完茶後停留場上指導新同學或協助茶碗清潔，有人認真抄筆記，也有人一直無法熟悉流程而需要不斷提點，小小的教室有如人間百態縮影。   沒有正確答案，也就不生比較心與傲慢。每個人的內心裡，都擁有跟他人不同的季節，如果最終都會抵達終點，那麼走的快一點或慢一點，似乎也沒有分別。道理殊歸同途，每一刻的結果，都是當下最對的。 在沒有絕對答案的摸索世界，就好像一個人徒步邁上高速公路。你會感受到有許多車輛擦身而過且很快消失成一個小點。車陣裡，孤獨會像一面放大鏡，放大你所有的感受，從跟不上周圍的不安，到淡然被世界遺忘。覺醒的開始在於，明白沒有眼睛在看著你，而你也終於可以安心地做自己，每個人的生命裡有非常柔軟的東西與課題，裡面的東西處理好了，該有的才會逐漸由內在轉化出來。   只要過程保持敞開，撤回所有界線，邀請人來穿透你，穿透你的核心；只要不去隱藏你的未知，就沒有任何東西能讓你感到害怕。答案，僅在不再恐懼時發生。  

從米蘭家具展回來已經一段時間，再提觀後感，當然不是要介紹設計的趨勢，而是有感而發。我很欣賞今年的主題「Designing For Our Future Selves」，大會邀請大家反思設計如何達到包容性，培養自主性、可用性、交互性和安全性。今年展覽的魅力不減當年，為後疫情生活下的新常態（New Normal）作出新的定調，我想分享今年展的三個新現象。   Poltrona Frau 展館。 更自然，更兩極，更跨界 第一個現象：受到疫情的洗禮，人們顯示出對大自然的渴望，相較過往更期待待在室外。所以室外家具的廠商開始製作室內家具，反之室內家具企業就拓展了室外家具的領域，尤其是室外家具的形態改變很多，除了舒適度以外，產品都通用於室內空間，設計感和室內家具其實已經沒什麼兩樣。   第二個現象就是參展品牌的心態出現兩極化：有的更開放，有的則更封閉。先說開放派，很多品牌今年將以往的咖啡區概念改為偏「派對」的形式，除了用咖啡區帶動人們觀展的輕鬆氣氛，還加上果汁吧和提供義大利冰淇淋 Gelato 的區域，明顯有別於過往拘謹的模式，令場內充滿活力，親和力大大提高。 Baxter展館。  封閉派大多出現在知名品牌場館內，這些品牌將展館分為兩個區域，一個展示已知的熱賣產品展區，另一個則是新品展區且只限特定的 VIP 進入。這樣安排應是出自於資訊發達下想保持產品神祕感和保護新品，但對一般參展者而言就感到相當失望。 而第三個現象就是時尚時裝品牌的「跨界」，從潮流的奢侈 Fashion，四面八方地滲透到日常的家具之中，善用它們本身對潮流的敏感度和態度，將家具、潮流和生活相互融入，形成一股不可小覷的新勢力，也成為本次米蘭展的焦點之一。   融合一體的美學趨勢 往往我們在展覽中欣賞的不單是家具設計，更是由家具出發所形成的獨有生活姿態，為推動新的生活方式帶來能量，所以我想特別介紹其中三個品牌作為提升生活品質的參考。 Baxter 可算是義大利生活態度的直白演繹，它的家具能帶人體驗不同的情緒，除了功能上的材料和形態以舒適和人體輪廓去研發，同時加入自然元素令人感覺自由、輕鬆及貼近自然。我認為最值得欣賞的重點，不在於它們家具的形態美，而是家具的理念融入了空間的格局，令生活空間更人性化和一體化，不自覺讓人感覺生活得到淨化。 Baxter展館。 第二個值得關注的是 Molteni&C，一個擅長於把生活變成為家庭重心的品牌，它的家具強烈營造出溫馨氛圍，更延伸成為亮麗的舞台。展館的建築感非常強，空間和家具各者之間相輔相成。家具的演繹不止於注重細節這麼簡單，巧妙之處就落在質感和協調上，其設計的宗旨在於融合生活的習慣，令人真正品嚐到日常的多姿多彩。品牌厲害之處在於找到生活中隱藏的關鍵，去掉多餘的「油膩」，專注於人的安適感（well-being），以及呈現出所謂慢活的後疫情時代新節奏。 Molteni&C展館。 最後是百年老品牌 Poltrona Frau，在其 110 周年展出今年全新的「True Evolution」系列，呈現過往累積的手工文化遺產經驗和精髓，帶給我們更純正、真誠的生活旅程。百多年的品牌屹立不倒，最觸目的是它依然帶動潮流，於新生活的命題上發揮得十分亮麗。品牌設置的古羅馬場景是亮點之一，為看展者帶來一場超越時光的藝術式對話，將文化結合藝術的感染力帶入我們的生活。 Poltrona Frau展館。 不單如此，對戶外喘息的空間也運用無界線生活（boundless living）為主題，創造一年四季均可使用的室內、外家具系列，證明即使結合歷史、文化和有力的手工藝等多個元素，老品牌仍能夠在現代的城市中呈現出富有詩意的戲劇式的生活品味。   這回米蘭展的觀察，讓我深深感受到，人若厭倦了格調，也就等於厭倦了生活。 Molteni&C展館。

近來我參與了一些旅遊目的地的開發案，還有旅店品牌定位的前期規劃。參與這些田野調查、腦力激盪的過程總是讓人非常興奮，每個人都有其旅行的意義，可以是一趟充滿靈感之旅、放空之旅，或是關係修復之旅，也有可能是改變一生的旅程。在旅途的那一端，旅店是旅人另一個家，旅館設計在設計專業中是一塊很龐雜的領域，也有相當大量的著作在紀錄、研究，而舉凡世界經典的飯店設計，都成功地讓空間成為飯店經營發揮的舞台。   本文中將分享一些我認為成功旅館設計的要素。 柏成設計操刀台鐵「鳴日號」與「鳴日廚房」。   開創性 旅行中旅人往往充滿著不確定、期待，這樣開放的心態是嘗試新模式、新體驗的最佳時機。我定義中的優秀旅館設計必需帶點開創性，舒適寧靜更是必然。若說旅行是生活的調味，旅館就是那開啟味蕾的辛香料，美味宜人之外要帶點刺激、有點出乎意料。具體而言，也許是特意框起來的美景，也許是那一個無邊際澡缸，或者配合當地環境的裸色以及裸材料。 這樣的開創性具有教育意義，有開創性思想的旅館會比較容易有自己的主張，這些創新不是搞怪，它是經過縝密思考研究後的提案，我認為每一個地點、場域、品牌都有其獨一無二的價值，設計要由地點背景、旅人的五感、服務者的角度出發，塑造出體驗至上的開創想法。   品牌傳達力 我參與過連鎖國際品牌萬豪集團旗下 Moxy 飯店的設計，這個系列是在品牌的核心思想上，增加高度的在地元素，面對的同是好玩、有行動力、愛夜生活、重度依賴社群媒體的年輕族群，但在紐約、東京、香港，空間都形成了不同的樣貌。 回想設計的階段，前期的 story telling 跟 TA（目標客群）角色的沙盤推演都花了很長的一段時間，我們來回跟集團總部聚焦，探索台中在地元素，不只是表現外在，而是更深入尋找第二、第三層的意義，令品牌精神透過每一個物件、每一個服務細節傳達，前後不斷地檢視每一個空間元素是否落在核心上。身為室內設計師，我除了要考量空間形塑的尺度外，亦希望每一步設計都要回扣到品牌價值，用空間去體現品牌，以及其背後所代表的那個飯店服務業希望帶給旅人的最初之心。 「鳴日廚房」車廂內部設計。   恰到好處 旅店的設計，通常歸類在商業空間設計，確實它是一個消費空間，但是它也是旅人暫時的家，設計可以很豐盛、很簡單、很歐式、很峇里島，運用各式各樣的手法以及概念，最重要的是讓旅人得到安心的休憩時間，視覺得到平靜，看得夠遠；聽覺要有其彈性，是室內音樂還是窗外的水聲、鳥聲；嗅覺特別重要，氣味是五感最直接的一感；每一個軟件、面材，我們都需要赤腳裸膚的反覆測試…… 設計手法通常是吸引人的第一面向，從照片不難理解設計師的概念以及功力，量體比例的拿捏、色彩材質的搭配，但唯有住下來，才知道箇中的滋味。我期待的不是一次新鮮體驗，而是能產生想一而再再而三地造訪的渴望，有時候在旅程中到了一個旅店，設計手法精準，對於空間掌握恰到好處，那樣自然自在的氛圍，總為旅程添加了幸福的感覺。 柏成設計「新台馬輪」設計圖，預計於 2023 年啟航。   柏成設計這幾年陸續進行著幾項旅遊交通設計：火車、輪船、無人車，我們期待交通載具不再只是一個移動的工具，希望開創出另一扇體驗的大門，讓旅人用不同的角度認識旅途中的景色。科技的發展越來越快速，我們團隊也幻想著太空旅行也許很快即將實現，那樣的太空住宿體驗會是什麼呢？上述的成功要素還存在嗎？ 科技始終來自人性，在那天到來的時候，我可能還是渴望那一床柔軟的被褥，邊望著浩瀚宇宙喝杯手沖咖啡。不遠的未來，到外太空住一晚可能不再是幻想，如果有天業主發來了這樣外太空設計需求，我們該認真的思考研究無重力的空間設計了！  

近來利用工作空檔整理過往曾寫過或是發表過的文章，看到了2018年11月《室內》302期的專訪企劃《將設計落實於浪漫與理論之間的行旅者》。想想疫情已延燒了近三年，何時能迎來盡頭，似乎無人能給答案。 然而，隨著時間拉長，人們開始學習與病毒共存，在各國防疫政策陸續鬆綁下，國際間的行旅交流逐步恢復中（雖各大機場作業紊亂的情況時常佔據新聞版面），面對病毒未知的變化，大家倒也平常心坦然應對。或許，我就是這群坦然應對的其中一員，專訪喚起了這顆熱愛旅行的心，我決定把握這稍縱即逝的機會，出發原本2020年就預計前往的西班牙。 全球大環境面臨衝擊及改變之後，從前稀鬆平常的行為模式，現顯珍貴。圖片提供：方信原   行為的受限，有時限制了想像。當然，這個行為模式，因人而異，於此，我們不能以偏概全，但仍是有基本的規範及軌跡可循，就設計產業的大環境而言，這可說是一種潛移默化的效應。前段時日裡有幾篇關於設計圈的文章內容，使得在疫情看不到盡頭及全球通膨的狀況下，更顯無奈，事件的內容讓大家反思及感慨室內設計產業真的越來越受重視了嗎？消費者開始願意付費了嗎？如果是，大家深感欣慰，但這個「欣慰」，或許是另一種淡淡的無奈，因為該文中委託者的觀念裡（或是眼中），設計者們的時間與專業竟是如此低廉。 改變是件困難的事，有形的價值反饋事小，重點是大環境對於設計這種無形的價值性，認知十分薄弱，看完文章後深感產業界白色巨塔般模式的干擾，以及相關單位長期以來的漠視，縱然有改變卻都是微小的一步；或許，需要再歷經幾個世代的努力，大環境對於設計的認同及尊重才能有所提升，而在這過程裡，每個單位的自我堅持，就相對重要了。   本期專欄標題原本欲用「危機？」二字來表達對現況的看法，最後雖未用此標題（深怕用字過於聳動），但仍就相關情事表達些許看法。日前傳出某知名日本拉麵店將退出台灣市場的消息，主事者提出的原因，在於員工培訓不如預期，就其單方面說法，員工們對工作沒有熱情、缺乏專業，缺少職人精神，本人對於拉麵雖無好惡，但針對該主事者提出的看法，倒是覺得值得探討。 多年的職涯中，在今年特別能感受到缺工一事，或許疫情的發生，只是讓這個潛伏於產業中的隱憂提前浮現！室內設計產業的缺工，大致上可分為兩大區塊，一為工程人員，一為設計人員。工程人員的部分，其實早在多年前施工單位皆已在反應，社會變遷下年輕人大多不願意涉入看似環境不佳的場域進行學習，這似乎是種不可逆的變遷；就設計人員而言，工作環境多屬完善，但仍面臨嚴重缺工的情況，著實令人詫異。 瑋奕設計攝於工地現場一角。對於新世代而言，無論是工程單位或設計單位，其適應及學習都是極大的挑戰。 探其究竟，無非是工作態度上的認知差異，友人曾提及前往工業區參訪廠商，聊到起薪四萬元以上卻還是沒人要來，寧可去看似優雅、時尚卻只有兩萬多元薪水的地方上班（如同工程單位所面臨的問題），工作一段時日後，再來抱怨低薪；而舒適無壓的生活，也可能會失去面對國際的競爭力。 這不是危言聳聽，而是事實（言於此時，也許有人舉反對票），但我認為，態度可以成就一切的事物，雖仍有許多客觀的因素影響，然深植於自己內心的那份態度，是不可撼動的。正如友人所說，不是沒人，而是沒心！此情況可以改善嗎？還是不可逆？我想這已是現今大環境結構下的問題了。 作品《藍眼》當中的一個畫面。圖片提供：瑋奕設計   常有人問我在這樣的環境條件中，從事設計創意的工作，不覺得辛苦嗎？我總是回答：辛苦是必然的，重點是在這份辛苦中，你／妳怎麼去做全然的自己。個人認為對於已經進入這個產業或是預備投入的人而言，這是個值得研究的議題，我多年前就已深刻思考過自己的路線，故小眾的方向一直是我不變的理念，之所以小眾，一方面是認清自己性格使然，另一方面也是為了追求創作上的自由。 在這樣的架構下，案件各方條件及人員培訓、調度，可在一定的範疇內達到精準要求，當達到精準要求後，上述所探討的兩件事，在大環境被視為不可逆的情況下，或許可以減緩一些不必要的挫敗或是無奈。 浪漫與理論完美的詮釋。伊斯蘭文化瑰寶－阿爾罕布拉宮。圖片提供：Mandy Yang   看似簡單的邏輯，要如何堅持卻是意志的貫徹。如同行旅過程中，有時觥籌交錯、有時偶影獨游，因為這將使自己回首看那來時路時，一切都是如此值得。

近日，甚多感觸。想起，該回一封信給26 年前滿腔熱血的自己，一封關於設計創作者的告白，以及砥礪自身的醒語。   曾經天真的以為，設計就是親身帶領團隊一步一履的傾盡全力，為受委託的案件進行分析、整合、發想、開展，進而將解決對策與美學涵養、設計原創相互融會，每個作品都非模板產製而成，都是獨一無二的創作心血。相信「設計」是一門在商業務實與原創理想之間尋思平衡與不斷拔河的修練，無論國際級大師，抑或是身在台灣的我們，應該都很難遇到沒有機能限制、毫無預算上限、面積尺寸適切、基地採光完美，以及業主任由設計師盡情發揮的美好劇情。縱然個案條件未盡完美，但這些都不應該構成設計者摒棄原創精神與親力親為的堅持，改以其他取巧方式經營設計職涯，辜負業主信任、破壞產業理想的理由。   26 年過去，我依然持續在設計產業裡深耕，回望現今令人困惑的種種撩亂，已然偏離當初對產業的美好想像，讓我不禁反覆的自問及深思......。   何時復刻網上各式空間影像，完全依樣呈現，再綴入不知所云的概念叫作原創。 何時不斷僱用年輕設計學子，利用他們的創作心血，急速將公司編制擴大叫作設計傳承。 何時結合誇大的行銷與曝光，在大量的接案後，私下將設計如產品線外包稱作責任。 何時將設計概念誠懇的書寫，堅持不願隨波逐流，變成了只是情緒抒發而不足以成書。 何時公司成長仰賴大量參賽，不必紥實累積實務，認為賽後公司就能自行成長蔚為風氣。 何時僅僅堆砌著綴飾元素，不經思考空間整體合理性，只將材質繁瑣填入叫作裝飾美學。   已故誠品創辦人吳清友先生曾經說過：「沒有商業，誠品不能活；沒有文化，誠品不想活。」短短語句顯現了真正文化大師內在的使命感與高度，更是道盡了一位文化人真切誠懇地耕耘文創、藝術及設計產業，並期望推動文化水平不斷提昇的心聲，令有志後輩動容。我想藉吳清友先生的這句話，延伸為「沒有商業，設計不能活；沒有原創，設計不該活。」   牆在建築結構上是堆砌支撐的骨架，在空間裡是明定範圍的界線，在情感上是保護你我的守則。身為設計人，期許我們都能齊心堆砌起那道重視原創設計與產業理想的牆，而不是變質為推倒原創、令理想破滅的推手。

針對自己簡約設計的學習及成長，這麼多年來有幾個明顯的里程碑，這幾個里程碑都與國際設計團隊的合作案或是參與國外的設計案有關。   我回台灣開業之前，在美國波斯頓及紐約工作了十多年。我深刻地感受及親身體驗到一個專業設計必須經歷的各種過程。這包括了啟動設計發想過程的各種途徑及可能性，從一張渲染圖到一片氧化的銅板都可以是設計靈感的源頭。國外的設計訓練著重原創性及其價值，這個基本原創的態度與台灣一般設計的價值觀是背道而馳的，然而當我們面對國外的設計團隊時，我可以強烈的意識到原創的重要性，讓我回想到在紐約工作時共通的設計價值核心。     e15 文化差異下的成長 何侯跟國外設計團隊的協助與合作從2005年開始。當年協助德國家具品牌e15及它的創辦人Philipp Mainzer完成學學文化創意基金會大樓規劃，一個擁有多樓層與多功能的室內設計案。學學文化創意基金會大樓是個充滿企圖心的設計案，業主希望創造一所私立的美學及設計學院，其空間需求包括一系列的教學空間、展覽會場、食堂以及私房廚房、交流空間及辦公空間，共計將近3000 坪的範圍。這所學院的設計理念、風格與品牌精神直接透過室內設計傳達給台灣大眾，這是一種美學的宣言。業主選擇當時台灣罕見的極簡美學，參與這個設計案的主要團隊是德國家具品牌e15的創辦人Philipp Mainzer，並由我的事務所協助執行。e15品牌與其他幾個丹麥品牌如：Carl Hansen、PP Møbler、Fritz Hansen......，共享同一種現代簡約的美學。有別其他丹麥品牌主要是再版現代家具大師Hans Wagner及Poul Kjaerholm的作品，e15 致力發展全新的簡約家具，主要的設計出自Mainzer之手，e15似乎結合了90 年代歐美極簡空間設計，並將能量轉入家具及產品設計的領域。   Mainzer在創立e15 前的專業背景與我非常相似，他在紐約建築事務所工作多年後才回到德國創業，我們在台灣不難達成一種彼此認同的工作模式，當然台灣的材料及工法都不同於德國，但我當時深信台灣所擁有的資源可以滿足Mainzer 的要求。工作最大的差異就是我們對「現場施作」的定義，在紐約或法蘭克福沒有現場施作木櫃／木作及現場噴漆的工法及程序，木櫃的製作及塗料都必須在場外完1 成，運送至現場安裝，木櫃師傅也與立隔間及釘天花板的木工師傅不同，木櫃師傅在國外技術性較高，是家具等級的施作概念，在台灣木櫃及牆板都是同一工種。對此，Mainzer一開始並不適應，極簡設計中一個很重要的議題是如何將不同種類的物件整合成視覺上一體的物件，設計案中有許多橡木形成的木櫃體、牆面、隱藏式推門、超長拉門......，需要被整合在同一個平面上，這是個複雜的工作，但因為台灣的施作都是在現場完成，許多搬運及協調的工作也已省略，慢慢的Mainzer 也開始了解到比較「原始」的施工方式有它的優點。   在工作的過程中面對文化差異是國際合作案最有趣的一個環節，我一直喜歡e15這個品牌，除了極簡的美學外就是實木質感。我在2005年仍然以為e15的實木組裝是依照傳統中式的卡榫工法，然而案子進行到後期，在家具進場組裝的過程中，我終於了解現代西方家具與中式家具的差異。這個案件總共採購了上百張各種尺寸的e15實木桌子，桌子運到現場時都是一片一片的實木板材，組裝過程是利用各種金屬五金及配件把實木板材鎖在一起，跟我想像的傳統卡榫工法差異很大，比較像是組裝IKEA家具的經驗使我非常失望。Mainzer坦然的回覆，這是當代家具考量用最有效率的運輸方式所必須面對的事實，一個卡榫組裝完成再運輸的桌子，在運輸上的費用就無法產生經濟效應，更不可能量產。   與e15的合作案是彼此學習、探索及成長的過程。學學文化創意基金會大樓應該是e15當年最大的家具訂單，同時也是Mainzer最大的設計案；從他的角度，這個發生在台灣的案件提供了足夠的業主關注和支援，以及技術與工程的協助與配合，使得它成為一個成功的極簡案例，他的空間設計團隊也因此開始成熟；自我的角度而言，極簡設計「背後」的奧妙才漸漸呈現並開始面對。     西薩 閱讀極簡成型的脈絡 從2010年至2020年，黃明威建築師、廖嘉舜建築師以及何侯團隊一起協助葡萄牙建築師西薩完成台豐球場的嘉卿會所及西薩會所兩個作品，能夠參與西薩建築師合作的案子是一件榮幸的事，然而最珍貴的不外是從西薩團隊中吸收到的專業知識。 西薩近十幾年空間的發展趨向簡約及抽象，然而要達到這種設計境界，最重要的工作之一是將一棟建築中基礎的系統，像是空調、機電、消防...... 等融合於空間之中，這也是在台灣最容易被忽略的。就另一個角度而言，就是讓基礎系統完全消失於空間之中，在一個簡約空間裡，你只會意識到空間的量體、線條、流動性以及延展性，並且盡量減少空調出風口、燈具、消防箱、灑水頭等元素出現在參觀者的視野。 西薩的建築空間由內到外呈現多層次的幾何形體，他充分的、全面的掌握設計，並且排除因設備可能導致的視覺干擾，讓我們閱讀到西薩的設計意圖，參與此案最大的收穫是見證一個能夠超越極簡主義的設計過程。     深澤直人 貫徹簡約美學 2021年何侯團隊協助深澤直人完成於南京東路的台灣玻璃旗艦店。台玻TG與深澤直人已有多年的合作關係，他為台玻TG設計了一系列家用的玻璃器具，為了配合新產品的發表，台玻TG旗艦店的設計案也就產生。 這是個規模相對精緻的案件，深澤直人提供一個初步的提案，但後續的互動相對較少，共通之處是簡約美學的共識，使得設計案的發展與初期概念有一致性。     新加坡國際競圖 以專業為經緯 最後分享何侯團隊於2007至2008年參與新加坡文化局所舉辦的一個國際建築競圖，競圖要求將新加坡兩幢古蹟建築改造成國家藝術館，這個競圖總共吸引了全球110個國際設計團隊參與，何侯最終獲名第二，無緣執行此案。然而，在這個兩階段、為期八個月的競圖案中，第一次意識到被要求百分之百展現自己的專業，而業主方也是百分之百的專業態度回應。 我們受邀到新加坡，除了參觀現有的博物館及美術館外，並且參觀典藏設備及系統，新加坡的業主團隊 （公務部門）每位員工對自己建築資產的了解及談吐專業度遠遠超越台灣，在發佈競圖的前四年，新加坡政府所做的準備工作及投入的經費與資源，以台灣的標準看來是不可思議的，新加坡政府委托英國的建築師、結構及機電技師、加拿大的博物館顧問、英國藝術季及文化旅遊品牌顧問、東南亞藝術顧問，以及新加坡國內共十幾個跨部會的籌備單位，共同為一個國際競圖及事後的執行做準備。 雖然沒有贏得此次競圖，但何侯團隊所做的設計提案是以一個簡約的設計美學融入傳統新加坡木構建築來呈現，考量藝術館的營運不能仰賴政府補助，館方必須自給自足，所以功能需求加入了各種商用及可出租的創意空間，這也給予設計者很大的彈性來建構這座藝術館，參與此次國際競圖的經驗與收穫，我至今依然難忘。      

設計在某種程度上是一種取捨，我們總在完美與不完美之間煩惱焦慮。而事實上，是不是沒有所謂的完美？在從事建築與空間設計的這13 年間，我慢慢感受到，追求設計上的完美是不務實也不切實際的。常說道建築是美與生活的容器，對我而言，當我們設計所謂的容器時，追求的應是空間內可被觸發的人與事件，以及它所映照的美感，而非容器本身的完美。     空間現場的啟發 不可否認，我們總在設計執行時會面對諸多抉擇與取捨，特別是在現場時。我以為：觀察、體認設計的「現場性」是非常重要卻容易被忽略的，縱使我們在圖紙上、電腦以及自己的腦中想像、研究過千百次，最後的取捨實際上還是取決於現場。   電腦的模擬工具在建築與空間設計上有其必要性與不可取代性，模擬的結果不只提供我們可靠的設計與環境數據，也帶給設計師安心感。然而過度依賴電腦模擬會令我們失去空間設計者應有的直覺，而這種直覺通常是最無法取代、最能呈現個人思想與意念的魔力（mojo），電腦模擬與製作後的成果，在沒有直覺性的mojo之下，也容易失去可能蘊藏於設計中的詩意與優雅。   因此我更相信每個現場所帶給我的回饋，我們會為了一道光、一陣風、一處景改變設計，在現場與電腦圖紙之間的取捨，前者永遠能帶給我們更多能量，讓我們有機會看見案場不同的可能性。這其中包含了自然環境、人文、社區、涵構以及空間中非物性的場所精神等，面對這些豐富的變化，即使是最微小的細節也能夠對我們的設計造成結構性的質變，縱然現場待決定取捨的因素至多，在環環相扣的空間設計中，我仍會以現場的「非物性」作為決策依據。    在古德眼鏡一案，現場發現照片左側騎樓舊有的橘黃色的長型馬賽克磚，一種特有的台灣材料讓我們發想出利用同樣暖色的木塊積木堆疊的方式發展此案，並在空間中使用了各種大小不同的方格矩陣來呈現。   物性與非物性 空間設計中，即使是現代主義強調的抽象表述，也絕對離不開功能、效用等物質性價值，我們實際上在從事物質的設計，這也是一切人造世界的基本。然而更近一步地說，我以為空間之所以稱空間，即是屬於三度空間（第三象限）的呈現與設計，它的存在必須能令人感受到「空」與「在之間」，其中的感動源自於其中微妙的「非物性」，從美學的理想到哲學的建構，經驗告訴我，減法設計是最佳解答：「去除所有非必要」成為我在判斷時非常重要的原則。為了呈現設計案場的精神性與非物性，取捨至關重要，在一些自我認同的絕妙設計點子下，改變通常絕非易事，但我們應該認知到設計在於表現自我，抑或是作為媒介誘發行為、事件與場所的精神性，即便回到美感價值的討論，非物或許更能讓美更有深度。特別是在老屋的設計中，常能在現場探勘以及工地勘察時發現到更多經歷時光催化的特有美感、光線、氣氛以及歲月留下的痕跡與時間感，這些線索稍縱即逝，但都是能讓設計從我們慣用的手法中跳脫的關鍵。在面臨精神性與物質之間，我引用Leonard Koren 的著作《Wabi-Sabi》裡的文字與大家分享：「『我們從物質中得到快樂』與『我們從不受物質拘束中得到快樂』兩者之間得到平衡。」 為了迎接現場北面的山景與陽光，我們將樓梯、書櫃接設計成具有豐富孔隙的透空形式，讓光、風與視線皆能自由穿透。 未完成的完美 設計最好的狀態其實不是完成，空間應該在「完工」後保持一種「未完成性」，等待被填滿的空間永遠是最迷人的，留下餘地給真正的使用者正應該是所有設計者的心願，被我們設計的空間所觸發的互動、相處、生活模式甚至是業主自身的品味、生活用品、擺飾等，都是讓我們設計的空間朝向更美好完整的事物。也因此我們必須要在滿足展現自我的設計與留白之間「取捨」。對於建築或空間設計而言，施工完成後才是設計真正的展開。   我總是依循著上述的幾個觀點，時常提醒自己，讓取捨之間不要有過多的掙扎，即使掙扎總是難免。在現實中，設計總是需要為機能、特定或不特定的人們服務，也因此令我們在取捨之間更為困難、焦慮。而最後這些經驗都成為了我們的養分。   終究我們的的確確在從事「物質」的設計，但「非物質性」的詩意或許才是這條路的終點。