Interior

378

近五十年創作精粹!生命綻放的存在變化「黑潮:賴純純回顧展」

「存在與變化為生命與自然的本質。「變化」就是「存在」的無限延續,存在的實質就是無限的變化。」— 賴純純    臺北市立美術館近日推出「黑潮:賴純純回顧展」,展出藝術家賴純純橫跨各時期的複合媒材繪畫、立體雕塑、空間裝置,以及創作歷程的相關檔案與文件等作品,呈現其美學映照於當代藝術的過程。   展覽以「黑潮」為名,以黑色為主軸,搭配五彩色調形塑藝術家獨特的創作風格,引人入勝。 本次展覽標題以「黑潮」為名,呼應藝術家從1980年代起透過「黑」與多變色彩樹立自我風格,藉此傳達作品中深邃、多變卻一貫的特質。展覽透過四個子題梳理賴純純的創作脈絡「存在與變化」、「真空妙有」、「海洋與仙境」、「社會參與」,試圖回望從低限主義的精神至個人主體的追求,再至海洋美學與人文脈絡之連結,與公共藝術的社會性等議題,多面相折射出對於文化、身份與生命的探索核心。   展覽以四個子題梳理賴純純的創作脈絡。圖為第一個子題「存在與變化」展覽現場。 堅持創作原創性 鮮明的個人色彩 「存在與變化」展示賴純純早年師承廖繼春,以及在日本、紐約學習時的繪畫作品,以及1980年代所開展出的個人風格。此時期創作深受林壽宇啟發,在造形與觀念上探索空間向度,其代表作《無去無來》(1986)以圓形切分的八塊壓克力板組合,並使用紅、綠、黃、黑等色形塑環境場域裝置,透過捨去雕塑的恆定而成就空間變化。   《無去無來》,1985,有機玻璃、環氧樹脂。 《讚美詩》(局部),1985,保力龍、壓克力顏料、砂、木板。 此外,本次特別將曾獲「中華民國現代繪畫新展望」優選作品《讚美詩》拆分於各展間,回應黑潮的流動意象,並企圖打造有別過往布局的視覺風貌;觀者在行走游移中,可窺見一與多、有形與無限間的辯證。   《天儀》,1989,畫布、布、顏料、⽊、塑膠管。 「真空妙有」展示賴純純1990年代初受到東方美學,以及自然素材啟發的繪畫及裝置創作。這段期間主要以拼貼繪畫,如《天儀》(1989)等作雖結合中國書畫的卷軸形式,卻不拘泥於結構規範。立體作品則多從媒材出發,找尋自身與土地關聯。 《心器》,1997,塑鋼、鉛皮。 《心器》(1997)結合雕塑與行為展演,表現佛教心經「色即是空,空即是色」的教義;青、紅、黃、白、黑的佛像,象徵著元素五行及構成空間的五方,除表現出富有空間張力的敘事外,亦暗喻社會性的觀照與回返自我的沉潛。   煉色粹藝 探尋生命之源 「海洋與仙境」以三個展間呈現2000年之後重回色彩的種種創作。著重於顏料的獨立表現,呼應內在女性覺醒,以及藝術家在都蘭長住後,對自然更為嚮往的安住心境。太平洋以其純淨無盡的本質,示現宇宙的存在與變化。 《仙鏡奇緣》,2018,鏡版複合媒材。 《奇花仙境》,2019,空間裝置。 「閃亮的愛」系列,利用彩色環氧樹脂潑灑在鏡版之上構成的諸多畫作,將光線、水分、色彩、物融合於抽象畫面之中,展現出富饒、充滿生活感的肌理。《奇花仙境》(2019)等大型雕塑延續使用彩度及明度較高的原色,透過色彩本身的直觀性和表現性,藉此傳遞對於女性覺醒的自信,與似花朵般綻放的自然禮讚。   《黑潮》,2025,有機玻璃、不鏽鋼。 本次展覽同時展出兩件新作,包含與展覽同名之作《黑潮》與《黑潮流光:邊陲的無限可能》。《黑潮》利用心型的壓克力雕塑,回應自1995年起的系列創作,藉由媒材的透明特性,折射出色光的斑斕及海波的輕盈。 《黑潮流光:邊陲的無限可能》,2025,空間裝置。 《黑潮流光:邊陲的無限可能》則透過壓克力、漂流木、鋼雕與鏡面等組件,搭配光源塑造出空間肌理中的相互疊映與反射,同時體現當背倚山脈與面俯太平洋時,每日的都蘭景象不斷變幻,彷若消融了原有疆界,暗示一種更為自由、流動的自然意識。   從「自我」出發 參與公共實踐 「社會參與」配合藝術家的創作年表,梳理各時期的相關檔案與文件,並聚焦於SOCA現代藝術工作室。作為90年代盛極一時的「替代空間」濫觴,SOCA的創始核心成員、學員們先後活躍於藝術領域,對台灣前衛社群的引領、國際交流的促進具備先行作用。2000年之後,賴純純更透過各地公共藝術競圖開拓視野,不僅讓創作屢有新嘗試與挑戰,同時與這片土地的連繫日益緊密。此外,在同一時期發起「臺灣女性藝術協會」,作為社會參與的多元推動跡痕。   「社會參與」子題,表現藝術的多重形式與樣貌。 「我們的前面是什麼?」除作為藝術家早期創作的啟蒙觀點之一,亦是其創作生涯不斷探究的提問。賴純純的作品從不設限,藝術不僅是對生命的踐行,更是帶著理想投射自我與投身社會的堅定追求。   黑潮:賴純純回顧展 時間」2025年3月1日至5月25日 地點」臺北市立美術館二樓2A&2B 更多內容請見北美館官網及臉書專頁。 資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」林靖諺

《在混沌的世界中建立一點序曲 姚仲涵》

Interior 378

忠泰美術館日前推出全新當代藝術展——《在混沌的世界中建立一點序曲 姚仲涵》。美術館邀請新媒體藝術家姚仲涵攜手劇場獨立製作人吳季娟,以長期且緊密的對話展開跨領域共創,呈現姚仲涵不為人知的感性與故事性交織的創作新面向;作品亦邀請影像創作者、表演藝術家參與其中,延續姚仲涵聲光裝置的特色,帶來五件全新創作,將忠泰美術館空間化為一座充滿裝置、聲音、光影與影像的「混沌世界」。展期至2025年6月29日。 展覽主視覺。©忠泰美術館   跨域實驗性展覽 本展邀請了兩位無法被定義的「創作者」——姚仲涵與吳季娟展開長期對話交流與合作,兩人透過不斷提問、假設、拆解與重組,最終以共創形式顛覆大眾對跨界合作的既定認知。展覽中雖未直接呈現兩人合作過程的具體痕跡,但吳季娟計畫協作一角,其實隱身於具象作品背後的起點和過程,推動創作思維的碰撞與發展,讓姚仲涵的創作得以不斷打破界線,帶來新的可能性。 計畫協作吳季娟、藝術家姚仲涵。©忠泰美術館   姚仲涵與吳季娟以「混沌」與「序曲」為核心概念,探討人類在混沌與秩序間的生存之道,兩人由此衍生創作五件作品,而本展亦為一場由各方創作者共同開展的關於合作、誤差與理解的實驗,邀請大聲光電、影像創作者黃偉軒、表演藝術家卓楷程等共同參與,其中,姚仲涵透過作品試圖回應聲光創作中的抽象性,以及對於身體感缺失的思考。 《在混沌的世界中建立一點序曲 姚仲涵》一樓大廳。©忠泰美術館   一樓夾層展出創作過程。©忠泰美術館 探索混沌與秩序的交錯共存 姚仲涵首次嘗試以噴氣管與空壓機作為媒材,推出新作〈漸強、漸弱與打氣〉。作品擬人化地隱喻人生際遇的起伏變化,彈簧的擺動象徵混沌,而隱藏於作品背後的電子裝置設定,則規律運作,構築出秩序的框架。 裝置作品〈漸強、漸弱與打氣〉。©忠泰美術館 〈感覺噪音〉多頻道錄像作品中,則首次透過擊鼓介入創作,採集外部混沌的環境噪音,加入自身對於噪音的感知,轉化為具身體感與秩序性的聲響作品。展場中,大型喇叭播放藝術家創作時聽到的聲音,兩側電視螢幕則呈現車外收音的環境噪音;影像取景貼近日常,涵蓋藝術家在台灣與日本的生活圈及周邊街區,構築個人體驗與城市聲景交織的感知場域。 多頻道錄像作品〈感覺噪音〉。©忠泰美術館    另外,也首次挑戰故事文本創作,與影像創作者黃偉軒合作,完成首支影像作品〈光電獸宇宙 - 未來〉,藉由科幻末日題材構築《光電獸》系列作品的世界觀。故事述說著2525年太陽瀕臨死亡,地球面臨「缺光症」危機,人類最終透過啟動光電獸對抗黑暗;以全新敘事視角串聯過往創作,回應聲光藝術的抽象性,同時開啟影像語言的實驗探索。 影像作品〈光電獸宇宙 - 未來〉。©忠泰美術館   姚仲涵為人熟知的《光電獸》系列過往多在開放空間展出,聚焦於光源的流動。本展全新大型裝置〈光電獸#41 - 混沌〉則於室內空間呈現,藉由與忠泰美術館空間的對話,量身打造獨特的感知體驗。在此環境中,聲響更具包覆感,作品以影子為核心,延續對光影與聲響流動關係的探索,透過鋁管長度的秩序變化與光影交錯閃爍,深化光與影的對話與敘事可能。 大型裝置〈光電獸#41 - 混沌〉。©忠泰美術館   忠泰美術館期望邀請觀眾進入這個失序、隨機且開放的空間,感受創作者們共譜的序曲,並在混沌中找尋引領前行的節奏線索。      資料及圖片提供」忠泰美術館 編輯」陳映蓁

平田晃久建築展─物我交織的臨界

Interior 378

「奧夫塞計畫Off-Site Project」為忠泰美術館2016年開館即啟動的長期藝術實踐計畫,邀請不同領域的創作者離開美術館既定的場域創作,於非典型的展演現場突破空間和制度的侷限,向外發散能量。2025年奧夫塞計畫推出《平田晃久建築展─物我交織的臨界》,是繼2019年《人間自然─平田晃久個展》後,建築師睽違六年再度來台展出。 《平田晃久建築展─物我交織的臨界》展覽主視覺。©忠泰美術館   平田晃久(Akihisa Hirata)作為日本中生代建築師代表人物之一,亦在台灣設計了不少作品,本次他帶來兩個核心建築概念「纏繞」與「迴響」,透過近40件珍貴草稿和模型,深入分享近年創作,同時展現其理論的延續和突破,呈現平田晃久對人類與自然融合的哲思,並從身體感知延伸至時空,探索建築的可能性。展期至2025年3月30日止,於NOKE忠泰樂生活三樓Uncanny免費參觀。   謙遜包容 萬物交織 平田晃久師承伊東豊雄,作品融合了人類與自然的哲學思考,兼具論述和創新設計的實力。忠泰美術館總監黃姍姍說道,爬梳平田晃久的創作軌跡,可以發現他並不滿足於現有的成就,而是不斷地在進化與前進,本次個展即為展示他現階段最新的想法和成果,期待提供觀者透過全新視角見證建築師的成長歷程。 展覽於NOKE忠泰樂生活三樓Uncanny展出。大階梯空間演繹「纏繞」主題。©忠泰美術館   平田晃久熱愛昆蟲,他曾說過:「人,在身而為人之前是一種動物、一種生物,同時人類也像是讓地表發酵的微生物般的存在。」他的設計一直都離不開人這樣的角色,因此,本次展覽以《物我交織的臨界》為題,探討在不斷轉變的人類生活與價值觀中,建築該如何回應未來的需求。平田晃久以最初的核心概念「纏繞的相容性」,將建築視為一個生態系統,成為人類與自然共生的有機場域;近年更發展出「迴響」概念,進一步探究人類的意識、感知、時空等非肉眼可見的物質,匯聚過去、現在與未來思想的連結與共鳴,試圖探索未來建築的可能性。 「迴響」主題展場照。©忠泰美術館   黃姍姍補充分享,本展雖然作為練馬區立美術館的巡迴展,但整體空間氛圍及作品配置,皆為平田晃久及其團隊特別量身打造,除了精彩的模型外,亦同步展出諸多平田的手繪原稿。   主題一:〈纏繞的相容性—身體的交織臨界〉 主題一中透過多個關鍵字展現其理念。「無法一眼望穿的空間」相連卻又未知的模糊邊界呼應現代人際關係;「皺褶」模擬如煙霧、珊瑚礁等能自我增生的自然幾何學原理,增加空間使用面積;「線條」如同樹枝化為鳥兒築巢之地,創造出綠意交纏的空間;「樹木」作為建築理想型態,成為萬物共生的據點;以及「發酵」讓人與建築、城市自然相融。本區展示了平田晃久的東京作品《Tree-ness House》,結合住宅跟藝廊,由方盒、皺褶、植栽組成宛如樹木般的型態,融合庭園與街道,共構一個立體的三度空間;位於台北的12層集合住宅《富富話合》同樣將自然引入都市,透過建築退縮的手法,替每戶打造寬敞陽台,並以屋簷及植栽調節陽光。 Tree-ness House。©Vincent HECHT   富富話合。©忠泰美術館 主題二:〈迴響—意識的交織臨界〉 植物藉由揮發物質,以類似香氣或聲音的感知進行溝通,平田晃久稱此為「迴響」。建築作為人類需求的產物,匯集了無數人的想法,形成潛在的連結與共鳴,這樣的行為也影響著當代建築的創作。例如,在設計《太田市美術館圖書館》的過程中,平田晃久多次舉辦工作坊,積極聽取市民跟相關人士的意見,將集體思考與回饋反覆融合,打造一個充滿集體意識的「迴響」空間,成為市民匯聚的文化據點。 太田市美術館圖書館。©Daici Ano 目前在台灣進行中的新作《國立臺灣大學百歲紀念館》,規劃包括博物館、多功能展演廳等多元機能,導入「Fragment」(斷片)元素,試圖在變化多端的展示空間和活動中激發互動,結合人類思維與AI人工智慧的形式,對「Fragment」型態進行研究,使其成為啟發各類展示與活動的催化劑。 國立臺灣大學百歲紀念館。©忠泰美術館   主題三:〈迴響之迴響—時空的交織臨界〉 平田進一步思考建築與不同時空的迴響如何對話。他認為,建築是跨越時空與意識的任意門,除了回應當代生活需求,同時能保留、傳承過去的記憶與感受。2024年開幕的東京原宿新地標《HARAKADO》以編織意象打造建築立面,以立體玻璃帷幕映照表參道街道櫸木、天空與神宮之森的自然綠意,亦呈現新建築和街區歷史共存的城市面貌。 HARAKADO。©KENYA CHIBA 《EXPO National Day Hall “Ray Garden”》則為2025年大阪世界博覽會設計,數道帶狀樓板依照關西地形的皺褶方向及展場的盛行風向構成,結合光線、風與綠意,展現地球作為生命體的活動特徵。 EXPO National Day Hall “Ray Garden”。 ©忠泰美術館     平田晃久© Marc Goodwin, Archmospheres 1971年出生於大阪府。平田晃久建築設計事務所代表,京都大學大學院工學研究科建築學專攻教授。畢業於京都大學工學部建築學科,同大學大學院工學研究科修了。畢業後進入伊東豊雄建築設計事務所。2005年起自立開業,設立平田晃久建築設計事務所。     資料及圖片提供」忠泰美術館 撰文」陳映蓁

藝術與夜的靈魂絮語《未央.夜》

Interior 377

《未央.夜》邀請八位藝術家匯集於TKG+ Projects,通過水彩、素描、油畫、雕塑、攝影、藝術裝置等形形色色的手法與媒材,傾訴他們對入夜後的世界的觀察和哲思。   TKG+於2009年成立,初以台灣當代錄像藝術為主要路線,切入媒體時代,致力於拓展影像在藝術領域的思考範疇,隨著畫廊經營的時間軌跡,TKG+進一步在畫廊以藝術家創作為核心、展覽為主體的運作基礎上,延伸藝術經濟體系。負責人暨藝術總監吳悅宇期望透過這座藝術空間回應時代變化,讓藝術與社會接軌,將藝術落實於生活。   夜晚或許是有些人在經歷一天繁忙後難得的休憩和自由時間,也或許有人的忙碌才剛剛開始, 在《未央.夜》中,可見藝術家如何詮釋這段時光:「王雅慧——一首詩」、「王慶蘋——冥冥中的彩排」、「周楷倫——隱市」、「邱承宏—— 夜與靈魂」、「洪郁雯—— 載夢」、「陳妍伶——窺探」、「智海——鹵素:明珠」、「劉致宏—— 迷湯」,八位藝術家的作品在展場中拼貼這段與白日相對的幽微幻夢,喚起觀者的無盡想像。     展覽作品   王雅慧《一首詩》   王雅慧的創作取材自生活經驗,將攤開的詩集置於桌上,來自作家筆記本原稿那一頁有別於過去翻閱的記憶,意外觸動了她,手寫的質感、歷經時間的詩集,置於工作室久未清理的黑色桌布上,種種元素在這一刻彎成一道迴圈,詩句與承載文字的媒介產生了共鳴。     王雅慧,一首詩,2020,半光面相紙鋁板裱褙、實木層板、書,73 x 09 x 20 cm。     王雅慧致力於研究影像媒材與觀者視野的邊界,探討現實與影像之間的重疊和落差,創作形式涵括錄像、裝置、攝影、繪畫,並在作品中思考,重力造成的型態、時間運行的軌跡、影像的視覺及記憶中的時空、事物的質感,乃至於人們對事物的成見,在這些不同階調的反射中,如何構成人類認知中的世界。   她關注東方的自然哲學中人與世界的關係與思維方式,嘗試將這樣的思路重新納入當代生活,相對於單純的拍攝,其影像作品更著重於解構風景,深入構圖的邏輯,化為多層次的敘事。     王慶蘋《冥冥中的彩排》   創作之於王慶蘋,就如同張著眼做夢,作為一色彩主義者,色與光是她的創作語言,通過繪畫和攝影,充分展現她運用色彩關係與色光特性建構形與色的繁複對話,激發作品張力與蘊意。結合抽象和有機象徵型態,在作品中建立多緯結構,令意象與非意象彼此穿插交會,讓觀者一窺藝術家靈魂深處的動靜變化。     王慶蘋,作品331號,靈動之物,2022,複合媒材(不透明壓克力水彩、油性粉彩筆、墨水)、水彩紙,23 x 31 cm。     其作品層次多重、充滿體驗性,藉視覺空間結構的交互震盪,創造豐富的動態與情緒張力,進而轉化為觀者感性經驗內涵與視覺隱喻,講求慢觀、浸淫與持續發現。豐富的色彩層次、象徵性筆觸及線條共同交織,在不斷流轉與游移的視角中,創造多元的視覺內涵與敘事可能。     陳妍伶《窺探》   陳妍伶講述了一個窺視者與被窺視者的故事,她創作了高矮不一的民房、守在街燈下形單影隻的人,從中透出的幽微燈光令人聯想到安德烈亞斯.古爾斯基的《巴黎.蒙帕納斯》(Montparnasse, Paris,Andreas Gursky)和法國攝影師羅曼.雅凱《天台故事II》(Romain Jacquet-Lagrèze,Concrete Stories II)作品裡的一格格小窗,藝術家放大了每一格入夜之後亮燈的窗,窺探別人的同時也把自己擺了進去。     陳妍伶,亮燈(2),2024,複合媒材,牛奶紙板、LED 燈泡、木頭、模型娃娃、MP3播放器,15 x 25 x 14.5 cm。     從一扇扇小窗,勾起對屋內情景的好奇,夜晚令人褪去白日的武裝,在屬於自己的空間裡釋放被掩飾的天性,在賀照緹的紀錄片《睏袂之際》中,陳妍伶捕捉到白日奔波的人們在深夜獨自面對自己時,因恐懼而無法成眠的窒息感,而最終每個人都將孤單地睡去。     陳妍伶,邊緣,2024,複合媒材,木頭、模型娃娃、LED燈泡、磁鐵、電池,37.3 x 34.8 x 9.8 cm。     陳妍伶早期以錄像、超八厘米影片為主要創作,2012年之後開始收藏廢棄的木料、布料、金屬和雜誌,結合大量的手工縫紉為複合媒材進行創作。以人為核心,探討人的情緒和困境,以一種通透的視角,觀察旁人和自己的內心世界。     邱承宏《夜與靈魂》   邱承宏尋拾地震災難中倒塌建築的破碎建材,試圖在現實中重建夢境缺失錯落的斷簡殘編,以扭曲的鋼筋與混凝土,建構書架及書本造型的雕塑,在這些裂痕與斷口之間,嵌入來自周遭環境的光影與情緒,如同書架索引,隱含夢境中的低語與記憶片段,也映射出現實世界的掠影浮光。     邱承宏,夜與靈魂,2025,鋼樑、混凝土(地震倒塌之建築物殘骸)、水泥、鵝卵石、黑大理石、黑曜石、石墨、金屬夾具,226 x 272 x 76 cm。     邱承宏的創作多以裝置、雕塑的方式呈現,宛如在現實與幻想的邊界進行考古,他善於挖掘被遺忘的時空中曾經存在的身影,並透過抽象手法重新演繹那些被合理化及設計過的生存軌跡,將它們生動地重塑,藉此發展出藝術家獨有的記憶修補術。     洪郁雯《載夢》   洪郁雯運用跳脫框架的思維,打造她的微觀宇宙,巧妙融合傳統技法與各種媒材,超越常規和文化隔閡、探索藝術創作的邊界。她在本展中編織對夜的想像,似雲絮或薄霧般輕飄虛渺的作品,卻絲絲縷縷流動著金屬的微光閃閃,靜止於空氣中,在展場朦朧的光影籠罩下,彩漆銅線在空中糾纏不規則的線條與形狀,宛如黎明前將要逸散的夢境。     洪郁雯,載夢03,2025,彩漆銅線,80 x 127 x 18 cm。     自小旅居各國,洪郁雯受多元文化薰陶,將跨越多個文化圈的生活經驗融於其藝術中。她的創作展現如水一般,給人流動且不被定性的感覺,輕鬆超越界限和形式,同時保留其內在本質,其流動性反映了她多元化的觀點,蘊含道家思想相生互換的哲學。曾在台灣舉辦個展,並參與歐洲和加拿大的群展,是近年備受矚目的亞洲新秀。     周楷倫《隱市》   以繪畫與攝影為主要創作的周楷倫,有時先拍照再根據相片內容進行繪畫,有時先落筆,事後再進行拍攝,透過攝像和繪畫形式的相輔相成,進行當代視覺影像與繪畫的討論和思索。面對既有影像的重複辯證,既是強調個人的自我意識,也是藝術家在創作形式現代化與社會規則交相逼進的情境底下,針對「創作者」身分進行的反覆詰問。     周楷倫,休息的高鐵旅客,2024,炭精筆、紙,19.5 x 13.1 cm。     周楷倫表示,一直希望留下一些獨一無二且能夠求同存異的瞬間,讓自己與自身當下所處的環境周遭達到某種平衡狀態。身處碎片化的時代,周楷倫的創作轉化源於意識的攝影,在現實中取材拼貼精神的輪廓,回應藝術家身處現代社會的自我定位。     智海《鹵素:明珠》   1977年出生於舊香港的智海自過去收藏的幻燈片中取材,創作《鹵素》繪畫系列。這些幻燈片大多是1960-70年代香港的風景名勝,因年代久遠而褪色,剩下偏紅的單色調。     智海,鹵素51–啟德機場夜景,2025,油彩、麻布,24.5 x 33.5 cm。     將過往的風景投影於工作室的牆上,智海將這些不曾親歷的場景繪製為一系列油畫,再將畫作轉譯為幻燈片,並投影展出,作品內容聚焦於舊香港的城市夜景,題為《鹵素:明珠》。歷經載體的一再轉換,為這些僅存於舊香港人記憶中、曾被譽為「東方之珠」的都市場景,烙印最後的風華。   智海的創作涉及鉛筆畫、油畫、漫畫與獨立出版,題材廣泛,漫畫集包括《圖書館、我和我聖人》、《默示錄》、《大騎劫:漫畫香港文學》、《灰掐》等,作品譯有英、法、義及芬蘭文。     劉致宏《迷湯》   劉致宏的作品描繪了一個下著雨的傍晚,騎在老打檔車上沿著海岸巡遊前進,隨著天色漸深,自身也越發靠近海洋。安全島上瑣碎的裝飾燈、鎢絲燈泡的光逼出梅納反應(Maillard Reaction)的熱烈,隨細密的雨絲,暈開視線所及的每一點光源,沸騰的陽明山上蒸氣繚繞,榕樹與棕櫚葉被雨水洗得顏色清亮,海堤上釣魚的人們撒下點點螢光。     劉致宏,鎢絲燈泡,2015,油彩、畫布,19 x 27.5 cm。     劉致宏近年的創作持續關注當代生命經驗的捕捉,以日常的角度建構敘事,創作類型涵括了繪畫、陶瓷、裝置、複合材料、地景藝術、出版計畫等,並聚焦在「材料與能動性」、「語言形式轉化」與「在地關係連結」等面向。   自他的創作中,宛如從他的眼睛、跟著他的呼吸,一同沿著海岸奔馳,細雨澆頭,風和水氣撲面,略帶汗水的鹹味……一切感知,宛如將深夜的種種元素投入,細燉一鍋迷湯。     《未央.夜》 時間」2025.02.15-04.19 地點」TKG+ Projects (台北市內湖區瑞光路 548 巷 15 號 2F)     資料及圖片提供」TKG+ Projects 編輯」江瑜

當代一畫廊2025首展 《舊影重遊 x 如影隨形》

Interior 377

林莉酈〈大眾澡堂-1〉44x80cm,絹本膠彩,2025。     2025的當代一畫廊,邀請兩位女性藝術家攜手以雙個展的形式,為其首檔展出揭開序幕。   林莉酈與胡晴雯的最新創作,通過水墨與膠彩反映現實的生活片段、和創作者游離於現實之外的精神世界。展出內涵20餘幅作品,呈現兩位藝術家相輔相成的創作脈絡,在物質性與精神性之間搭起一座橋樑,邀請觀者在光影與時間的流動中,感受生命的豐富與深邃。     胡晴雯〈透光〉45x100cm,銀箔、墨、鉛筆、盛上、紙,2024。     舊影重遊─林莉酈個展   林莉酈以平實筆調表現沉靜的心靈感受,取材自日常所見,作品呈現的室內空間、街景擺設以及植物盆栽,情感含蓄內斂,而不見任何引人注目的企圖;氤氳的灰調、搭配高彩度色質,與台灣膠彩畫習見的鮮麗大不相同,表現其個人獨到的色感與美學。     林莉酈〈前山浴室〉43x77,絹本膠彩,2025。     作品畫面充滿對日常事物的溫柔凝視,從童年田郊的純真記憶,到成年後的思索,融合自然、宗教與人造物的象徵,林莉酈從藝術家的角度,重新審視生活裡的每個細節,從中提煉生與死、開闊與封閉的矛盾,藉細膩筆觸將這些感受具象為畫面語言,讓觀者在作品中窺見物質世界背後的靜默與震動。     如影隨形─胡晴雯個展   胡晴雯偏好觀察光影與萬物互動的變化,使用金屬媒材突破傳統水墨主題的盲區,寫意筆法描繪抽象和流動的時光,利用硫磺水與銀箔產生交互作用,自然衍生線條和筆觸;並善用銀箔易氧化的特性,沉澱焦灼的色彩在畫面中留住了時間的軌跡,展現傳統與現代技法相輔相成的可能性。     胡晴雯〈朽葉〉30x30cm,銀箔、礦物性顏料、硫磺、紙,2024。     以光為核心,捕捉生活中片刻的感性經驗,將那些不經意流淌的瞬間凝結為悠長的詩意,觀察光影映照萬物表面、滲透萬物內裡的此消彼長,光的存在沉澱了心靈上的紊亂,成為藝術家的精神反射,也是創作中不可或缺的主題,胡晴雯通過描摹光影的善變與易逝,將這些特質轉化為對生命旅程的觀察與深思。       《舊影重遊 x 如影隨形》林莉酈 x 胡晴雯水墨雙個展 〈What Difference A Day Makes X Inseparable〉- Ink Paint Dup Solo Exhibition 日期」2025.02.07 — 2025.03.22 地點」台北市光復南路22巷32號1樓 營業時間」週一至週五10:00-18:00星期六13:00-18:00     資料及圖片提供」當代一畫廊 編輯」江瑜

蛇年開春特展!誠品畫廊「繭之詩」

Interior 377

蛇年迎春萬象更新,新的一年誠品畫廊以「繭之詩」為名推出全新特展,並邀請日本藝術家北川宏仁、台灣藝術家李明剛、楊子逸、潘麒方、李秉璈,以及香港出生的藝術家張柏林等人之作,以赤陶雕塑、油彩、壓克力顏料、水墨等媒材,映照日常肖像、重建風景等當代生活模樣,揭示當代社會的碎裂感及網路世界的流動性,訴說人際間若即若離卻又無可名狀的內在感性。   北川宏人所作人物雕塑矗立在展場中央,其完美比例彷若與觀者一同漫步欣賞。 以人物雕塑聞名的北川宏人,利用陶土捏塑將人物身形拉長,達到其所理想的完美比例,不僅蘊含西方雕塑的古典氣質,亦兼具日本動漫美學。特別的是,北川宏人手下作品雖擁有時尚外表,神情中卻透著一股憂鬱疏離的茫然,刻畫出泡沫經濟下日本青年的無奈和苦悶。   李明剛,憑拳,2024,壓克力顏料/畫布,50 x 50 cm。從生活場景出發,在現實與虛擬間創造嶄新的繪畫語彙。 「空間記憶的探索與重構」是李明剛的創作核心,本次展出從疫情期間至今的繪畫作品,其中可見透過掃描、拼貼及去背等手法,擷取生活場景片段,將其轉化為介於現實與虛擬間的敘事場景,表現人們透過網路及迷因獲取認知與共鳴,在虛實交錯中反映當代碎裂而嶄新的繪畫語言。   張柏林,在速度之上,2023,油彩/紙,51 x 36 cm。 生於香港的張柏林,本次展出涵蓋2019年至近期所創作的肖像畫,其人物多散發著如聖人般的微弱光環。在作品中,肖像畫象徵著張柏林探討自我的多重投影,彰顯人們被欲望牽制而感到無力的痛苦與掙扎,透過反覆消抹、塗刮等手法,紀錄與重構人們存在的心理狀態。   楊子逸,山間的影子,2025,水墨/絹本,88 x 140 cm。 楊子逸以水墨為媒材,圍繞「山水」作為發展前奏,利用塊面狀作為主要基調,繪製出獨樹一格的「自然」,透過墨於宣紙上的寫意和流動暈染,審視物我之間的關係。藉由磨墨、繃絹、單色墨塊反覆疊加,最後填於上礬的絹布之上,彷彿穿透表象探見背後真實樣貌,不為表層所蒙蔽,探討眼見與心視之間的差異。   潘麒方,麒麟花,2024,油彩/畫布,91 x 60 cm。 風景是潘麒方的繪畫主題,習慣於尋常景物中,挖掘被化為氣味、記憶、印象及各種情緒等體驗,進而探索景物間的連動關係。在此次展出的近兩年之作中,藝術家從回憶與感受出發,以清晰姿態出場卻又迅速消散,因此其作品總在清晰與曖昧的記憶間構築而成,成為可見事物的再延伸,以及「不被量化的感性」呈現,藉以提出屬於現代風景畫的新見解。   (右)李秉璈,野望,2024,壓克力顏料/畫布,163 x 97 cm。(左)李秉璈,想像藍海。2024。 李秉璈在2021年《壓馬路》及2024年《想像藍海》等繪畫新作中,以日常生活、網路社群及零星記憶為靈感,從這片破碎訊息中捕捉資訊畫面,在放置與疊合間創造出似曾相識的感受,猶如開啟或連繫或獨立的多個視窗,重新審視日常過程,賦予繪畫另一層的時代含義。   繭之詩 時間」2025年2月8日至2025年3月22日 地點」誠品畫廊丨台北市信義區菸廠路88號B1(誠品生活松菸店) 線上展廳。   資料及圖片提供」誠品畫廊 編輯」林靖諺

GEORG JENSEN喬治傑生 LITUUS系列春夏新品 金屬花藝

Interior 377

LITUUS系列2025春夏精品。     丹麥設計精品GEORG JENSEN喬治傑生,攜手知名設計師Anne Boysen,推出全新LITUUS系列居家精品,以三款精美花器揭開春季序幕,2025年2月14日正式發售。     LITUUS系列2025春夏精品。     熬過漫漫長冬、時令花卉醞釀一季的蓬勃生機,結合獨特的北歐設計巧思與嫻熟的金屬工藝,於居家場景拂來一縷春天的明媚氣息。     LITUUS系列2025春夏精品。     Anne Boysen與喬治傑生品牌的首次合作始於2024年夏季,受Caravel湯匙的獨特造型觸動,以其凹凸型態、反光效果與流線設計作靈感,與工坊銀匠們攜手打造形態獨特的銀雕藝作「Intoo」。     LITUUS系列2025春夏精品。     身為丹麥新銳設計師兼建築師,Anne Boysen善於將複雜概念轉化為直觀的設計語彙,在國際賽事上屢創佳績,如其作品於哥本哈根「3 Days of Design」設計展上的公開亮相。     LITUUS系列 不鏽鋼花瓶(大)。     全新上市的LITUUS系列,延續Anne Boysen獨樹一幟的風格調性,以簡約線條和設計思維形塑家居用品,透過幾何造型帶動建築的立體雕塑感與現代性的聯想,同時藉由凸面與凹面強化結構曲線,平滑錚亮的金屬表面和流動的光影視覺效果,點亮家居一角的陳設,為日常生活營造起居的儀式感。     LITUUS系列 不鏽鋼花瓶(落地)。     LITUUS系列花瓶以雙向傾斜的管狀結構呈現,交錯的金屬管道與植物枝葉生長的結構相仿,支撐花卉自然生長,採用鏡面拋光不鏽鋼金屬的材質,倒映植物與光影互動的千姿百態;同時以自然韻律與花卉週期為設計核心,推出三款尺寸,配合花草的生長與擺設場景所需。     LITUUS系列_不鏽鋼花瓶(小)。     透過其高度及角度的差異,同系列的花瓶相互對比;透過不同植株和花瓶的互襯,突出花朵不同周期的姿態,LITUUS系列花瓶融合時尚與純淨的造型,相約時令的自然風光,讓生活中的每個場景,蘊生藝術與日常交織的美好。     資料及圖片提供」GEORG JENSEN喬治傑生 編輯」江瑜

日夜交替的光彩 Guryevsk Light Park

Interior 377

大自然是人們眼中的最美畫作,湛藍的天空、青翠的綠地、蔥鬱的草木、砂黃的土地,如水彩般鋪灑於一片素色上,其色澤在光線的精心安排下,閃爍出鮮豔潤澤,成為無可替代的靈魂窗景。 木質步道沿著河畔延伸,與原有的自然之景相融,形塑和諧的視覺感受。 在俄羅斯的加里寧格勒地區的古里耶夫斯克市,有個極為寬敞的公共空間《Guryevsk Light Park》,不僅受到附近居民的喜愛,更吸引大量遊客特地前往一探究竟。整體概念由專注於科學建築的dot.bureau團隊及專業諮詢Sheredega Consulting團隊共同操刀,以「光」作為設計主軸,創造隨著日夜變換場景的休閒公園。   入口處的照明裝置,白天是趣味的迎接門面,夜晚則散發亮麗光影,炫麗而引人注目。 步入公園,迎接的是大型的燈光裝置,絢爛地令人眼前一亮,不僅引入城市的繁忙景致,置身其中更彷彿穿過層層框架,在每個轉角期待意想不到的互動,為遊客提供極佳的拍照景點。穿過充滿清新氣息的步道,周圍是被保存完好的自然風景,沿著隱密小徑悠然漫步前往下個區域,探索多樣且富有設計感的建築景觀。   光的篇章:生活中的光與影 「光」在全作中扮演著重要角色,為貫徹設計理念,步道上鋪設閃著彩色光芒的磁磚,並隨著圓形與方形的輪廓變化,描繪出趣味十足的指引路徑。向上望去,設計團隊特別設置白色光圈燈飾,在黑暗中閃爍極具未來感,如白雲般朵朵飄逸。   白色光圈與地坪上的方形發光磚相呼應,透過幾何圖形形塑活潑視景。 沿著步道兩側是以ㄇ字型矗立的光拱門,穿透森林串連場域,穿行間猶如進入童話世界,每一幕都成美麗景畫,繼續前行便是Guryevka堤岸,周邊設有木質躺椅、露天劇場以及看似布滿蘆葦的草地,遠看彷彿在發光般地閃耀,最終抵達整體核心-燈塔,散發著柔美光影,堅挺照亮每條道路。 光拱門沿步道矗立,穿行其中彷彿穿越一幕幕的相框,每一幅都成佳作。   根植大地 與自然的共鳴 公園西側有處小池塘周圍環繞著木質步道,與自然和諧相融,適合放鬆散步,聆聽著鳥語蟲鳴,感受徐徐微風輕撫而過,伴隨暖陽照耀體驗每刻悠閒時光,此外,一旁亦規劃了休閒區,讓遊客在步行之餘,可在此稍作休憩,欣賞湖面風光。 兒童遊憩區設置如飛船般的設施,讓孩子們在玩耍時拓展想像力。 兒童遊樂區充滿童趣,以宇宙飛船為發想,設置如飛碟般的遊樂設施,彷若外星人曾在此降落,且不再離開的新奇意象,讓孩子們沉浸在奇幻世界中,享受無邊際的浩瀚宇宙,同時拓展對事物的想像力。 建築採用外露木骨架勾勒輕盈感,在縫隙間引光線穿梭、綠影婆娑,在穿行間欣賞細緻的設計輪廓。   為延續此地所富有的歷史與文化,設計團隊在建築結構中注入外露木骨架語彙,以及動物主題的藝術品,這些元素遍布公園各處,引人回想起這片廣大樹林,不僅在19世紀時曾存在著一座動物園,更是著名城市諾伊豪森的一部分,極其熱鬧繁榮。 輕踏步伐漫步其中,在彎繞間昂頭望向高聳樹木,沉浸在森林浴中放鬆身心。  整體透過立體與光影裝置劃分區域,以避免即使遊客眾多造成的擁擠狀況,另外流暢的動線布置完美控制人流分布,使其皆可找到合適的溫馨角落,積極享受休閒活動,同時靜心品味大自然所贈與的美景。 輕巧的木架建築隱約可見聳立燈塔,指引著人們勇往直前。 Guryevsk Light Park 總建築師」dot.bureau / Alexey Chadovich, Nadezhda Chadovich, Natalia Morozova, Alexander Krylov 參與團隊」SheredegaConsulting / Yuri Sheredega, Evgenia Sheredega, Alexander Marulin, Ekaterina Tolmacheva, Dmitry Letunovsky 設計團隊」другая архитектура 主要結構」木骨架、木材、裝置藝術 空間性質」公共空間 坐落位置」俄羅斯 總面積」85000m² 資料及圖片提供」dot.bureau、Dmitry Chebanenko、Denis Kichatov 撰文」林靖諺

[無]信仰:漂蕩世界的臺灣智慧

Interior 377

2025年威尼斯建築雙年展將於5月10日至11月23日舉行,本屆大會主題為「智慧.自然.人工.集體(Intelligens. Natural. Artificial. Collective.)」,策展人卡洛.拉蒂(Carlo Ratti)用「Intelligens」這個字詞,突出「gens」在拉丁文中「人」的含意,討論三種不同類型的智慧:自然、人工和集體智慧,於建築設計中如何被思考和用以面對當代環境和氣候困境。   而文化部所屬國立臺灣美術館(簡稱國美館)自2000年起承辦「威尼斯建築雙年展臺灣館」的展覽,每兩年徵選出具代表性的台灣建築策展提案,前往義大利威尼斯普里奇歐尼宮(Palazzo delle Prigioni)與國際交流。 展場配置概念示意圖。 今年,由策展人薛丞倫、協同策展人吳秉聲、蘇孟宗、江松長帶領國立成功大學團隊策劃的參展計畫--「[無]信仰:漂蕩世界的臺灣智慧(NON-Belief: Taiwan Intelligens of Precarity)」獲選,將以展覽、裝置、工作坊和論壇的形式,探索並定義當代台灣建築師的「智慧(Intelligens)」表現和未來設計的展場領域。展覽內容亦於日前首度公開亮相。 策展人薛丞倫。   以大會主題為基礎,探索在當代建築及環境中的智慧(Intelligens)角色,重新審視台灣在全球化與飄盪的地緣政治背景下的空間策略。整個提案概念受到美國藝術家羅伯特.史密森(Robert Smithson)的「NON-sites」理論啟發,強調地景的缺席、置換與二元性,並透過抽象架構來反思建築、實質環境與再現之間的關係;而「無」同時也是東方哲學中「無/有」的二元辯證思考。 展場模擬圖。 三大主題:效率、科技、控制 展覽設計嘗試辨識、建構屬於台灣「信仰」與「無信仰」之間的灰色地帶,尋找智慧(Intelligens)的不同表現形式及其影響力,並分為三個面向做探討:效率(Efficiency):[無]高速度信仰(NON-Belief in high-speed),探討全球追求效率和快速發展的潮流,以台灣高鐵系統為案例研究,提出高鐵所建構的台灣大都會區帶,與城鄉差距下都市生態的反省;科技(Technology):[無]晶片信仰(NON-Belief in chips),探索科技島之於生態島兩個極端神話的信仰,以及背後綠能光電板所覆蓋的代價,尤其以台南七股地區作為主要研究場域;控制(Control):[無]感知-運動信仰(NON-Belief in sensory-motor),從每天例行生活的各種細微感知中,在延展的基地涵構和關係場域內重新梳理各種與生態、文化、社交的衝突。 展場模擬圖。   島嶼意象串起觀展路線 本次展場設計採用「島嶼」概念貫穿全場,以「島—群島—半島」之間的關係呈現信仰與[無]信仰之間的張力。一座宛如自黑夜海洋中浮現的島嶼靜靜佇立於展場中央,蜂巢紙切割出了台灣地形剖面,細密的紋路如同時間在土地上刻下的痕跡,微光自紙間漫出,隨地形起伏緩緩流動;結合上方「科技島」以電子紙輪播台灣地景照片,陳述半導體發展對台灣土地的影響,同時引入環境正義的討論,包括都市熱島效應、能源分配等議題,全面研討科技跟環境的交互關係,並輔以16組研究書冊,以科技島嶼論述為序,開啟[無]信仰的觀展動線。 蜂巢紙切割出台灣地形剖面。上方科技島以電子紙輪播台灣地景照片。   展場周圍則配置展櫃,象徵環繞群島,展示12組研究模型,聚焦台灣真實情境與議題,反映當代社會的挑戰及思考,讓觀者在群島結構中,重新思索台灣地景轉變的脈絡。展場一端的「光明燈牆」好似群島中設置的信仰半島,成為核心並串聯起所有展櫃和內容,營造統合與連結的視覺體驗。正式於普里奇歐尼宮展出時,由展場唯一開啟的對外窗可望見威尼斯的安康聖母聖殿,象徵人文及信仰的起點。 Old Town - [Railway Station] - Science Park。參展者:張鶴齡、宋立文。展覽團隊:AECOM︱張鶴齡建築師事務所+宋立文。成員:吳宛蓁、鍾宛庭、方若嘉。攝影:李奕瑲   台灣科技廟。參展者:林宛蓁、侯慶謀、葉玉祥、賴伯威。團隊:侯林設計+葉玉祥+賴伯威。成員:蔡侑樺、李秉勳、王聿雅、徐敬恩。攝影:李奕瑲 [無]信仰:漂蕩世界的臺灣智慧 日期」2025年5月10至11月23日 地點」義大利威尼斯普里奇歐尼宮(Palazzo delle Prigioni)     資料及圖片提供」國立臺灣美術館  撰文」陳映蓁

「托瑪斯.德曼30年回顧展」堆疊雕塑與攝影重塑現實

Interior 376

「我創作的核心是透過重新打造、去除原有敘事,將世界變成一座模型;此時世界變成寓言,而整個作品計畫就是隱喻。製作模型是一種文化技藝,沒有它我們就無法見證一切。」──托瑪斯.德曼    德國藝術家托瑪斯.德曼(Thomas Demand)世界巡迴展近日登台,並於臺北市立美術館展出。展覽由攝影展覽基金會、尤倫斯當代藝術中心與北美館共同製作,美國策展人道格拉斯.佛格(Douglas Fogle)策劃。德曼曾參與「2002台北雙年展」,本次睽違20餘年重登,匯集從1990年代至今近70件作品,呈現其30年融合雕塑與攝影的創作實踐。 精心設計展場燈光,在明暗間細膩感受作品所暈染出的意境。 從工具到藝術媒材的轉變 起初,德曼僅以紙張和硬紙板為素材創作雕塑,攝影原本是紀錄作品的工具。在拍攝過程中,發現物件實體與相機鏡頭所呈現平面影像之間的差異,而後發展出以攝影為目的建構物體的創作方法,成為創作的主要媒材。   托瑪斯.德曼,《檔案》,1995,C-Print/水晶裱。 德曼的創作題材多取自知名歷史或社會事件,重現影響西方、全球局勢轉折的關鍵時刻。早期觸及未曾親身經歷、透過圖像認識的德國歷史,如1944年希特勒險遭暗殺、被炸毀的房間(《專室》,1994);納粹所支持電影導演蘭妮.萊芬斯坦(Leni Riefenstahl)的電影資料庫(《檔案》,1995)等。   重現歷史與文化場景 此外,德曼重建多起世界重大新聞事件的場景,例如:唐納.川普2017 年就任美國總統前召開記者會中,為證明已交出名下企業經營權而堆疊於現場的文件 (《文件夾》,2017);美國國家安全局洩密者艾德華.史諾登(Edward Snowden)逃亡至俄羅斯時曾落腳的飯店房間(《避難所》系列,2021)。 托瑪斯.德曼,《控制室》,2011,C-Print/水晶裱。 警方查獲30件失蹤數十年名畫與雕塑的威登斯坦研究中心(Wildenstein Institute)密室(《保險庫》,2012);311大地震後福島核電廠廢棄的控制室 (《控制室》,2011)等。   托瑪斯.德曼,《石窟》,2006,C-Print/水晶裱,透過硬紙板仿真石窟意象,落於攝影圖像便是人們集體對石窟印象的濃縮。 人類文化如何詮釋與再現「自然」,以及人造和自然世界的分野,一直是德曼感興趣的創作主題。以超過27萬張紙製樹葉創造《森中空地》(2003),一幅陽光從樹冠灑落的夢幻森林場景,呈顯人們對純淨、原始自然樣貌的浪漫憧憬。《石窟》的場景由36噸的硬紙板製作而成,藝術家收集並研究數百張世界各地禮品店銷售的石窟明信片,建造出仿真石窟及經過數千年累積而成的鐘乳石。  托瑪斯.德曼,《花見》,2014,UV 印刷,無紡布壁紙。展場入口,以《花見》大面鋪陳立面,聚焦視線吸引觀者目光。 橫跨此次展間出入口牆面的壁紙攝影作品《花見》則為觀者打造沉浸式環境體驗,利用紙製出無數櫻花,以稍縱即逝的花期,冥想生命短暫與周而復始的本質。   日常系列:重現生活中的詩意 2008年,德曼轉移到生活題材上,創作「日常」系列。藝術家採取相同創作手法,將影像轉換成紙雕再拍攝,不過此系列的影像來自日常中偶遇、用手機拍攝的一隅即景。 丟在層架上的空優格冰淇淋杯與粉色塑料湯匙。 「日常」系列為德曼以尋常視覺元素譜寫的自述,讚頌生活中蘊含無限意趣的微渺末節,濃縮成對歷史的理解:歷史不僅是世界各地的恢弘事件,也同樣包含個體生命的凡常絮語。有鑑於手機的普及及大眾對在社群媒體分享影像的痴迷,透過耗時精心重製生活中詩意而平凡的瞬間,引人反思快速生成和傳播、充斥於當代社會的影像。 托瑪斯.德曼,《太平洋豔陽號》(動畫截圖),2012,定格動畫。  在紐西蘭海岸遭熱帶風暴巨浪襲擊的郵輪船艙內,桌椅、儲物櫃等物件向兩側滑動的滑稽景象,花三年時間,用紙和紙板重現。 定格動畫則是德曼對動態影像構成的探索。《太平洋豔陽號》取材自一段網路上瘋傳的監視錄影機畫面;《氣球》(2018)中,一串繫在紅色塑膠晾衣夾上的氣球,在混凝土與磚石人行道上被風吹而緩緩飄動。畫面中只見夾子、五顏六色的絲帶,氣球本身卻漂浮在畫面之外,僅透過投射在地面的影子顯現,宛如跟著即興演奏的小步舞曲輕巧而慵懶地移動;伴隨搖曳的樹影、偶爾在地面掃過的落葉,作品捕捉城市生活中往往被忽略、不經意的詩意瞬間。 托瑪斯.德曼,《椋鳥》,模型研究4,2020,數位版畫框裱。   2011年,德曼在洛杉磯蓋蒂研究所(Getty Research Institute)駐館期間,開始「模型研究」系列創作。主要聚焦在建築與時裝設計師的紙質模型初稿,擷取其中局部與抽象元素,揭示紙如何成為構建世界的基礎。   《置物櫃》(2018)以圖像輸出鋪於四周立面,享受層次豐富的視覺感受。 另外,在視覺世界建構環境的探索過程中,以其攝影輸出為壁紙介入白盒子空間,如《圓管》(2018)與《置物櫃》(2018)圖像在兩個展間中滿布四面展牆,為展示賦予空間層次感。   藉由紙張、硬紙板、攝影等平面影像重現真實場景。 透過紙材的巧妙建構與光線、陰影的編排,乍看近似真實世界的攝像,卻了無人跡,仔細審視更會發覺是用紙張和硬紙板重現。以平面的紀實影像為依據,精心搭建還原場景的紙模型並拍照,直至銷毀模型、徒留鬼魅般的影像,透過在原影像與最終準攝影分身間進行重製與轉譯,暗示歷史影像與真相的差異。   托瑪斯.德曼 他擅以大眾傳媒中常見的紀實影像為對象,以紙材精細地重建實物尺寸的場景,接著透過鏡頭取景拍攝出近似原影像的畫面,再將模型全數摧毀,用大尺幅攝影輸出再現。藉此,他認為攝影是絕對客觀的真實媒介,探索現實與重現之間的距離。德曼作品曾在全球各大美術館及藝廊展出,並在第26屆聖保羅雙年展(2004)代表德國參展,更曾四度於威尼斯建築雙年展登場。出於對模型與建築的喜愛,德曼歷年來也與多位國際知名建築師如大衛.基帕菲特(David Chipperfield)、雷姆.庫哈斯(Rem Koolhaas)以及SANAA建築事務所等合作,包含展覽、裝置,甚至是建築工程案。   托瑪斯.德曼:歷史的結舌 時間:2025年1月18日至5月11日 地點:臺北市立美術館 一樓1A、1B展覽室   資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」林靖諺