忠泰美術館日前推出全新當代藝術展——《在混沌的世界中建立一點序曲　姚仲涵》。美術館邀請新媒體藝術家姚仲涵攜手劇場獨立製作人吳季娟，以長期且緊密的對話展開跨領域共創，呈現姚仲涵不為人知的感性與故事性交織的創作新面向；作品亦邀請影像創作者、表演藝術家參與其中，延續姚仲涵聲光裝置的特色，帶來五件全新創作，將忠泰美術館空間化為一座充滿裝置、聲音、光影與影像的「混沌世界」。展期至2025年6月29日。 展覽主視覺。©忠泰美術館   跨域實驗性展覽 本展邀請了兩位無法被定義的「創作者」——姚仲涵與吳季娟展開長期對話交流與合作，兩人透過不斷提問、假設、拆解與重組，最終以共創形式顛覆大眾對跨界合作的既定認知。展覽中雖未直接呈現兩人合作過程的具體痕跡，但吳季娟計畫協作一角，其實隱身於具象作品背後的起點和過程，推動創作思維的碰撞與發展，讓姚仲涵的創作得以不斷打破界線，帶來新的可能性。 計畫協作吳季娟、藝術家姚仲涵。©忠泰美術館   姚仲涵與吳季娟以「混沌」與「序曲」為核心概念，探討人類在混沌與秩序間的生存之道，兩人由此衍生創作五件作品，而本展亦為一場由各方創作者共同開展的關於合作、誤差與理解的實驗，邀請大聲光電、影像創作者黃偉軒、表演藝術家卓楷程等共同參與，其中，姚仲涵透過作品試圖回應聲光創作中的抽象性，以及對於身體感缺失的思考。 《在混沌的世界中建立一點序曲　姚仲涵》一樓大廳。©忠泰美術館   一樓夾層展出創作過程。©忠泰美術館 探索混沌與秩序的交錯共存 姚仲涵首次嘗試以噴氣管與空壓機作為媒材，推出新作〈漸強、漸弱與打氣〉。作品擬人化地隱喻人生際遇的起伏變化，彈簧的擺動象徵混沌，而隱藏於作品背後的電子裝置設定，則規律運作，構築出秩序的框架。 裝置作品〈漸強、漸弱與打氣〉。©忠泰美術館 〈感覺噪音〉多頻道錄像作品中，則首次透過擊鼓介入創作，採集外部混沌的環境噪音，加入自身對於噪音的感知，轉化為具身體感與秩序性的聲響作品。展場中，大型喇叭播放藝術家創作時聽到的聲音，兩側電視螢幕則呈現車外收音的環境噪音；影像取景貼近日常，涵蓋藝術家在台灣與日本的生活圈及周邊街區，構築個人體驗與城市聲景交織的感知場域。 多頻道錄像作品〈感覺噪音〉。©忠泰美術館    另外，也首次挑戰故事文本創作，與影像創作者黃偉軒合作，完成首支影像作品〈光電獸宇宙 - 未來〉，藉由科幻末日題材構築《光電獸》系列作品的世界觀。故事述說著2525年太陽瀕臨死亡，地球面臨「缺光症」危機，人類最終透過啟動光電獸對抗黑暗；以全新敘事視角串聯過往創作，回應聲光藝術的抽象性，同時開啟影像語言的實驗探索。 影像作品〈光電獸宇宙 - 未來〉。©忠泰美術館   姚仲涵為人熟知的《光電獸》系列過往多在開放空間展出，聚焦於光源的流動。本展全新大型裝置〈光電獸#41 - 混沌〉則於室內空間呈現，藉由與忠泰美術館空間的對話，量身打造獨特的感知體驗。在此環境中，聲響更具包覆感，作品以影子為核心，延續對光影與聲響流動關係的探索，透過鋁管長度的秩序變化與光影交錯閃爍，深化光與影的對話與敘事可能。 大型裝置〈光電獸#41 - 混沌〉。©忠泰美術館   忠泰美術館期望邀請觀眾進入這個失序、隨機且開放的空間，感受創作者們共譜的序曲，並在混沌中找尋引領前行的節奏線索。      資料及圖片提供」忠泰美術館 編輯」陳映蓁

「奧夫塞計畫Off-Site Project」為忠泰美術館2016年開館即啟動的長期藝術實踐計畫，邀請不同領域的創作者離開美術館既定的場域創作，於非典型的展演現場突破空間和制度的侷限，向外發散能量。2025年奧夫塞計畫推出《平田晃久建築展─物我交織的臨界》，是繼2019年《人間自然─平田晃久個展》後，建築師睽違六年再度來台展出。 《平田晃久建築展─物我交織的臨界》展覽主視覺。©忠泰美術館   平田晃久（Akihisa Hirata）作為日本中生代建築師代表人物之一，亦在台灣設計了不少作品，本次他帶來兩個核心建築概念「纏繞」與「迴響」，透過近40件珍貴草稿和模型，深入分享近年創作，同時展現其理論的延續和突破，呈現平田晃久對人類與自然融合的哲思，並從身體感知延伸至時空，探索建築的可能性。展期至2025年3月30日止，於NOKE忠泰樂生活三樓Uncanny免費參觀。   謙遜包容 萬物交織 平田晃久師承伊東豊雄，作品融合了人類與自然的哲學思考，兼具論述和創新設計的實力。忠泰美術館總監黃姍姍說道，爬梳平田晃久的創作軌跡，可以發現他並不滿足於現有的成就，而是不斷地在進化與前進，本次個展即為展示他現階段最新的想法和成果，期待提供觀者透過全新視角見證建築師的成長歷程。 展覽於NOKE忠泰樂生活三樓Uncanny展出。大階梯空間演繹「纏繞」主題。©忠泰美術館   平田晃久熱愛昆蟲，他曾說過：「人，在身而為人之前是一種動物、一種生物，同時人類也像是讓地表發酵的微生物般的存在。」他的設計一直都離不開人這樣的角色，因此，本次展覽以《物我交織的臨界》為題，探討在不斷轉變的人類生活與價值觀中，建築該如何回應未來的需求。平田晃久以最初的核心概念「纏繞的相容性」，將建築視為一個生態系統，成為人類與自然共生的有機場域；近年更發展出「迴響」概念，進一步探究人類的意識、感知、時空等非肉眼可見的物質，匯聚過去、現在與未來思想的連結與共鳴，試圖探索未來建築的可能性。 「迴響」主題展場照。©忠泰美術館   黃姍姍補充分享，本展雖然作為練馬區立美術館的巡迴展，但整體空間氛圍及作品配置，皆為平田晃久及其團隊特別量身打造，除了精彩的模型外，亦同步展出諸多平田的手繪原稿。   主題一：〈纏繞的相容性—身體的交織臨界〉 主題一中透過多個關鍵字展現其理念。「無法一眼望穿的空間」相連卻又未知的模糊邊界呼應現代人際關係；「皺褶」模擬如煙霧、珊瑚礁等能自我增生的自然幾何學原理，增加空間使用面積；「線條」如同樹枝化為鳥兒築巢之地，創造出綠意交纏的空間；「樹木」作為建築理想型態，成為萬物共生的據點；以及「發酵」讓人與建築、城市自然相融。本區展示了平田晃久的東京作品《Tree-ness House》，結合住宅跟藝廊，由方盒、皺褶、植栽組成宛如樹木般的型態，融合庭園與街道，共構一個立體的三度空間；位於台北的12層集合住宅《富富話合》同樣將自然引入都市，透過建築退縮的手法，替每戶打造寬敞陽台，並以屋簷及植栽調節陽光。 Tree-ness House。©Vincent HECHT   富富話合。©忠泰美術館 主題二：〈迴響—意識的交織臨界〉 植物藉由揮發物質，以類似香氣或聲音的感知進行溝通，平田晃久稱此為「迴響」。建築作為人類需求的產物，匯集了無數人的想法，形成潛在的連結與共鳴，這樣的行為也影響著當代建築的創作。例如，在設計《太田市美術館圖書館》的過程中，平田晃久多次舉辦工作坊，積極聽取市民跟相關人士的意見，將集體思考與回饋反覆融合，打造一個充滿集體意識的「迴響」空間，成為市民匯聚的文化據點。 太田市美術館圖書館。©Daici Ano 目前在台灣進行中的新作《國立臺灣大學百歲紀念館》，規劃包括博物館、多功能展演廳等多元機能，導入「Fragment」（斷片）元素，試圖在變化多端的展示空間和活動中激發互動，結合人類思維與AI人工智慧的形式，對「Fragment」型態進行研究，使其成為啟發各類展示與活動的催化劑。 國立臺灣大學百歲紀念館。©忠泰美術館   主題三：〈迴響之迴響—時空的交織臨界〉 平田進一步思考建築與不同時空的迴響如何對話。他認為，建築是跨越時空與意識的任意門，除了回應當代生活需求，同時能保留、傳承過去的記憶與感受。2024年開幕的東京原宿新地標《HARAKADO》以編織意象打造建築立面，以立體玻璃帷幕映照表參道街道櫸木、天空與神宮之森的自然綠意，亦呈現新建築和街區歷史共存的城市面貌。 HARAKADO。©KENYA CHIBA 《EXPO National Day Hall “Ray Garden”》則為2025年大阪世界博覽會設計，數道帶狀樓板依照關西地形的皺褶方向及展場的盛行風向構成，結合光線、風與綠意，展現地球作為生命體的活動特徵。 EXPO National Day Hall “Ray Garden”。 ©忠泰美術館     平田晃久© Marc Goodwin, Archmospheres 1971年出生於大阪府。平田晃久建築設計事務所代表，京都大學大學院工學研究科建築學專攻教授。畢業於京都大學工學部建築學科，同大學大學院工學研究科修了。畢業後進入伊東豊雄建築設計事務所。2005年起自立開業，設立平田晃久建築設計事務所。     資料及圖片提供」忠泰美術館 撰文」陳映蓁

《未央．夜》邀請八位藝術家匯集於TKG+ Projects，通過水彩、素描、油畫、雕塑、攝影、藝術裝置等形形色色的手法與媒材，傾訴他們對入夜後的世界的觀察和哲思。   TKG+於2009年成立，初以台灣當代錄像藝術為主要路線，切入媒體時代，致力於拓展影像在藝術領域的思考範疇，隨著畫廊經營的時間軌跡，TKG+進一步在畫廊以藝術家創作為核心、展覽為主體的運作基礎上，延伸藝術經濟體系。負責人暨藝術總監吳悅宇期望透過這座藝術空間回應時代變化，讓藝術與社會接軌，將藝術落實於生活。   夜晚或許是有些人在經歷一天繁忙後難得的休憩和自由時間，也或許有人的忙碌才剛剛開始， 在《未央．夜》中，可見藝術家如何詮釋這段時光：「王雅慧——一首詩」、「王慶蘋——冥冥中的彩排」、「周楷倫——隱市」、「邱承宏—— 夜與靈魂」、「洪郁雯—— 載夢」、「陳妍伶——窺探」、「智海——鹵素：明珠」、「劉致宏—— 迷湯」，八位藝術家的作品在展場中拼貼這段與白日相對的幽微幻夢，喚起觀者的無盡想像。     展覽作品   王雅慧《一首詩》   王雅慧的創作取材自生活經驗，將攤開的詩集置於桌上，來自作家筆記本原稿那一頁有別於過去翻閱的記憶，意外觸動了她，手寫的質感、歷經時間的詩集，置於工作室久未清理的黑色桌布上，種種元素在這一刻彎成一道迴圈，詩句與承載文字的媒介產生了共鳴。     王雅慧，一首詩，2020，半光面相紙鋁板裱褙、實木層板、書，73 x 09 x 20 cm。     王雅慧致力於研究影像媒材與觀者視野的邊界，探討現實與影像之間的重疊和落差，創作形式涵括錄像、裝置、攝影、繪畫，並在作品中思考，重力造成的型態、時間運行的軌跡、影像的視覺及記憶中的時空、事物的質感，乃至於人們對事物的成見，在這些不同階調的反射中，如何構成人類認知中的世界。   她關注東方的自然哲學中人與世界的關係與思維方式，嘗試將這樣的思路重新納入當代生活，相對於單純的拍攝，其影像作品更著重於解構風景，深入構圖的邏輯，化為多層次的敘事。     王慶蘋《冥冥中的彩排》   創作之於王慶蘋，就如同張著眼做夢，作為一色彩主義者，色與光是她的創作語言，通過繪畫和攝影，充分展現她運用色彩關係與色光特性建構形與色的繁複對話，激發作品張力與蘊意。結合抽象和有機象徵型態，在作品中建立多緯結構，令意象與非意象彼此穿插交會，讓觀者一窺藝術家靈魂深處的動靜變化。     王慶蘋，作品331號，靈動之物，2022，複合媒材（不透明壓克力水彩、油性粉彩筆、墨水）、水彩紙，23 x 31 cm。     其作品層次多重、充滿體驗性，藉視覺空間結構的交互震盪，創造豐富的動態與情緒張力，進而轉化為觀者感性經驗內涵與視覺隱喻，講求慢觀、浸淫與持續發現。豐富的色彩層次、象徵性筆觸及線條共同交織，在不斷流轉與游移的視角中，創造多元的視覺內涵與敘事可能。     陳妍伶《窺探》   陳妍伶講述了一個窺視者與被窺視者的故事，她創作了高矮不一的民房、守在街燈下形單影隻的人，從中透出的幽微燈光令人聯想到安德烈亞斯．古爾斯基的《巴黎．蒙帕納斯》（Montparnasse, Paris，Andreas Gursky）和法國攝影師羅曼．雅凱《天台故事II》（Romain Jacquet-Lagrèze，Concrete Stories II）作品裡的一格格小窗，藝術家放大了每一格入夜之後亮燈的窗，窺探別人的同時也把自己擺了進去。     陳妍伶，亮燈(2)，2024，複合媒材，牛奶紙板、LED 燈泡、木頭、模型娃娃、MP3播放器，15 x 25 x 14.5 cm。     從一扇扇小窗，勾起對屋內情景的好奇，夜晚令人褪去白日的武裝，在屬於自己的空間裡釋放被掩飾的天性，在賀照緹的紀錄片《睏袂之際》中，陳妍伶捕捉到白日奔波的人們在深夜獨自面對自己時，因恐懼而無法成眠的窒息感，而最終每個人都將孤單地睡去。     陳妍伶，邊緣，2024，複合媒材，木頭、模型娃娃、LED燈泡、磁鐵、電池，37.3 x 34.8 x 9.8 cm。     陳妍伶早期以錄像、超八厘米影片為主要創作，2012年之後開始收藏廢棄的木料、布料、金屬和雜誌，結合大量的手工縫紉為複合媒材進行創作。以人為核心，探討人的情緒和困境，以一種通透的視角，觀察旁人和自己的內心世界。     邱承宏《夜與靈魂》   邱承宏尋拾地震災難中倒塌建築的破碎建材，試圖在現實中重建夢境缺失錯落的斷簡殘編，以扭曲的鋼筋與混凝土，建構書架及書本造型的雕塑，在這些裂痕與斷口之間，嵌入來自周遭環境的光影與情緒，如同書架索引，隱含夢境中的低語與記憶片段，也映射出現實世界的掠影浮光。     邱承宏，夜與靈魂，2025，鋼樑、混凝土（地震倒塌之建築物殘骸）、水泥、鵝卵石、黑大理石、黑曜石、石墨、金屬夾具，226 x 272 x 76 cm。     邱承宏的創作多以裝置、雕塑的方式呈現，宛如在現實與幻想的邊界進行考古，他善於挖掘被遺忘的時空中曾經存在的身影，並透過抽象手法重新演繹那些被合理化及設計過的生存軌跡，將它們生動地重塑，藉此發展出藝術家獨有的記憶修補術。     洪郁雯《載夢》   洪郁雯運用跳脫框架的思維，打造她的微觀宇宙，巧妙融合傳統技法與各種媒材，超越常規和文化隔閡、探索藝術創作的邊界。她在本展中編織對夜的想像，似雲絮或薄霧般輕飄虛渺的作品，卻絲絲縷縷流動著金屬的微光閃閃，靜止於空氣中，在展場朦朧的光影籠罩下，彩漆銅線在空中糾纏不規則的線條與形狀，宛如黎明前將要逸散的夢境。     洪郁雯，載夢03，2025，彩漆銅線，80 x 127 x 18 cm。     自小旅居各國，洪郁雯受多元文化薰陶，將跨越多個文化圈的生活經驗融於其藝術中。她的創作展現如水一般，給人流動且不被定性的感覺，輕鬆超越界限和形式，同時保留其內在本質，其流動性反映了她多元化的觀點，蘊含道家思想相生互換的哲學。曾在台灣舉辦個展，並參與歐洲和加拿大的群展，是近年備受矚目的亞洲新秀。     周楷倫《隱市》   以繪畫與攝影為主要創作的周楷倫，有時先拍照再根據相片內容進行繪畫，有時先落筆，事後再進行拍攝，透過攝像和繪畫形式的相輔相成，進行當代視覺影像與繪畫的討論和思索。面對既有影像的重複辯證，既是強調個人的自我意識，也是藝術家在創作形式現代化與社會規則交相逼進的情境底下，針對「創作者」身分進行的反覆詰問。     周楷倫，休息的高鐵旅客，2024，炭精筆、紙，19.5 x 13.1 cm。     周楷倫表示，一直希望留下一些獨一無二且能夠求同存異的瞬間，讓自己與自身當下所處的環境周遭達到某種平衡狀態。身處碎片化的時代，周楷倫的創作轉化源於意識的攝影，在現實中取材拼貼精神的輪廓，回應藝術家身處現代社會的自我定位。     智海《鹵素：明珠》   1977年出生於舊香港的智海自過去收藏的幻燈片中取材，創作《鹵素》繪畫系列。這些幻燈片大多是1960-70年代香港的風景名勝，因年代久遠而褪色，剩下偏紅的單色調。     智海，鹵素51–啟德機場夜景，2025，油彩、麻布，24.5 x 33.5 cm。     將過往的風景投影於工作室的牆上，智海將這些不曾親歷的場景繪製為一系列油畫，再將畫作轉譯為幻燈片，並投影展出，作品內容聚焦於舊香港的城市夜景，題為《鹵素：明珠》。歷經載體的一再轉換，為這些僅存於舊香港人記憶中、曾被譽為「東方之珠」的都市場景，烙印最後的風華。   智海的創作涉及鉛筆畫、油畫、漫畫與獨立出版，題材廣泛，漫畫集包括《圖書館、我和我聖人》、《默示錄》、《大騎劫：漫畫香港文學》、《灰掐》等，作品譯有英、法、義及芬蘭文。     劉致宏《迷湯》   劉致宏的作品描繪了一個下著雨的傍晚，騎在老打檔車上沿著海岸巡遊前進，隨著天色漸深，自身也越發靠近海洋。安全島上瑣碎的裝飾燈、鎢絲燈泡的光逼出梅納反應（Maillard Reaction）的熱烈，隨細密的雨絲，暈開視線所及的每一點光源，沸騰的陽明山上蒸氣繚繞，榕樹與棕櫚葉被雨水洗得顏色清亮，海堤上釣魚的人們撒下點點螢光。     劉致宏，鎢絲燈泡，2015，油彩、畫布，19 x 27.5 cm。     劉致宏近年的創作持續關注當代生命經驗的捕捉，以日常的角度建構敘事，創作類型涵括了繪畫、陶瓷、裝置、複合材料、地景藝術、出版計畫等，並聚焦在「材料與能動性」、「語言形式轉化」與「在地關係連結」等面向。   自他的創作中，宛如從他的眼睛、跟著他的呼吸，一同沿著海岸奔馳，細雨澆頭，風和水氣撲面，略帶汗水的鹹味……一切感知，宛如將深夜的種種元素投入，細燉一鍋迷湯。     《未央．夜》 時間」2025.02.15-04.19 地點」TKG+ Projects (台北市內湖區瑞光路 548 巷 15 號 2F)     資料及圖片提供」TKG+ Projects 編輯」江瑜

林莉酈〈大眾澡堂-1〉44x80cm，絹本膠彩，2025。     2025的當代一畫廊，邀請兩位女性藝術家攜手以雙個展的形式，為其首檔展出揭開序幕。   林莉酈與胡晴雯的最新創作，通過水墨與膠彩反映現實的生活片段、和創作者游離於現實之外的精神世界。展出內涵20餘幅作品，呈現兩位藝術家相輔相成的創作脈絡，在物質性與精神性之間搭起一座橋樑，邀請觀者在光影與時間的流動中，感受生命的豐富與深邃。     胡晴雯〈透光〉45x100cm，銀箔、墨、鉛筆、盛上、紙，2024。     舊影重遊─林莉酈個展   林莉酈以平實筆調表現沉靜的心靈感受，取材自日常所見，作品呈現的室內空間、街景擺設以及植物盆栽，情感含蓄內斂，而不見任何引人注目的企圖；氤氳的灰調、搭配高彩度色質，與台灣膠彩畫習見的鮮麗大不相同，表現其個人獨到的色感與美學。     林莉酈〈前山浴室〉43x77，絹本膠彩，2025。     作品畫面充滿對日常事物的溫柔凝視，從童年田郊的純真記憶，到成年後的思索，融合自然、宗教與人造物的象徵，林莉酈從藝術家的角度，重新審視生活裡的每個細節，從中提煉生與死、開闊與封閉的矛盾，藉細膩筆觸將這些感受具象為畫面語言，讓觀者在作品中窺見物質世界背後的靜默與震動。     如影隨形─胡晴雯個展   胡晴雯偏好觀察光影與萬物互動的變化，使用金屬媒材突破傳統水墨主題的盲區，寫意筆法描繪抽象和流動的時光，利用硫磺水與銀箔產生交互作用，自然衍生線條和筆觸；並善用銀箔易氧化的特性，沉澱焦灼的色彩在畫面中留住了時間的軌跡，展現傳統與現代技法相輔相成的可能性。     胡晴雯〈朽葉〉30x30cm，銀箔、礦物性顏料、硫磺、紙，2024。     以光為核心，捕捉生活中片刻的感性經驗，將那些不經意流淌的瞬間凝結為悠長的詩意，觀察光影映照萬物表面、滲透萬物內裡的此消彼長，光的存在沉澱了心靈上的紊亂，成為藝術家的精神反射，也是創作中不可或缺的主題，胡晴雯通過描摹光影的善變與易逝，將這些特質轉化為對生命旅程的觀察與深思。       《舊影重遊 x 如影隨形》林莉酈 x 胡晴雯水墨雙個展 〈What Difference A Day Makes X Inseparable〉- Ink Paint Dup Solo Exhibition 日期」2025.02.07 — 2025.03.22 地點」台北市光復南路22巷32號1樓 營業時間」週一至週五10:00-18:00星期六13:00-18:00     資料及圖片提供」當代一畫廊 編輯」江瑜

蛇年迎春萬象更新，新的一年誠品畫廊以「繭之詩」為名推出全新特展，並邀請日本藝術家北川宏仁、台灣藝術家李明剛、楊子逸、潘麒方、李秉璈，以及香港出生的藝術家張柏林等人之作，以赤陶雕塑、油彩、壓克力顏料、水墨等媒材，映照日常肖像、重建風景等當代生活模樣，揭示當代社會的碎裂感及網路世界的流動性，訴說人際間若即若離卻又無可名狀的內在感性。   北川宏人所作人物雕塑矗立在展場中央，其完美比例彷若與觀者一同漫步欣賞。 以人物雕塑聞名的北川宏人，利用陶土捏塑將人物身形拉長，達到其所理想的完美比例，不僅蘊含西方雕塑的古典氣質，亦兼具日本動漫美學。特別的是，北川宏人手下作品雖擁有時尚外表，神情中卻透著一股憂鬱疏離的茫然，刻畫出泡沫經濟下日本青年的無奈和苦悶。   李明剛，憑拳，2024，壓克力顏料／畫布，50 x 50 cm。從生活場景出發，在現實與虛擬間創造嶄新的繪畫語彙。 「空間記憶的探索與重構」是李明剛的創作核心，本次展出從疫情期間至今的繪畫作品，其中可見透過掃描、拼貼及去背等手法，擷取生活場景片段，將其轉化為介於現實與虛擬間的敘事場景，表現人們透過網路及迷因獲取認知與共鳴，在虛實交錯中反映當代碎裂而嶄新的繪畫語言。   張柏林，在速度之上，2023，油彩／紙，51 x 36 cm。 生於香港的張柏林，本次展出涵蓋2019年至近期所創作的肖像畫，其人物多散發著如聖人般的微弱光環。在作品中，肖像畫象徵著張柏林探討自我的多重投影，彰顯人們被欲望牽制而感到無力的痛苦與掙扎，透過反覆消抹、塗刮等手法，紀錄與重構人們存在的心理狀態。   楊子逸，山間的影子，2025，水墨／絹本，88 x 140 cm。 楊子逸以水墨為媒材，圍繞「山水」作為發展前奏，利用塊面狀作為主要基調，繪製出獨樹一格的「自然」，透過墨於宣紙上的寫意和流動暈染，審視物我之間的關係。藉由磨墨、繃絹、單色墨塊反覆疊加，最後填於上礬的絹布之上，彷彿穿透表象探見背後真實樣貌，不為表層所蒙蔽，探討眼見與心視之間的差異。   潘麒方，麒麟花，2024，油彩／畫布，91 x 60 cm。 風景是潘麒方的繪畫主題，習慣於尋常景物中，挖掘被化為氣味、記憶、印象及各種情緒等體驗，進而探索景物間的連動關係。在此次展出的近兩年之作中，藝術家從回憶與感受出發，以清晰姿態出場卻又迅速消散，因此其作品總在清晰與曖昧的記憶間構築而成，成為可見事物的再延伸，以及「不被量化的感性」呈現，藉以提出屬於現代風景畫的新見解。   （右）李秉璈，野望，2024，壓克力顏料／畫布，163 x 97 cm。（左）李秉璈，想像藍海。2024。 李秉璈在2021年《壓馬路》及2024年《想像藍海》等繪畫新作中，以日常生活、網路社群及零星記憶為靈感，從這片破碎訊息中捕捉資訊畫面，在放置與疊合間創造出似曾相識的感受，猶如開啟或連繫或獨立的多個視窗，重新審視日常過程，賦予繪畫另一層的時代含義。   繭之詩 時間」2025年2月8日至2025年3月22日 地點」誠品畫廊丨台北市信義區菸廠路88號B1（誠品生活松菸店） 線上展廳。   資料及圖片提供」誠品畫廊 編輯」林靖諺

LITUUS系列2025春夏精品。     丹麥設計精品GEORG JENSEN喬治傑生，攜手知名設計師Anne Boysen，推出全新LITUUS系列居家精品，以三款精美花器揭開春季序幕，2025年2月14日正式發售。     LITUUS系列2025春夏精品。     熬過漫漫長冬、時令花卉醞釀一季的蓬勃生機，結合獨特的北歐設計巧思與嫻熟的金屬工藝，於居家場景拂來一縷春天的明媚氣息。     LITUUS系列2025春夏精品。     Anne Boysen與喬治傑生品牌的首次合作始於2024年夏季，受Caravel湯匙的獨特造型觸動，以其凹凸型態、反光效果與流線設計作靈感，與工坊銀匠們攜手打造形態獨特的銀雕藝作「Intoo」。     LITUUS系列2025春夏精品。     身為丹麥新銳設計師兼建築師，Anne Boysen善於將複雜概念轉化為直觀的設計語彙，在國際賽事上屢創佳績，如其作品於哥本哈根「3 Days of Design」設計展上的公開亮相。     LITUUS系列 不鏽鋼花瓶(大)。     全新上市的LITUUS系列，延續Anne Boysen獨樹一幟的風格調性，以簡約線條和設計思維形塑家居用品，透過幾何造型帶動建築的立體雕塑感與現代性的聯想，同時藉由凸面與凹面強化結構曲線，平滑錚亮的金屬表面和流動的光影視覺效果，點亮家居一角的陳設，為日常生活營造起居的儀式感。     LITUUS系列 不鏽鋼花瓶(落地)。     LITUUS系列花瓶以雙向傾斜的管狀結構呈現，交錯的金屬管道與植物枝葉生長的結構相仿，支撐花卉自然生長，採用鏡面拋光不鏽鋼金屬的材質，倒映植物與光影互動的千姿百態；同時以自然韻律與花卉週期為設計核心，推出三款尺寸，配合花草的生長與擺設場景所需。     LITUUS系列_不鏽鋼花瓶(小)。     透過其高度及角度的差異，同系列的花瓶相互對比；透過不同植株和花瓶的互襯，突出花朵不同周期的姿態，LITUUS系列花瓶融合時尚與純淨的造型，相約時令的自然風光，讓生活中的每個場景，蘊生藝術與日常交織的美好。     資料及圖片提供」GEORG JENSEN喬治傑生 編輯」江瑜

大自然是人們眼中的最美畫作，湛藍的天空、青翠的綠地、蔥鬱的草木、砂黃的土地，如水彩般鋪灑於一片素色上，其色澤在光線的精心安排下，閃爍出鮮豔潤澤，成為無可替代的靈魂窗景。 木質步道沿著河畔延伸，與原有的自然之景相融，形塑和諧的視覺感受。 在俄羅斯的加里寧格勒地區的古里耶夫斯克市，有個極為寬敞的公共空間《Guryevsk Light Park》，不僅受到附近居民的喜愛，更吸引大量遊客特地前往一探究竟。整體概念由專注於科學建築的dot.bureau團隊及專業諮詢Sheredega Consulting團隊共同操刀，以「光」作為設計主軸，創造隨著日夜變換場景的休閒公園。   入口處的照明裝置，白天是趣味的迎接門面，夜晚則散發亮麗光影，炫麗而引人注目。 步入公園，迎接的是大型的燈光裝置，絢爛地令人眼前一亮，不僅引入城市的繁忙景致，置身其中更彷彿穿過層層框架，在每個轉角期待意想不到的互動，為遊客提供極佳的拍照景點。穿過充滿清新氣息的步道，周圍是被保存完好的自然風景，沿著隱密小徑悠然漫步前往下個區域，探索多樣且富有設計感的建築景觀。   光的篇章：生活中的光與影 「光」在全作中扮演著重要角色，為貫徹設計理念，步道上鋪設閃著彩色光芒的磁磚，並隨著圓形與方形的輪廓變化，描繪出趣味十足的指引路徑。向上望去，設計團隊特別設置白色光圈燈飾，在黑暗中閃爍極具未來感，如白雲般朵朵飄逸。   白色光圈與地坪上的方形發光磚相呼應，透過幾何圖形形塑活潑視景。 沿著步道兩側是以ㄇ字型矗立的光拱門，穿透森林串連場域，穿行間猶如進入童話世界，每一幕都成美麗景畫，繼續前行便是Guryevka堤岸，周邊設有木質躺椅、露天劇場以及看似布滿蘆葦的草地，遠看彷彿在發光般地閃耀，最終抵達整體核心－燈塔，散發著柔美光影，堅挺照亮每條道路。 光拱門沿步道矗立，穿行其中彷彿穿越一幕幕的相框，每一幅都成佳作。   根植大地 與自然的共鳴 公園西側有處小池塘周圍環繞著木質步道，與自然和諧相融，適合放鬆散步，聆聽著鳥語蟲鳴，感受徐徐微風輕撫而過，伴隨暖陽照耀體驗每刻悠閒時光，此外，一旁亦規劃了休閒區，讓遊客在步行之餘，可在此稍作休憩，欣賞湖面風光。 兒童遊憩區設置如飛船般的設施，讓孩子們在玩耍時拓展想像力。 兒童遊樂區充滿童趣，以宇宙飛船為發想，設置如飛碟般的遊樂設施，彷若外星人曾在此降落，且不再離開的新奇意象，讓孩子們沉浸在奇幻世界中，享受無邊際的浩瀚宇宙，同時拓展對事物的想像力。 建築採用外露木骨架勾勒輕盈感，在縫隙間引光線穿梭、綠影婆娑，在穿行間欣賞細緻的設計輪廓。   為延續此地所富有的歷史與文化，設計團隊在建築結構中注入外露木骨架語彙，以及動物主題的藝術品，這些元素遍布公園各處，引人回想起這片廣大樹林，不僅在19世紀時曾存在著一座動物園，更是著名城市諾伊豪森的一部分，極其熱鬧繁榮。 輕踏步伐漫步其中，在彎繞間昂頭望向高聳樹木，沉浸在森林浴中放鬆身心。  整體透過立體與光影裝置劃分區域，以避免即使遊客眾多造成的擁擠狀況，另外流暢的動線布置完美控制人流分布，使其皆可找到合適的溫馨角落，積極享受休閒活動，同時靜心品味大自然所贈與的美景。 輕巧的木架建築隱約可見聳立燈塔，指引著人們勇往直前。 Guryevsk Light Park 總建築師」dot.bureau / Alexey Chadovich, Nadezhda Chadovich, Natalia Morozova, Alexander Krylov 參與團隊」SheredegaConsulting / Yuri Sheredega, Evgenia Sheredega, Alexander Marulin, Ekaterina Tolmacheva, Dmitry Letunovsky 設計團隊」другая архитектура 主要結構」木骨架、木材、裝置藝術 空間性質」公共空間 坐落位置」俄羅斯 總面積」85000m² 資料及圖片提供」dot.bureau、Dmitry Chebanenko、Denis Kichatov 撰文」林靖諺

2025年威尼斯建築雙年展將於5月10日至11月23日舉行，本屆大會主題為「智慧．自然．人工．集體（Intelligens. Natural. Artificial. Collective.）」，策展人卡洛．拉蒂（Carlo Ratti）用「Intelligens」這個字詞，突出「gens」在拉丁文中「人」的含意，討論三種不同類型的智慧：自然、人工和集體智慧，於建築設計中如何被思考和用以面對當代環境和氣候困境。   而文化部所屬國立臺灣美術館（簡稱國美館）自2000年起承辦「威尼斯建築雙年展臺灣館」的展覽，每兩年徵選出具代表性的台灣建築策展提案，前往義大利威尼斯普里奇歐尼宮（Palazzo delle Prigioni）與國際交流。 展場配置概念示意圖。 今年，由策展人薛丞倫、協同策展人吳秉聲、蘇孟宗、江松長帶領國立成功大學團隊策劃的參展計畫－－「[無]信仰：漂蕩世界的臺灣智慧（NON-Belief: Taiwan Intelligens of Precarity）」獲選，將以展覽、裝置、工作坊和論壇的形式，探索並定義當代台灣建築師的「智慧（Intelligens）」表現和未來設計的展場領域。展覽內容亦於日前首度公開亮相。 策展人薛丞倫。   以大會主題為基礎，探索在當代建築及環境中的智慧（Intelligens）角色，重新審視台灣在全球化與飄盪的地緣政治背景下的空間策略。整個提案概念受到美國藝術家羅伯特．史密森（Robert Smithson）的「NON-sites」理論啟發，強調地景的缺席、置換與二元性，並透過抽象架構來反思建築、實質環境與再現之間的關係；而「無」同時也是東方哲學中「無／有」的二元辯證思考。 展場模擬圖。 三大主題：效率、科技、控制 展覽設計嘗試辨識、建構屬於台灣「信仰」與「無信仰」之間的灰色地帶，尋找智慧（Intelligens）的不同表現形式及其影響力，並分為三個面向做探討：效率（Efficiency）：[無]高速度信仰（NON-Belief in high-speed），探討全球追求效率和快速發展的潮流，以台灣高鐵系統為案例研究，提出高鐵所建構的台灣大都會區帶，與城鄉差距下都市生態的反省；科技（Technology）：[無]晶片信仰（NON-Belief in chips），探索科技島之於生態島兩個極端神話的信仰，以及背後綠能光電板所覆蓋的代價，尤其以台南七股地區作為主要研究場域；控制（Control）：[無]感知－運動信仰（NON-Belief in sensory-motor），從每天例行生活的各種細微感知中，在延展的基地涵構和關係場域內重新梳理各種與生態、文化、社交的衝突。 展場模擬圖。   島嶼意象串起觀展路線 本次展場設計採用「島嶼」概念貫穿全場，以「島—群島—半島」之間的關係呈現信仰與[無]信仰之間的張力。一座宛如自黑夜海洋中浮現的島嶼靜靜佇立於展場中央，蜂巢紙切割出了台灣地形剖面，細密的紋路如同時間在土地上刻下的痕跡，微光自紙間漫出，隨地形起伏緩緩流動；結合上方「科技島」以電子紙輪播台灣地景照片，陳述半導體發展對台灣土地的影響，同時引入環境正義的討論，包括都市熱島效應、能源分配等議題，全面研討科技跟環境的交互關係，並輔以16組研究書冊，以科技島嶼論述為序，開啟[無]信仰的觀展動線。 蜂巢紙切割出台灣地形剖面。上方科技島以電子紙輪播台灣地景照片。   展場周圍則配置展櫃，象徵環繞群島，展示12組研究模型，聚焦台灣真實情境與議題，反映當代社會的挑戰及思考，讓觀者在群島結構中，重新思索台灣地景轉變的脈絡。展場一端的「光明燈牆」好似群島中設置的信仰半島，成為核心並串聯起所有展櫃和內容，營造統合與連結的視覺體驗。正式於普里奇歐尼宮展出時，由展場唯一開啟的對外窗可望見威尼斯的安康聖母聖殿，象徵人文及信仰的起點。 Old Town - [Railway Station] - Science Park。參展者：張鶴齡、宋立文。展覽團隊：AECOM︱張鶴齡建築師事務所＋宋立文。成員：吳宛蓁、鍾宛庭、方若嘉。攝影：李奕瑲   台灣科技廟。參展者：林宛蓁、侯慶謀、葉玉祥、賴伯威。團隊：侯林設計＋葉玉祥＋賴伯威。成員：蔡侑樺、李秉勳、王聿雅、徐敬恩。攝影：李奕瑲 [無]信仰：漂蕩世界的臺灣智慧 日期」2025年5月10至11月23日 地點」義大利威尼斯普里奇歐尼宮（Palazzo delle Prigioni）     資料及圖片提供」國立臺灣美術館  撰文」陳映蓁

「我創作的核心是透過重新打造、去除原有敘事，將世界變成一座模型；此時世界變成寓言，而整個作品計畫就是隱喻。製作模型是一種文化技藝，沒有它我們就無法見證一切。」──托瑪斯．德曼    德國藝術家托瑪斯．德曼（Thomas Demand）世界巡迴展近日登台，並於臺北市立美術館展出。展覽由攝影展覽基金會、尤倫斯當代藝術中心與北美館共同製作，美國策展人道格拉斯．佛格（Douglas Fogle）策劃。德曼曾參與「2002台北雙年展」，本次睽違20餘年重登，匯集從1990年代至今近70件作品，呈現其30年融合雕塑與攝影的創作實踐。 精心設計展場燈光，在明暗間細膩感受作品所暈染出的意境。 從工具到藝術媒材的轉變 起初，德曼僅以紙張和硬紙板為素材創作雕塑，攝影原本是紀錄作品的工具。在拍攝過程中，發現物件實體與相機鏡頭所呈現平面影像之間的差異，而後發展出以攝影為目的建構物體的創作方法，成為創作的主要媒材。   托瑪斯．德曼，《檔案》，1995，C-Print／水晶裱。 德曼的創作題材多取自知名歷史或社會事件，重現影響西方、全球局勢轉折的關鍵時刻。早期觸及未曾親身經歷、透過圖像認識的德國歷史，如1944年希特勒險遭暗殺、被炸毀的房間（《專室》，1994）；納粹所支持電影導演蘭妮．萊芬斯坦（Leni Riefenstahl）的電影資料庫（《檔案》，1995）等。   重現歷史與文化場景 此外，德曼重建多起世界重大新聞事件的場景，例如：唐納．川普2017 年就任美國總統前召開記者會中，為證明已交出名下企業經營權而堆疊於現場的文件 （《文件夾》，2017）；美國國家安全局洩密者艾德華．史諾登（Edward Snowden）逃亡至俄羅斯時曾落腳的飯店房間（《避難所》系列，2021）。 托瑪斯．德曼，《控制室》，2011，C-Print/水晶裱。 警方查獲30件失蹤數十年名畫與雕塑的威登斯坦研究中心（Wildenstein Institute）密室（《保險庫》，2012）；311大地震後福島核電廠廢棄的控制室 （《控制室》，2011）等。   托瑪斯．德曼，《石窟》，2006，C-Print／水晶裱，透過硬紙板仿真石窟意象，落於攝影圖像便是人們集體對石窟印象的濃縮。 人類文化如何詮釋與再現「自然」，以及人造和自然世界的分野，一直是德曼感興趣的創作主題。以超過27萬張紙製樹葉創造《森中空地》（2003），一幅陽光從樹冠灑落的夢幻森林場景，呈顯人們對純淨、原始自然樣貌的浪漫憧憬。《石窟》的場景由36噸的硬紙板製作而成，藝術家收集並研究數百張世界各地禮品店銷售的石窟明信片，建造出仿真石窟及經過數千年累積而成的鐘乳石。  托瑪斯．德曼，《花見》，2014，UV 印刷，無紡布壁紙。展場入口，以《花見》大面鋪陳立面，聚焦視線吸引觀者目光。 橫跨此次展間出入口牆面的壁紙攝影作品《花見》則為觀者打造沉浸式環境體驗，利用紙製出無數櫻花，以稍縱即逝的花期，冥想生命短暫與周而復始的本質。   日常系列：重現生活中的詩意 2008年，德曼轉移到生活題材上，創作「日常」系列。藝術家採取相同創作手法，將影像轉換成紙雕再拍攝，不過此系列的影像來自日常中偶遇、用手機拍攝的一隅即景。 丟在層架上的空優格冰淇淋杯與粉色塑料湯匙。 「日常」系列為德曼以尋常視覺元素譜寫的自述，讚頌生活中蘊含無限意趣的微渺末節，濃縮成對歷史的理解：歷史不僅是世界各地的恢弘事件，也同樣包含個體生命的凡常絮語。有鑑於手機的普及及大眾對在社群媒體分享影像的痴迷，透過耗時精心重製生活中詩意而平凡的瞬間，引人反思快速生成和傳播、充斥於當代社會的影像。 托瑪斯．德曼，《太平洋豔陽號》（動畫截圖），2012，定格動畫。  在紐西蘭海岸遭熱帶風暴巨浪襲擊的郵輪船艙內，桌椅、儲物櫃等物件向兩側滑動的滑稽景象，花三年時間，用紙和紙板重現。 定格動畫則是德曼對動態影像構成的探索。《太平洋豔陽號》取材自一段網路上瘋傳的監視錄影機畫面；《氣球》（2018）中，一串繫在紅色塑膠晾衣夾上的氣球，在混凝土與磚石人行道上被風吹而緩緩飄動。畫面中只見夾子、五顏六色的絲帶，氣球本身卻漂浮在畫面之外，僅透過投射在地面的影子顯現，宛如跟著即興演奏的小步舞曲輕巧而慵懶地移動；伴隨搖曳的樹影、偶爾在地面掃過的落葉，作品捕捉城市生活中往往被忽略、不經意的詩意瞬間。 托瑪斯．德曼，《椋鳥》，模型研究4，2020，數位版畫框裱。   2011年，德曼在洛杉磯蓋蒂研究所（Getty Research Institute）駐館期間，開始「模型研究」系列創作。主要聚焦在建築與時裝設計師的紙質模型初稿，擷取其中局部與抽象元素，揭示紙如何成為構建世界的基礎。   《置物櫃》（2018）以圖像輸出鋪於四周立面，享受層次豐富的視覺感受。 另外，在視覺世界建構環境的探索過程中，以其攝影輸出為壁紙介入白盒子空間，如《圓管》（2018）與《置物櫃》（2018）圖像在兩個展間中滿布四面展牆，為展示賦予空間層次感。   藉由紙張、硬紙板、攝影等平面影像重現真實場景。 透過紙材的巧妙建構與光線、陰影的編排，乍看近似真實世界的攝像，卻了無人跡，仔細審視更會發覺是用紙張和硬紙板重現。以平面的紀實影像為依據，精心搭建還原場景的紙模型並拍照，直至銷毀模型、徒留鬼魅般的影像，透過在原影像與最終準攝影分身間進行重製與轉譯，暗示歷史影像與真相的差異。   托瑪斯．德曼 他擅以大眾傳媒中常見的紀實影像為對象，以紙材精細地重建實物尺寸的場景，接著透過鏡頭取景拍攝出近似原影像的畫面，再將模型全數摧毀，用大尺幅攝影輸出再現。藉此，他認為攝影是絕對客觀的真實媒介，探索現實與重現之間的距離。德曼作品曾在全球各大美術館及藝廊展出，並在第26屆聖保羅雙年展（2004）代表德國參展，更曾四度於威尼斯建築雙年展登場。出於對模型與建築的喜愛，德曼歷年來也與多位國際知名建築師如大衛．基帕菲特（David Chipperfield）、雷姆．庫哈斯（Rem Koolhaas）以及SANAA建築事務所等合作，包含展覽、裝置，甚至是建築工程案。   托瑪斯．德曼：歷史的結舌 時間：2025年1月18日至5月11日 地點：臺北市立美術館 一樓1A、1B展覽室   資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」林靖諺