由日本設計大師深澤直人創辦的設計家電品牌「±0正負零」，以「剛剛好Just Right」為核心理念，主張恰到好處才是最好的設計，日前舉辦2025年全新家電發表會，活動地點選於匯聚七大生活情境的實景攝影棚空間，從客廳、臥室、咖啡廳、無印風格工作區，到旅店客房與寵物角落，將產品真實嵌入空間，旨在將「無意識設計Without Thought」自然融入日常，體驗產品與生活、氣氛和風格的協調整合。   品牌副社長小林祥悟於會中說道：「我們產品的設計不是為了讓人注意，而是為了讓人感受不到它的存在，卻又無法離開它，這就是±0 20年來堅持的設計初心。」他認為，±0產品剛剛好的設計，不強調科技炫技，功能也並非越多越好，而是透過細節呈現人性化的使用感。 副社長小林祥悟。 品牌觀察到，現在的消費者並非只是追求外型，而是期待產品能自然融入生活，提供安心且直覺的操作體驗，他們也會致力深化「無意識設計」哲學，讓產品回歸使用本質，同時拓展更多範疇的品項，例如寵物系列與3C生活領域，提供更全方位的生活提案。 小林副社長也分享，以他個人的角度出發，他非常推薦台灣消費者「無線吸塵器」，體型輕巧且吸力足夠，適合台灣小宅，快速打掃而不費力，此款也是台灣市場持續熱銷的品項。 也由於台灣消費者對生活質感有敏銳的品味，亦懂得欣賞細緻而實用的設計，他也期許±0能成為一種生活態度的象徵；日後也會更積極地與在地夥伴合作，理解當地的習慣和空間結構，並轉化為細節上的微調，推出更多貼近台灣使用情境的商品，讓更多人體驗「恰到好處」的日常幸福感。     資料及圖片提供」±0正負零 撰文」陳映蓁

始於香港的「藝術三月」，GATE33藝文館舉辦以ASMR為主題的大型沉浸式多重感官展覽——《感官怪奇：走進ASMR的世界》。由瑞典建築與設計中心（ArkDes）、倫敦設計博物館（the Design Museum）及AIRSIDE共同策劃，探索「ASMR」這個近年盛行全球網絡的文化現象，首次於海外完整呈現博物館級展覽，邀請觀眾走入宛如大腦內部的空間，感知內心深處的迴響。     《感官怪奇：走進ASMR的世界》展場。     ASMR別稱自發性知覺神經反應，通過特定感官刺激，放大身體反應，撩撥神經的觸覺 ，深入大腦皮層，造成電流在體內竄動般的感受，讓ASMR愛好者為之著迷，以此舒緩緊繃的身心，更甚者還有可能改善睡眠和焦慮。     展覽首席策展人James Taylor-Foster。     展中一共有五大展區，觀眾將進入在佔地逾1,000平方呎的「ASMR 領域」，可見超過40件來自ASMR創作者（ASMRtist）、當代藝術家及設計師的作品，引領觀眾先從認識ASMR的起源開始，帶領觀眾回顧這一現象誕生。     南豐集團（AIRSIDE）策展人朱天韻（Daisy Chu）。     由深入淺 進入ASMR的世界   2009年，Jennifer L. Allen創造「ASMR」一詞，描述一種深層平靜與愉悅的身體感覺，展中首先通過展示Allen個人檔案，向觀眾介紹ASMR從網路留言板走向全球文化舞台的歷程。     超過一公里長的條狀靠枕構建而成的沙發，提供民眾以最舒適的姿態坐臥，體驗視覺、聽覺和觸覺三方結合的感受。     深入場內，可以看到一張超過一公里長的條狀靠枕構建而成的沙發，盤踞在空間內，那些既像腦部褶皺、又像音頻電纜的柔軟靠枕，象徵科技與人類之間的契合。這個展區是提供觀看、聆聽精心策劃的 ASMR 視聽體驗的舒適座位，結合聽覺、觸覺和視覺交織帶來的特殊互動，並以如此別出心裁的設計，博得2022年Dezeen 年度「最佳展覽設計大獎」的肯定。     港鐵、巴士及小巴場景及其獨特聲景，是香港人每日的「安睡場所」。     九十年代離世、卻被譽為「ASMR教父」的電視節目主持人畫家Bob Ross，在此也有一個展區，呈現他的三幅原創畫作，及其著名電視節目《繪畫的樂趣》的片段等，透過重現其「非刻意 ASMR」的經典魅力，向他致敬。     瑞典藝術家 Tobias Bradford的「人造舌頭動態作品」《那種感覺∕無法測度的渴求》（that feeling//immeasurable thirst）。     除了影音媒介，展覽還以實物作品探討ASMR 的另一些情緒面向，從令人放鬆到激起不安的感受，如瑞典藝術家 Tobias Bradford以一條滴著合成唾液的人造舌頭挑戰觀眾的感官極限；以及法國藝術家Marc Teyssier的作品《人工皮膚手機殼》則探討著重ASMR與設計之間的關係。     來賓可以在展覽中使用現場設備嘗試自行製作ASMR影片。     除了以上固定的展覽作品，本期巡迴展也特意保留部分空間，與在地文化相結合，成就每一場展覽的獨一無二。多件首次面世的香港主題ASMR 作品，透過聲景捕捉本地文化及日常生活的獨特氛圍，這些作品由南豐集團（AIRSIDE）策展人朱天韻聯合策劃，邀請本地藝術家簡僖進（AK Kan）及林建霖（Kin Lam）創作的全新作品，透過視聽感受展現香港獨特的文化，打造如在大眾交通運輸工具上搖晃瞌睡時、周遭的聲音情境，讓觀者沉浸式感受香港民眾每天都在經歷的日常。     串聯感官經驗 跨越現實藩籬   瑞典建築與設計中心（ArkDes）代理館長 Karin Nilsson表示：「文化空間作為探索新興且受歡迎的設計形式，進而提供更廣泛社會趨勢的洞察，這一點至關重要；本次展覽足以讓人們理解設計遠比我們最初所想的更加豐富多元。ArkDes很高興能向世界展示更具包容性和擴展性的設計形式，並對本次展覽在國際上的成功感到欣喜。」     電視節目主持人兼畫家Bob Ross的經典節目《繪畫的樂趣》（The Joy of Painting）     疫情後時代，人與人之間的交流通過網路世界，展現出前所未有的疏離和親密，展覽選擇在「超連接」（hyperconnectivity）時代把不同關係拉回現實，讓觀眾調和自身與物質和媒體世界的關係。通過機械模擬聲音和影像紀錄，觸發感官真實的放鬆或顫慄，橫跨國界、人種、年齡等種種差異，重新串聯人與人之間的共感與共情，在柔和且包容的展覽中，提供一個盡情探索自身內心與他人聯繫的空間。       《感官怪奇：走進ASMR的世界》 地點」啟德協調道2號AIRSIDE 312號舖GATE33藝文館 日期」2025年3月14日至7月13日 購票連結」https://art-mate.net/tc/doc/81349   資料及圖片提供」南豐集團（AIRSIDE） 編輯」江瑜

展覽推出成人版及兒童版導覽手冊親子共讀，兒童版導覽手冊聯手台灣新銳設計/插畫家精心製作。圖中左為兒童版導覽手冊，右為成人版導覽手冊。   20 世紀最具有代表性的女性藝術家——路易絲．布爾喬亞大型個展《剛從地獄回來，順便說一句，太精采了》（Louise Bourgeois: I have been to hell and back. And let me tell you, it was wonderful.）日前在富邦美術館揭幕，帶領觀眾沉浸於藝術家的創作世界與幽微心境。     富邦美術館館長翁美慧。   森美術館館長片岡真實（Mami Kataoka）。     2024 年森美術館在椿玲子與矢作學的策劃下舉辦本展，引發各地廣大迴響，2025年巡迴來台，讓台灣的藝術愛好者不必遠赴海外，即可近距離親眼見證令世界為之狂熱的巨型蜘蛛。富邦美術館館長翁美慧、森美術館（東京）館長片岡真實（Mami Kataoka）、伊斯頓基金會（The Easton Foundation）負責人同時也是布爾喬亞30年的助手傑瑞．高羅威（Jerry Gorovoy）、策展人菲利普．拉瑞特－史密斯（Philip Larratt-Smith）以及文化界、藝術界領袖日前齊同為揭開展覽序幕。     伊斯頓基金會策展人菲利普．拉瑞特－史密斯（Philip Larratt-Smith）。     法國在台協會主任，龍燁（Franck Paris）。     金曲歌后張清芳為此展錄製語音導覽。     全展共有8個展間，聚焦於三大母題，精選60多件精彩作品，包含一系列裝置、雕塑、繪畫和素描等，以及珍貴的早期畫作，牆面的藝術家語錄可視為作品註解，精要梳理了藝術家的生命歷程與內心感悟。     布爾喬亞雕塑《蹲伏的蜘蛛》蓄勢待發，體現了母親的保護本能。     與跌宕對抗的自我修復之路   布爾喬亞生於巴黎，父母經營掛畫修復工作室和藝廊，父親的風流專橫、母親的憂鬱多病和掛毯縫紉充斥她的童年記憶。在她20歲時，母親的病逝改變了她原本攻讀數理的職涯規劃，轉而投向藝術世界，並在日後結識身為美國藝術史學家的丈夫，婚後移居紐約。     「第一章：不要遺棄我」，是對母性溫柔、女性角色的深切關懷。     展覽「第一章：不要遺棄我」呈現了布爾喬亞內心理解的母子關係，作品中融入她對母愛的渴望和付出母愛的嘗試。此章展出許多金屬或布藝的人型軀幹，結合柔軟身軀和冷硬的攻擊性，象徵母親的《蹲伏的蜘蛛》雕塑尤其奪目，蹲伏姿態以八個尖細的立足點撐起中間垂墜的身體，纖細肢體和扭轉緊繃的肌理，透過金屬雕塑展現肉體的爆發力。     「第二章：剛從地獄回來」講述的是創傷與韌性，展示了反映布爾喬亞深沉情感動盪的雕塑和裝置作品。     「第二章：剛從地獄回來」，更多地體現布爾喬亞處理父親帶給她與家庭的影響，在重男輕女的環境下面對母親病逝，以及與父親關係的矛盾，促使她研究精神分析。像是作品《父親的毀滅》，即是透過裝置投射，在幽暗的展間呈現虛幻的血紅影像，這件抽象雕塑作品既飽含暴力，同時又流露出血肉模糊的親密。     《蜘蛛》（1997年）是布爾喬亞唯一一件結合「牢籠」的蜘蛛雕塑，牢籠中放置著掛毯、嬌蘭「SHALIMAR一千零一夜」香水瓶等喚起藝術家回憶的個人物品。     從展區一循序至展區二、三，靜靜引導來賓的腳步逐漸深入布爾喬亞的內心世界。「第三章：天空的修復」的展間並不止於一樓，而是拓展至兩層，貼合取材自作品《天空的修復》所訂下的主題，不同於前兩個展區多採用肉色或紅色，「第三章：天空的修復」以清新的藍色為主調，配合明亮採光與由下而上的動線，宛如絕處逢生。《天空的修復》以一塊金屬板呈現，石灰色表面上，大大小小的傷口帶著縫合的痕跡，內裡透出柔和的天空藍，彷彿以藝術作為針線，修復心口風乾的痂。     展出作品包含一系列布爾喬亞早期繪畫與雕塑。 「第三章：天空的修復」，象徵重生與希望，逐漸從痛苦和矛盾的狀態，過渡到平靜與智慧的境界。她的《修剪造型 IV》（圖中左方作品）從身體蔓延出璀璨果實，而《雲與洞窟》（圖中右方作品）似乎提出兩種療傷方案，既可安身於洞窟中，也能仰望遼闊的天空，懷抱對未來的希望。     化創傷為藝術動力   路易絲．布爾喬亞以冷靜而尖銳的目光，內觀自己的角色定位、身分認同和身心狀態，並誠實付諸於創作，其作品自個體角度喚起群體的情感共鳴，與其說她是站在一個女性主義者的角度創作，不如說是人們為了從她廣袤的心靈世界中尋找一個切入點，進行系統性的歸納和理解，透過其作品的共通點：女性，來定義她70年來的藝術積累。     布爾喬亞雕塑《歇斯底里之拱》。© The Easton Foundation/Licensed by VAGA at Artists Rights Society (ARS), NY.     橫跨20世紀，歷經母親的病逝、父親對家庭的背叛，以及從故鄉出走、於他鄉重建家庭和自我，98歲的布爾喬亞將一生無法和解的創傷、憤怒，都化為創作動能，用藝術尋求內心的平衡與對外溝通的窗口，直至生命燃盡前依然創作不輟。《剛從地獄回來，順便說一句，太精采了》層層引導觀眾回顧布爾喬亞不同的人生階段與藝術創作，見證藝術家解剖自我、與傷痕共生，情感與堅毅的旅程。     布爾喬亞雕塑《情侶》。© The Easton Foundation/Licensed by VAGA at Artists Rights Society (ARS), NY.     「不要溫和地走進那個良夜， 老年應當在日暮時燃燒咆哮； 怒斥，怒斥光明的消逝。」 節自狄蘭．托馬斯《不要溫和地走進那個良夜》。     資料及圖片提供」富邦美術館 撰文」江瑜

2021年首度舉行的香港室內設計周，是由香港室內設計協會（HKIDA）主辦的設計界年度矚目盛事，透過展出香港知名室內設計師的作品，以及一系列參觀及研討活動，打造一個國際平台連結優秀的設計從業者，企圖替產業創造更多機遇。2025年第三屆香港室內設計周規劃於香港及義大利兩地舉行，呈現內容包括展覽、設計論壇等一系列多元化活動，旨在彰顯香港室內設計行業的卓越發展。   跨界合作 探索香港 其中，重點活動之一即為「Urban Reflection展覽」，這是一項跨領域的突破性合作，匯集了十位香港知名的室內設計師和家具製造商，他們攜手創造多件獨特的設計作品，涵蓋家具及燈飾。此計畫探索了香港城市景觀的深刻意義，在高密度生活和高聳摩天大樓中，光與影交織出多重面向的互動，這種動態不僅反映了城市的蓬勃活力，更突顯繁忙都市跟周遭環境之間錯縱複雜的關係。 Stoneflow Sofa。設計」Bean Buro、製造」達藝傢具有限公司。 柔竹燈Benboo。設計」Studio RYTE、製造」嘉立燈飾有限公司。   部分作品的設計理念融入了中西文化元素，結合竹子、傳統紙扇等東方獨有特色，彰顯了傳統工藝與現代設計的完美結合，展現文化底蘊與創新概念交融的新頁。另外，亦有部分作品除了講求形式和功能外，同時更體現可持續發展的原則，採用再生紗線及香港標誌性電車的再生玻璃等材料，傳達設計者對於環境保護跟資源價值的關注，詮釋了設計與生態之間的和諧，也對外宣揚了香港豐沛的創意及製造專長。 乙巳Yi Si。設計」一持工作室、製造」radd。   Egg-citing。設計」PAL Design Group、製造」西德寶富麗(遠東)有限公司。 Urban Reflection展覽將於2025年4月7日至13日，於義大利米蘭的LOFT @ Superstudio Più首度亮相；隨後也將於2025年6月19日至22日移師香港西九文化區，讓更多觀者有機會參與這場非凡的設計盛會。 O.N.N.O. COFFEE TABLE & O.N.N.O. DESK。設計」林子康設計有限公司、製造」廿一由八。   時代椅子Aeon Chair。設計」Gud Gud Studio、製造」弦制作(國際)有限公司。 資料及圖片提供」香港室內設計協會 編輯」陳映蓁

適逢威廉．透納250周年誕辰，英國泰德美術館發起「Turner 250」一系列的紀念活動，在這當中，史上最大規模的威廉・透納全球巡迴展覽「威廉．透納特展：崇高的迴響」備受矚目，繼摩納哥、上海之後，將在2025年6月於台灣登陸。     藍色瑞吉山之日出（The Blue Rigi, Sunrise）約瑟夫•馬洛德•威廉•透納（Joseph Mallord William Turner），1842。     素有「光之畫家」美名的約瑟夫．馬洛德．威廉．透納（Joseph Mallord William Turner，1775-1851），憑藉對大自然的細膩觀察和大膽筆觸，生動捕捉大氣動態，他創新的筆法和著眼點，在18世紀以人物寫實為重心的畫壇掀起審美革命，重新定義了何謂「風景畫」，其影響力不僅讓他一躍成為新版20英鎊紙鈔上的封面人物，也啟發無數後世的印象畫派大師。     英國泰德美術館。     泰德美術館由亨利．泰德（Henry Tate）爵士創立，早年朝國家藝廊的方向發展，至今在英國已有四座美術館的規模。如今最具代表性的泰德現代美術館，內蘊威廉．透納臨終捐贈的數百件油畫、上萬件水彩及素描作品，更是世人矚目的焦點。     懸崖上的城堡廢墟風景畫（Landscape Composition with a Ruined Castle on a Cliff）約瑟夫•馬洛德•威廉•透納（Joseph Mallord William Turner），1792–3。     本展將帶來80件透納的真跡畫作，打破年代界線的主題式策展，列出7大展區：英國風景、阿爾卑斯山、歷史故事、威尼斯、海上風暴、海天之間、崇高美學，完整呈現透納的藝術生涯。除此之外，為了凸顯透納的劃時代，泰德美術館另精選近30件當代藝術家作品加入展出，全方位打造前所未有的威廉．透納特展。     「好棒啊！厄瑞波斯號捕鯨船！又一條魚！」（Hurrah! for the Whaler Erebus! Another Fish!）約瑟夫•馬洛德•威廉•透納（Joseph Mallord William Turner），1846。     重塑當代「高雅藝術」的認知   透納的父親是一位理髮師，幼時妹妹不幸早逝，母親深受打擊，因而被送往精神病院接受治療，家中經濟不堪重負，只好將年幼的透納交給舅舅撫養。投入創作的他曾受聘為多位建築師創作建築研究圖，爾後又與一位專業的地形製圖師合作，這些經歷為他早期的創作中增添不少精緻的建築主題。     三個海景（Three Seascapes）約瑟夫•馬洛德•威廉•透納（Joseph Mallord William Turner），1827。     擅長水彩和油畫的透納，由於四處旅居，喜愛描繪各地風景，他身處的18世紀社會主流推崇栩栩如生的精細筆法、描摹神話或聖經故事，且視水彩畫為粗淺的習作媒材，地位遠不如油畫。然而透納將水彩的透明疊色法和速寫性運筆融入油畫創作，運用創新的繪畫技巧、結合古典構圖，將當代審美取向融入自己的獨特表達，自技法和選材方面多方突破當代畫壇的限制。     布魯嫩，從琉森湖的視角：樣本研究畫（Brunnen, from the Lake of Lucerne Sample Study）約瑟夫•馬洛德•威廉•透納（Joseph Mallord William Turner），1843-5。     以英國的自然風貌為起點、到阿爾卑斯山的壯麗景色，而後漫遊海外，透過變幻莫測的風景隱喻他的情感表達和關注視角，即便是以景物為主體，他的畫作依然流露驚心動魄的戲劇性。     阿波羅和達芙妮的故事（Story of Apollo and Daphne）約瑟夫•馬洛德•威廉•透納（Joseph Mallord William Turner），1837。     掌控大自然的脈搏   透過在皇家藝術學院積累的履歷，透納的地位逐年穩固，也漸漸脫離古典風景畫的精細刻劃，轉向強調主觀感受與自然氛圍、大氣光影和自然崇高感的呈現，在這些作品中，海景約佔一半以上，包括捕鯨船、漁船、沉船和戰爭等等主題，描繪海洋的危險，以及人類在大自然面前的渺小無力。     威尼斯-安康聖母大教堂（Venice - Maria della Salute）約瑟夫•馬洛德•威廉•透納（Joseph Mallord William Turner），1844。     晚年的透納跳脫物件具體形象的框架，著眼更加宏觀的角度，探索空氣、光、速度等超越視覺的存在，並嘗試在平面的畫作中復刻這些抽象的質感。後世的藝術評論家約翰·拉斯金（John Ruskin，1819-1900）表示，他以前所未有的方式「逼真地掌握自然的脈搏」，這些體現透納晚期風格的作品，也為他贏得現代繪畫先知的美譽。 展中最受矚目的展品之一《藍色瑞吉山．日出》，便是他觀察一天的瑞吉山後，根據不同時段的觀察，畫下紅黑藍三幅系列作的其中之一，珍貴的不僅是畫作本身，為了加強保護珍貴展間，館方將減少畫作被光線照射的時間，因此會安排畫作「休眠」的時間，通常會間隔數年或至十數年再作展出，是以務必把握本展展出時間，體會透納的藝術之美。     「威廉．透納特展：崇高的迴響」展覽。     「威廉．透納特展：崇高的迴響」 時間」2025年6月27日至2025年10月02日 地點」中正紀念堂一、二展廳   資料及圖片提供」聯合數位文創、泰德美術館 編輯」江瑜

誠品畫廊近日推出「劉小東：媽祖巡遊」個展，呈現藝術家劉小東於2024年來台參與大甲媽祖遶境的寫生巨作。作為首度在台灣展出該系列的重要作品，不僅同步展示創作過程中的手稿、日記以及紀錄片，更深入揭示宗教盛事所帶來的藝術啟發與情感共鳴。 展示藝術家之創作手稿，以細膩筆觸引觀者步入繞境現場。 千里步行 全台瘋媽祖 大甲媽祖遶境進香是台灣最具代表性的宗教活動之一，曾被Discovery（探索頻道）譽為與梵蒂岡聖誕彌撒、麥加朝聖並列的世界三大宗教盛事，長達九天八夜、全程340公里的遶境活動，每年吸引無數信眾和朝聖者參與，場面十分壯觀。   藝術家劉小東透過親身體驗台灣傳統宗教活動，以其擅長寫生的創作手法，描繪精彩每一幕。 劉小東隨媽祖隊伍行進四天四夜，在萬頭鑽動、擠得「看不到自己的腳」的人潮中，親歷這場信仰盛事，並在雲林與嘉義交界的崙子橋上，親身體驗抬轎的沉重感，他說道：「座駕很重，下來才知抬轎人為什麼都是有著厚肩膀，千斤重擔為眾人祈福」。藉由攝影、速寫、水彩與日記等方式，記錄著遶境沿途的熱烈場面，捕捉信徒的虔敬神情、鑼鼓陣頭的震撼，以及煙硝四起的熱鬧氛圍，並將這些體驗轉化為巨幅油畫《過橋》與《日巡》。   藝術家坐在路邊，拿起畫筆在素白畫紙上，揮灑出台灣鄉野的自然彩畫。 畫布上的媽祖巡遊 《過橋》與《日巡》聚焦於遶境隊伍中的信眾身影。在畫作中，背負神明竹轎的青年男子肩負信仰隨隊行走，展現個人與神明信仰間的至情流動。此外，劉小東將裝扮較都會化的年輕父母，攜手孩子齊走的景象擺放在畫面中心，道出媽祖遶境是不分城鄉地域的信仰盛事，後方群眾簇擁著媽祖鑾轎，人龍隊伍蜿蜒的背後是一片碧綠的農田、水圳、高壓電塔、鐵皮屋等日常鄉間景致，劉小東將現場的各種細節組織成完整的視覺敘事，交織出「媽祖巡遊」的暖心圖像。 《過橋》，2024，油彩／亞麻布。位於右側的年輕夫婦，以都會化的著衣風格彰顯宗教盛事不分族群年齡。   在「媽祖巡遊」中，劉小東特別想傳達「良善」的氛圍，亦是其對繪畫的期待：「生活中的煩惱與瑣碎，日常的不可預測和討厭，我是用瑣碎的筆觸去表達，像刀一樣，切掉這些麻煩，用繪畫把它給消解，我希望能達到跟生活最完美的契合，而不是真正去描繪生活中的麻煩。」劉小東的繪畫宛若日記，以畫筆書寫台灣的信仰文化，將宗教體驗轉化為充滿情感的藝術表達。 《日巡》，2024，油彩／亞麻布。背負著神明仙轎訴說著信仰在人們心中的輕柔流動。 作為當代最具代表性的現實主義畫家之一，劉小東（1963年生於遼寧）長年以寫生作為核心手法，透過親身踏訪不同地區，捕捉平凡人物與生活場景，將現實世界的觀察與情感融入畫布。此展不僅呈現其對台灣媽祖信仰的深刻體驗，亦延續對社會文化與人文風景的關懷。   藝術家劉小東以寫生作為核心創作，透過親身踏訪捕捉每刻日常之景。 劉小東「媽祖巡遊」 時間」2025年3月29日至2025年5月24日 地點」誠品畫廊（誠品生活松菸店）｜台北市信義區菸廠路88號B1   資料及圖片提供」誠品畫廊 編輯」林靖諺

店面門口拼貼樹皮，保留台灣造型的窗口，傳遞「灣延美學」的意象。     台北市師大商圈，有一處鬧中取靜的城市角落，基因取源於北歐的寧靜氛圍與在地人文氣息，構築成名為JOSUIa的實體空間，內部化用馥閣集團累積20年的設計經驗，匯聚來自芬蘭、荷蘭、丹麥、日本、西班牙、德國、台灣等地的家居設計品牌，在此編織屬於I人（MBTI裡的INFP）的生活美學。     一樓展區，餐桌日常。     讀音源自台語「很漂亮」（jo suí a）的JOSUIa，適逢品牌一週年，以「ONE and」為題，論述「灣延美學」，舉辦為期一季的家居與設計展演，立意「集合生活中各種美」。     一樓展區，綠野仙蹤。     扎根台灣的多元延伸   台灣地勢變化豐富，同時承載曲折的歷史背景，發展出多元且包容的世界觀，JOSUIa的店面透過種種細節，回應所在地的風貌特點，上下兩層展間安排蜿蜒的動線，引領來賓在悠閒的心情下，從台灣在地元素出發，探索各國品牌家具與空間互動的可能性。     1F探索地圖。     B1探索地圖。     一樓透過落地窗，引入外景的陽光和綠意，呈現七大主題區域，包括綠野仙蹤、大隱於世、餐桌日常、城市公園、獨處時光、我的宇宙及心靈鏡頭。台灣KIMU柒木的大型紙牛奶燈、糖蔥燈與紙飯糰燈，與日光相呼應，令人彷彿於街頭行走時不意落入樹洞的愛麗絲，在這座城市秘境裡穿行。     一樓展區，城市公園。     一樓展區，心靈鏡頭。     移動至 B1，則鋪展海水藍的地面，以半透明的薄紗作分野，規劃六大場景，內涵流動之初、環繞之流、匯集之聚、深森之處、湖中舞台與恬然之章。徐徐涼風吹散地下一層滯悶的空氣，在薄紗飄盪間、JOSUIa獨家代理的芬蘭實木品牌NIKARI單品忽隱忽現，串聯海邊度假的想像。     一樓展區，我的宇宙。     地下一樓展區，湖中舞台。     展覽主區特別配置風靡全球的荷蘭國寶Miffy米飛兔及小夥伴Snuffy小狗飛飛，為空間注入玩心，拉近設計作品與大眾的距離；每個主題場景皆由不同品牌的家具合作組成，共同凝聚恬靜的生活氛圍。     地下一樓展區，匯集之聚。     芬蘭NIKARI ARKIPELAGO KVTT1戶外椅。     和諧並存的選品策劃   JOSUIa選品以原創設計為初衷，注重物件本身的原創特色與細節巧思，展場亮點可見JOSUIa獨家代理的芬蘭實木品牌NIKARI超過20件單品、及榮獲Dezeen Awards 2024年度最佳設計的FANEERI折疊椅。     芬蘭 NIKARI Basic 橢圓長桌。     芬蘭NIKARI Linea RMT6扶手單椅。     還有初次落地台北的荷蘭百年家具品牌ARTIFORT，備受矚目的跨世代經典之作F500系列休閒椅、Little Tulip單椅等。     荷蘭ARTIFORT Soft Facet休閒椅。     台灣KIMU柒木的大型紙牛奶燈、糖蔥燈與紙飯糰燈，以俏皮造型和多樣化擺放，自不同角度點亮一人起居充電的場景；ACORN橡果藝術全手工月球燈，配合展場鏡面的反射，讓觀眾放鬆身心，徜徉在充滿想像的私人小宇宙。     台灣KIMU紙牛奶燈。     台灣KIMU糖蔥燈。     一樓展間可見義式冰淇淋Old Bridge，作為JOSUIa首度跨界嘗試合作一個月的甜品快閃，限量推出兩款特色口味，「包種蹦米香」展現文山包種的甘醇茶韻，以蹦米香增添獨特香氣和口感；「蕃茄梅子」則化用夜市經典小吃糖葫蘆，呈現番茄和蜜餞的酸甜，融合義大利老牌Gelato與台灣印象，大膽創新驚艷老饕的味蕾。     義式冰淇淋Old Bridge，在展覽期間限量提供兩種與台灣文化相結合的特殊風味。     JOSUIa匯集每個品牌匠心獨具的創作故事，示範混搭共融的魅力，「ONE and」的思想核心，讓觀眾看見，美好可以跨越國籍，連結五感、個體和群眾，自然與城市，為生活開拓更遼闊的想像空間。     JOSUIa 週年策展《ONE and 灣延美學》 日期」2025年3月8日 - 2025年7月8日 時間」每日11:30-19:30（周一公休） 地點」台北市大安區金山南路二段227號（JUSUIa 設計選品） 資料及圖片提供」JOSUIa 採訪」江瑜

「存在與變化為生命與自然的本質。「變化」就是「存在」的無限延續，存在的實質就是無限的變化。」— 賴純純    臺北市立美術館近日推出「黑潮：賴純純回顧展」，展出藝術家賴純純橫跨各時期的複合媒材繪畫、立體雕塑、空間裝置，以及創作歷程的相關檔案與文件等作品，呈現其美學映照於當代藝術的過程。   展覽以「黑潮」為名，以黑色為主軸，搭配五彩色調形塑藝術家獨特的創作風格，引人入勝。 本次展覽標題以「黑潮」為名，呼應藝術家從1980年代起透過「黑」與多變色彩樹立自我風格，藉此傳達作品中深邃、多變卻一貫的特質。展覽透過四個子題梳理賴純純的創作脈絡「存在與變化」、「真空妙有」、「海洋與仙境」、「社會參與」，試圖回望從低限主義的精神至個人主體的追求，再至海洋美學與人文脈絡之連結，與公共藝術的社會性等議題，多面相折射出對於文化、身份與生命的探索核心。   展覽以四個子題梳理賴純純的創作脈絡。圖為第一個子題「存在與變化」展覽現場。 堅持創作原創性 鮮明的個人色彩 「存在與變化」展示賴純純早年師承廖繼春，以及在日本、紐約學習時的繪畫作品，以及1980年代所開展出的個人風格。此時期創作深受林壽宇啟發，在造形與觀念上探索空間向度，其代表作《無去無來》（1986）以圓形切分的八塊壓克力板組合，並使用紅、綠、黃、黑等色形塑環境場域裝置，透過捨去雕塑的恆定而成就空間變化。   《無去無來》，1985，有機玻璃、環氧樹脂。 《讚美詩》(局部)，1985，保力龍、壓克力顏料、砂、木板。 此外，本次特別將曾獲「中華民國現代繪畫新展望」優選作品《讚美詩》拆分於各展間，回應黑潮的流動意象，並企圖打造有別過往布局的視覺風貌；觀者在行走游移中，可窺見一與多、有形與無限間的辯證。   《天儀》，1989，畫布、布、顏料、⽊、塑膠管。 「真空妙有」展示賴純純1990年代初受到東方美學，以及自然素材啟發的繪畫及裝置創作。這段期間主要以拼貼繪畫，如《天儀》（1989）等作雖結合中國書畫的卷軸形式，卻不拘泥於結構規範。立體作品則多從媒材出發，找尋自身與土地關聯。 《心器》，1997，塑鋼、鉛皮。 《心器》（1997）結合雕塑與行為展演，表現佛教心經「色即是空，空即是色」的教義；青、紅、黃、白、黑的佛像，象徵著元素五行及構成空間的五方，除表現出富有空間張力的敘事外，亦暗喻社會性的觀照與回返自我的沉潛。   煉色粹藝 探尋生命之源 「海洋與仙境」以三個展間呈現2000年之後重回色彩的種種創作。著重於顏料的獨立表現，呼應內在女性覺醒，以及藝術家在都蘭長住後，對自然更為嚮往的安住心境。太平洋以其純淨無盡的本質，示現宇宙的存在與變化。 《仙鏡奇緣》，2018，鏡版複合媒材。 《奇花仙境》，2019，空間裝置。 「閃亮的愛」系列，利用彩色環氧樹脂潑灑在鏡版之上構成的諸多畫作，將光線、水分、色彩、物融合於抽象畫面之中，展現出富饒、充滿生活感的肌理。《奇花仙境》（2019）等大型雕塑延續使用彩度及明度較高的原色，透過色彩本身的直觀性和表現性，藉此傳遞對於女性覺醒的自信，與似花朵般綻放的自然禮讚。   《黑潮》，2025，有機玻璃、不鏽鋼。 本次展覽同時展出兩件新作，包含與展覽同名之作《黑潮》與《黑潮流光：邊陲的無限可能》。《黑潮》利用心型的壓克力雕塑，回應自1995年起的系列創作，藉由媒材的透明特性，折射出色光的斑斕及海波的輕盈。 《黑潮流光：邊陲的無限可能》，2025，空間裝置。 《黑潮流光：邊陲的無限可能》則透過壓克力、漂流木、鋼雕與鏡面等組件，搭配光源塑造出空間肌理中的相互疊映與反射，同時體現當背倚山脈與面俯太平洋時，每日的都蘭景象不斷變幻，彷若消融了原有疆界，暗示一種更為自由、流動的自然意識。   從「自我」出發 參與公共實踐 「社會參與」配合藝術家的創作年表，梳理各時期的相關檔案與文件，並聚焦於SOCA現代藝術工作室。作為90年代盛極一時的「替代空間」濫觴，SOCA的創始核心成員、學員們先後活躍於藝術領域，對台灣前衛社群的引領、國際交流的促進具備先行作用。2000年之後，賴純純更透過各地公共藝術競圖開拓視野，不僅讓創作屢有新嘗試與挑戰，同時與這片土地的連繫日益緊密。此外，在同一時期發起「臺灣女性藝術協會」，作為社會參與的多元推動跡痕。   「社會參與」子題，表現藝術的多重形式與樣貌。 「我們的前面是什麼？」除作為藝術家早期創作的啟蒙觀點之一，亦是其創作生涯不斷探究的提問。賴純純的作品從不設限，藝術不僅是對生命的踐行，更是帶著理想投射自我與投身社會的堅定追求。   黑潮：賴純純回顧展 時間」2025年3月1日至5月25日 地點」臺北市立美術館二樓2A&2B 更多內容請見北美館官網及臉書專頁。 資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」林靖諺

忠泰美術館日前推出全新當代藝術展——《在混沌的世界中建立一點序曲　姚仲涵》。美術館邀請新媒體藝術家姚仲涵攜手劇場獨立製作人吳季娟，以長期且緊密的對話展開跨領域共創，呈現姚仲涵不為人知的感性與故事性交織的創作新面向；作品亦邀請影像創作者、表演藝術家參與其中，延續姚仲涵聲光裝置的特色，帶來五件全新創作，將忠泰美術館空間化為一座充滿裝置、聲音、光影與影像的「混沌世界」。展期至2025年6月29日。 展覽主視覺。©忠泰美術館   跨域實驗性展覽 本展邀請了兩位無法被定義的「創作者」——姚仲涵與吳季娟展開長期對話交流與合作，兩人透過不斷提問、假設、拆解與重組，最終以共創形式顛覆大眾對跨界合作的既定認知。展覽中雖未直接呈現兩人合作過程的具體痕跡，但吳季娟計畫協作一角，其實隱身於具象作品背後的起點和過程，推動創作思維的碰撞與發展，讓姚仲涵的創作得以不斷打破界線，帶來新的可能性。 計畫協作吳季娟、藝術家姚仲涵。©忠泰美術館   姚仲涵與吳季娟以「混沌」與「序曲」為核心概念，探討人類在混沌與秩序間的生存之道，兩人由此衍生創作五件作品，而本展亦為一場由各方創作者共同開展的關於合作、誤差與理解的實驗，邀請大聲光電、影像創作者黃偉軒、表演藝術家卓楷程等共同參與，其中，姚仲涵透過作品試圖回應聲光創作中的抽象性，以及對於身體感缺失的思考。 《在混沌的世界中建立一點序曲　姚仲涵》一樓大廳。©忠泰美術館   一樓夾層展出創作過程。©忠泰美術館 探索混沌與秩序的交錯共存 姚仲涵首次嘗試以噴氣管與空壓機作為媒材，推出新作〈漸強、漸弱與打氣〉。作品擬人化地隱喻人生際遇的起伏變化，彈簧的擺動象徵混沌，而隱藏於作品背後的電子裝置設定，則規律運作，構築出秩序的框架。 裝置作品〈漸強、漸弱與打氣〉。©忠泰美術館 〈感覺噪音〉多頻道錄像作品中，則首次透過擊鼓介入創作，採集外部混沌的環境噪音，加入自身對於噪音的感知，轉化為具身體感與秩序性的聲響作品。展場中，大型喇叭播放藝術家創作時聽到的聲音，兩側電視螢幕則呈現車外收音的環境噪音；影像取景貼近日常，涵蓋藝術家在台灣與日本的生活圈及周邊街區，構築個人體驗與城市聲景交織的感知場域。 多頻道錄像作品〈感覺噪音〉。©忠泰美術館    另外，也首次挑戰故事文本創作，與影像創作者黃偉軒合作，完成首支影像作品〈光電獸宇宙 - 未來〉，藉由科幻末日題材構築《光電獸》系列作品的世界觀。故事述說著2525年太陽瀕臨死亡，地球面臨「缺光症」危機，人類最終透過啟動光電獸對抗黑暗；以全新敘事視角串聯過往創作，回應聲光藝術的抽象性，同時開啟影像語言的實驗探索。 影像作品〈光電獸宇宙 - 未來〉。©忠泰美術館   姚仲涵為人熟知的《光電獸》系列過往多在開放空間展出，聚焦於光源的流動。本展全新大型裝置〈光電獸#41 - 混沌〉則於室內空間呈現，藉由與忠泰美術館空間的對話，量身打造獨特的感知體驗。在此環境中，聲響更具包覆感，作品以影子為核心，延續對光影與聲響流動關係的探索，透過鋁管長度的秩序變化與光影交錯閃爍，深化光與影的對話與敘事可能。 大型裝置〈光電獸#41 - 混沌〉。©忠泰美術館   忠泰美術館期望邀請觀眾進入這個失序、隨機且開放的空間，感受創作者們共譜的序曲，並在混沌中找尋引領前行的節奏線索。      資料及圖片提供」忠泰美術館 編輯」陳映蓁