橫山書法藝術館 10 月 22 日正式舉辦開館暨首檔國際展「飛墨橫山」記者會，由鄭文燦市長主持揭幕。展館位於桃園高鐵站旁，毗鄰青塘園生態公園，為台灣首座由官方經營之書法藝術主題館，更是桃園市立美術館館群中第一座正式開館營運的館舍，別具意義。 橫山書法藝術館建築全景。（原間影像工作室提供） 藝術公園景觀及藝術館建築由景觀設計師吳書原、建築師潘天壹擘劃。建築師以公園基地為「硯石」、陂塘為「墨池」的意象來規劃的園區中，打造了有如五方篆印的主體建築群，結合水岸景觀，將主體建築以硯石色為基調，並藉由錯落矩陣延展其空間，闢出建築間隙，引入自然天光，以禪風建築概念打造硯石及墨池，映照城市的藝術紋理和埤塘的文化景觀。 運用黃檜格柵編織而成的簍空木屏風，來表達東方藏書文化中「閤」的概念。（原間影像工作室提供） 橫山書法藝術館於 2018 年啟動前期籌備，以國際現當代書藝發展的軸線出發，既聚焦漢字傳統所形成的亞洲文化邊界，亦關照科技進步下書寫本身在數位化時代的挑戰，故此，於具體的實踐上，橫山書法藝術館企圖打造、培力的是面向亞洲的書藝生態系。 橫山書法藝術館空拍全景。   開館國際展「飛墨橫山」 「飛墨橫山」攜手中、港、台、日、韓、德、芬等地 51 位藝術家，透過「溯源」、「尋新」、「對語」、「跨域」4 個子題，展示書法藝術傳統與當代的對話，探索書藝創作的時代趨勢和美學思維，為橫山書藝館的未來發展拉開序幕，也展望成為國際書藝匯流的焦點場域。 建築外觀。（原間影像工作室提供） 除了賞覽書法大家作品，民眾更可親身貼近書法藝術，如國際知名藝術家徐冰展出《英文方塊字書法書房-古典版》現地裝置，思考不同文明與跨文化對話，並鼓勵觀眾以字帖臨摹重新思考書寫和文字的本質；或如「造象 Word to World」以傳統漢字起源的神話爲想像，回應｢倉頡造字｣，並以當代科技為媒介，邀請觀眾參與作品互動，呈現當代科技跨媒材的書藝語境轉換。 「造象 」新媒體藝術裝置。 橫山書法藝術館自 10 月22日至 26 日為開館週，邀請優人神鼓 13 組知名國內表演團隊及在地優秀演藝團體，在橫山書法藝術館戶外公園，帶來連續 5 日的精彩演出，開館展期間更推出免收費優惠，邀請民眾闔家共賞書藝之美。 《飛墨橫山－橫山書法藝術館開館國際書藝展》 日期」2021 年 10 月 22 日至 2022 年 1 月 6 日 地點」橫山書法藝術館（桃園市大園區大仁路100號） 「飛墨橫山」展場一隅。 資料及圖片提供」桃園市立美術館 編輯」林慧慈

花器是與生活最相關的藝術品，它是收藏，亦是生活器物，反映出不同時代、文化背景以及創作者對於美的定見。秉持「器用為上，用之為美」的核心理念，坐落台北市青田街的異雲書屋日前推出《花氣 — 亞洲花器集珍》展，展出內容匯集台灣、日本、韓國、中國共橫跨千年的花器藏品，包括台灣超過300年歷史的原住民陶壺、台灣日據時期金煉成、紅磚胎藝品、日本鎌倉時代器物、韓國李朝白瓷，以及中國新石器時代、戰國時期及至漢、唐、宋、元、明、清等朝代的歷史器物，讓美學愛好者能縱觀千年與不同地域文化所孕育的器物，閱讀它們對於過往生活的象徵意義。   異雲書屋推出花氣 — 亞洲花器集珍，匯集逾百件橫跨千年的器物，演繹出歷史器物在當代生活的美感呈現。 器_中國仰韶文化彩陶罐 中國西漢灰陶繭型壺 中國元代四繫罐 中國明清陶甕 (左至右)。 異雲書屋秉持器用為上，用之為美的理念，於花氣 — 亞洲花器集珍展覽中，汲宋朝文人四藝其二之插花、掛畫，將花與器諧和共生，於展覽空間內打造嶄新的共生關係與美學體現。 花器之美其實也源自於它和花材、花藝師的對話。異雲書屋主理人陳維駿擁有室內空間設計專業背景，素來對生活藝術與空間美學擁有豐厚心得，這個展覽一如他所主張的靈動美學精神，將生活作為藝術涵養的集大成表現，特地邀請七位當代藝術創作者，包括顏貽成、吳士偉、彭康隆、羅士亷、許靜、柯偉國、李凱真參與，讓書法、繪畫、陶藝、混合媒材與花器並呈於展場裡，同時也邀來多位花藝師參與，由花藝師選擇展品與真實花木展開對話，打造出各具特色的韻致情境，讓展覽選品不再是單純的器物呈現，而是回歸到可用可賞的生活本質，演示真實而立體的藝術風景。   器_台灣排灣族陶壺 中國明代磁州窯罐 (左至右)，畫_彭康隆。 器_金代磁州窯瓶 韓國李朝白瓷罐 (左至右)，掛畫_許靜(芳華載) 李凱真(花色殘影) (左至右)，材_草海桐，事花_古玉貞。 一如花開花謝的自然周期，每位花藝師將陸續於《花氣—亞洲花器集珍》現場進行創作，以個人美學、視角表達對於器物、藝術的心得感受，週週別有意境，猶若一場場別致的小型盛宴。 器-台灣歸仁窯槽 羅士亷當代陶器 日本渡辺勝竹斎竹籃 (左至右)，掛畫_許靜(花氣)，材_山歸來 莎草 小判草 紫花藿香薊 繁星花 玉葉金花，事花_古玉貞。   異雲書屋 《花氣—亞洲花器集珍》展覽資訊 開展時間」2021年08月22日至10月25日（周二公休，配合防疫政策，展覽參觀採預約制） 開放時間」11：00am-6：00pm 地址」台北市大安區青田街12巷23號1樓 電話」02-2395-5858 Facebook」異雲書屋 yiyun art Instagram」yiyun_art 官方網站」yiyun-art.com 採訪」Sumile

全球熱烈討論的 V&A 重量級大展《蒂姆．沃克：美妙事物》7 月 31 日在奇美博物館登場，不僅可以看見傳奇攝影大師蒂姆．沃克（Tim Walker）的奇幻之作，一展區一世界、充滿氛圍的情境空間同樣令人驚豔，加上聲音效果的巧妙陪襯與沃克優美動人的自述文字，讓人彷彿進入一個超現實的綺麗夢境，堪稱是最魔幻的沉浸式體驗。而今台灣的民眾不用出國就能在台南看到原汁原味、具國際專業水準的超級大展，奇美博物館不惜重本向 V&A 借展，引進時尚攝影大師此生至今最精采的作品展！ 蒂姆．沃克「雲朵9」系列作品，拉迪卡．奈爾、尚特爾．庫爾卡尼與基蘭．肯德拉 時裝：Richard Quinn；伍斯特郡珀肖爾鎮 2018。圖片來源：Tim Walker Studio  　　 傳奇攝影大師攜手百年博物館 蒂姆．沃克 1970 年出生於英格蘭，是當代公認最富創造力的攝影師之一，於 1990 年代嶄露頭角，在專題編輯攝影（editorial photography）領域以獨特的視覺敘事，模糊幻想和真實，創造出超現實、奢華或幽默動人的作品。而提供其豐沛靈感的來源，便是具有近 170 年歷史，館藏超過 230 萬件的維多利亞與亞伯特博物館（Victoria and Albert Museum，簡稱V&A），座落在英國倫敦最壯麗的維多利亞及現代建築群之中，是世界頂尖的藝術及設計博物館。 沃克透露，展覽名稱「美妙事物（Wonderful Things）」源自他在 V&A 尋找創作靈感時，想像著自己如考古學家霍華德．卡特第一次進入埃及圖坦卡門之墓，他引述霍華德著作《圖坦卡門之墓》中所記載的內容：「當我的眼逐漸習慣昏黃的燈光，陵墓內的景象彷彿撥開雲霧一般逐漸明朗，稀奇的動物、雕像及黃金，到處都是黃金反射的光芒......震懾得我一時之間呆住了。我的沉默讓卡那封伯爵再也無法忍受，他焦急地問我：『你有看到什麼嗎？』我只能愣愣地回答：『我看到了，非常美妙的事物。』（Wonderful Things）」 蒂姆．沃克於倫敦 V&A 博物館；莎拉．洛依德攝影，2019。 圖片來源：Tim Walker Studio     怪誕氛圍 打造沉浸式展場 展場主要分為兩大展區，第一展區回顧沃克在 90 年代出道後的職涯重要之作與一部影像節錄作品。此區可以清楚看見其鮮明特色，巨型道具、奇異角色、華麗服裝與浮誇布景，呈現魔幻、詩意、荒誕等強烈風格。且入鏡模特兒皆為國際影星、超模、歌手等名人，民眾欣賞作品的過程中會不時發現熟悉面孔，成為觀展一大樂趣。   第二展區為沃克從 V&A 藏品獲取靈感的系列作品，包含十大單元及一部短片。此區每個單元自成一個奇異世界，例如「光芒」呼應 V&A 16 世紀彩繪玻璃，展示空間好似一座燒毀的教堂；「寶盒」猶如一個逃離現實與追尋自我的所在，展間以粉紅玫瑰壁紙、粉紅樓梯打造為一座藏著祕密的童話天地。「雲朵 9」的創作靈感來自印度畫與西洋棋，場景設計師將拍攝道具「動物公仔」一併展示，更顯奇幻繽紛之感。 ​蒂姆．沃克「寶盒」系列作品；詹姆士．史賓塞； 倫敦 2018。圖片來源：Tim Walker Studio 有別於一般展覽經常以知識教育的方式解說作品，本展說明文字幾乎全出自藝術家之手，他有感而發、娓娓道來自己的心情，包括小時候的記憶、對攝影的想法以及對藝術的感動……文字情感飽滿且饒富意境，彷彿在身邊親自訴說，引領人們一同遨遊在他恣意奔放的心靈世界。此外由於沃克會在拍攝現場播放音樂，培養工作人員的情緒，因此本展也融入「聲音」元素，為不同主題搭配背景音效以增加臨場感。 展覽尾聲則放映沃克的電影《勇敢的小錫兵》，為一齣描述同性愛情故事的芭蕾舞劇。出口處還有一本巨型剪貼簿和鉛筆，提供民眾拍照留念。奇美博物館也自行設計一個向 V&A 與藝術家致敬的互動區「奇幻投影牆」，將奇美的典藏品化為光影，邀請民眾扮演攝影師，拍出創意照片。 蒂姆．沃克「珍藏與維護」系列作品；斯凱爾．伍德、詹姆士．克魯與凱倫．艾爾森；時裝： The Row、安東尼．瓦加雷羅為 Saint Laurent 設計的時裝、Daniela Geraci、Sarah Bruylant、Molly Goddard； 倫敦 2018。圖片來源：Tim Walker Studio    奇美與 V&A 的邂逅 將國際文化資源帶到台灣，一直是奇美博物館努力的目標。2019 年 8 月，時任奇美博物館副館長的郭玲玲女士（現任奇美博物館基金會董事長）至英國倫敦旅行，結識了 V&A 典藏主任 Antonia Boström 與多位館員，雙方理念相投、暢談甚歡，因而再度開啟了合作的討論。在多次討論後，館方對蒂姆．沃克有著高度興趣，展演組同仁也特別親自前往倫敦觀展。經館方確認展覽質量優異後，便決定與 V&A 合作引進該展。 《蒂姆．沃克：美妙事物》2019 年 9 月於倫敦首展，隨即進入世界巡迴，2020 年前往比利時，現今來到台灣，台灣不僅是亞洲首站，更是歐洲以外的第一站。奇美博物館表示，蒂姆．沃克的作品精采絕倫，所關注的面向也極廣，從時尚產業、多元文化、身體性別、環保到消費等議題皆有。期待將此展介紹予台灣大眾，提供與國際同步的文化資源，令觀眾都能如沃克一般，從 V&A 或更多美妙事物中尋得靈感，激發無窮想像力。 Tim Walker 特展第二展區「光芒」 。圖片提供：奇美博物館   展覽資訊 蒂姆．沃克：美妙事物（Tim Walker: Wonderful Things） 日期」2021 年 7 月 31 日至 2022 年 2 月 6 日 地點」奇美博物館特展廳（台南市文華路二段 66 號） 配合防疫，短期內採入館預約制，後續視疫情發展滾動式調整，詳情請見奇美博物館官網。   資料及圖片提供」奇美博物館 編輯」林慧慈

「我們的家鄉—地球很美麗」，許多美國太空總署NASA的太空人在訪談中都這麼描述他們從國際太空站觀看家鄉星球的經驗：一片死寂真空的宇宙裡，地球是唯一充滿生氣蓬勃色彩的星球。但是，現實窘境是地球生態系統正面臨著大崩壞，人類獨大的現代文明方式正劇烈改變自然環境的樣貌，甚至有科學家宣稱已經進入「人類世(Anthropocene)」時期。 NASA。中國三峽大壩建造前影像。1993 年 9 月 24 日至 2016 年 8 月 22 日。NASA 提供，U.S. Geological Survey (USGS), Landsat Missions Gallery, U.S. Department of the Interior / USGS and NASA 面對殘破的自然生態，聯合國教科文組織在2019年「聯合國氣候變遷會議」的網站上清楚地寫著世界各國應該如何行動：「迄今為止，各國的野心不足以實現協定中的三項氣候目標，分別是2030年前要減少 45%的二氧化碳排放量；2050年前實現氣候中和（意味著零淨碳足跡）；本世紀末前，使全球溫度的上升控制在1.5°C內。」如果依照聯合國教科文組織同年發表的氣候變遷科學研究報告書，會發現，如果各國再不實際行動，10年後我們將面臨地球生態系統崩壞的世界級災難。  對於此一世界重大議題，紐約MoMA美術館在嚴峻的新冠疫情中策劃了《損壞的自然》(Broken Nature)展。這項展覽討論如何運用設計的「修復」潛力，來修補人類和生態物種、環境之間的關係。如果設計的本質是解決人類文明的問題，我好奇展覽將如何討論設計能為目前光速般損壞的自然環境提出解決方案？或者，運用設計保護獨大的人類物種？ 初始觀點：優雅地滅種  《損壞的自然》其實來自2019年第22屆米蘭三年展(XXII International Exhibition of La Triennale di Milano)《損壞的自然：設計承載人類生存》(Broken Nature: Design Takes on Human Survival)，總策展人寶拉·安東內利(Paola Antonelli)是建築暨設計部門資深策展人(Senior Curator, Department of Architecture and Design)，在紐約MoMA工作超過25年，此展覽也是她首度在米蘭策展。 亞歷克斯・高德(Alex Goad)，《MARS》(Modular Artificial Reef Structure)，2013。2019 米蘭三年展 《損壞自然》裝置現場。米蘭三年展(Triennale di Milano)提供。攝影 Gianluca di Ioia 2019年，在紐約設計出版刊物Core 77舉辦的設計論壇上，安東內利表示，《損壞的自然》最先來自2013年在MoMA內部的提案，但是當時時機尚未成熟，也許環境議題還不那麼急迫，所以未能實踐。最初的概念來自一項簡單的想法：人類終將滅絕。我們也許沒辦法完全控制滅絕，但是我們對什麼時候、如何滅絕能有一些掌控。因此，安東內利認為人類可以設計自己優雅滅絕的方式。 這簡單的想法讓《損壞的自然：設計承載人類生存》進一步來討論如何、怎樣設計人類的滅絕。而米蘭三年展的版本是為了「世界公民」(citizens of the world)而展出，而不是設計師；因為我們身為公民，每個人都有責任。策展團隊不選擇常用的「區塊」子題手法來處理，而是以流動、觀展的方式，其中展出超過100件作品，以廣泛內容、並非單一主題聚焦討論，從宇宙、社區、日常的觀點，提供世界公民在嚴峻環境中生存的設計方案。 修補人類環境和自然的關係？ 此次，紐約MoMA和米蘭三年展合作，呈現《損壞自然》的精選迷你版本，在《損壞的自然：設計承載人類生存》的眾多觀點中，選擇「修復性設計」作為主題聚焦。在「修復性設計」策展觀點基礎上，《損壞自然》認為環境是多樣、相互連結的體系。展覽要探索人類棲息地中那些複合的系統，並進一步討論在這涉及經濟、社會、政治、以及自然生態的多樣連結體系中，設計如何作為修補角色？在「修復性設計」的大主題下，選擇45件作品，其中有些作品也成為MoMA新典藏。 稻田亞希。《想演化 #1》(Think Evolution #1: Kiku-ichi (Ammonite))，2016-2017。藝術家、久保田雄藝廊(MAHO KUBOTA GALLERY)提供 展出作品呈現能提供多樣策略的設計物件和概念，解決損壞自然所帶來的相關問題，來幫助人類去修復與其他物種的共享環境關係。不僅是生態環境危機的緊急難題，例如污染、材料消耗、全球暖化，也包括像是家庭、性別、種族、階級、民族等基本制度和概念的議題。同時展覽內容，呈現設計師、工程師、藝術家、科學家之間存在的共享關係，以及這些不同領域間持續相互合作、影響下所產生的設計。 像是為了解決來自多樣的環境壓力、海水升溫造成珊瑚大規模死亡，全球正在開發新的養殖方法，種植不同珊瑚物種，直到可以將珊瑚移植回天然珊瑚礁為止。來自澳洲的亞歷克斯·高德(Alex Goad)在2013年的設計作品《MARS》(Modular Artificial Reef Structure)，以3D打印樹脂模具的晶格系統，作為陶瓷模塊化的人工礁結構。在沉入水底之前，珊瑚片會附著在這結構上，就像是一座堅固的骨架，讓移植珊瑚可以在其上生長。《MARS》提供複雜幾何造型為許多其他依賴珊瑚礁的物種，如魚類和軟體動物，以及更廣大的珊瑚礁生態系統提供保護性棲息地。  有些作品專注在廢棄物的議題。把廢棄物作為可大量獲取的材料，從新資源的角度來看待、運用。英國設計師亞歷山大·格羅夫斯(Alexander Groves)與村上梓(Azusa Murakami)組成的彘工作室(Studio Swine)，他們的作品《罐子城的棕櫚凳》(Palm Stool from Can City)是街上拾得的廢棄物件，有棕櫚葉、陶瓷磚、籃子底部等。在廢棄的籃子底部填滿沙，再將不同物件壓印翻模，做成鋁凳的模具。這件移動式鑄造裝置，以食用油為燃料，熔化從城市街道上收集的鋁罐，作為各種造型的棕櫚凳子。《罐子城的棕櫚凳》靈感是來自巴西聖保羅的地下拾荒經濟，由拾荒者收集回收物件放在拉車上，再拿去回收。  英國彘工作室(Studio Swine)，《罐子城 市的棕櫚凳》(Palm Stool from Can City)，2013。藝術家提供 廢棄物議題也有討論運用新科技和材料，開發製造和建造新方式，讓廢棄物能回收再利用。像是法國阿爾勒(Arles)的路馬工作室(Atelier Luma)是藻類實驗室，專注在探索微藻和大型藻類的生物材料潛力。此次展出的 2019年設計計畫《藻類地理》(Algae Geographies)，是路馬工作室採購當地海洋植物，在實驗室進行種植、混合、乾燥階段，要創造替代石化產品的塑料，同時扮演能吸收二氧化碳排放的材料。路馬工作室團隊製作區域內資源、專有技術、文化檔案的網絡，進一步與地中海區域的設計師和在地社區合作，重振當地經濟。  也有作品以想像實驗的方式提出解決問題的設計方案，像是美國建築師穆斯塔法·法魯基(Mustafa Faruki)所創立的實驗室實驗室(theLab-lab)以建築想像圖取代實際建造的設計。實驗室會依照匿名客戶不同的要求，以建築數位繪圖作為一種溝通的媒介，依客戶所想的設施視覺化。此次展出許多想像方案的建築數位繪圖。除此，也有以批判性設計(critical design)來思考解決生存方案的作品。 穆 斯塔法·法魯基(Mustafa Faruki)，實驗室實驗室(theLab-lab)。《匿名客戶的接收供應設施》，2018—至今。藝術家提供 來自英國設計師、目前任教紐約新學院的安東尼·鄧恩(Anthony Dunne)和菲奧娜·拉布(Fiona Rab)共同組成鄧恩&拉布工作室(Dunne & Raby)，專長就是批判性設計。他們展出2009年的設計計畫《為人口過剩星球的設計：覓食者》(Designs for an Overpopulated Planet：Foragers)，討論人類未來獲取糧食的方式需要從根本上重新思考。 MoMA展場平台上放置著鄧恩&拉布以玻璃強化塑膠材質打造鮮豔綠色的物件，十足的未來感造型，其實是在人體以外的腸胃系統裝置。連結到人體周圍外在環境，進行「外包」的糧食資源，這項裝置協助人類在人口過剩的地球 覓食，甚至消化人類無法食用的東西，像是粗韌的根和纖維素物質，但是這些卻是其他哺乳動物和鳥類賴以生存的食物， 甚至人類祖先在早期也能夠食用。 《損壞的自然》MoMA 展覽現場，圖為鄧恩&拉布工作室(Dunne & Raby)2009 年作品《為人口過剩星球的設計：覓食者》(Designs for an Overpopulated Planet: Foragers)© 2020 The Museum of Modern Art。攝影 Robert Gerhardt 看完紐約MoMA版的《損壞的自然》，也許設計真的能夠解決某種因人類文明所產生的問題。從這些展出的案例，策展人安東內利認為，從復育急速死亡的珊瑚礁，到思考為人口過剩的星球提供糧食的場景，設計、建築一直以來能夠在不同階段、背景、環境下，橫跨時空並迅速推動建設性的改革。 然而，如果我們對於自然環境的關係仍是以「取得資源」為出發， 要如何如他所言，設計可以改變人類行為，或是自然環境的行為？《損壞的自然》展出的《蜜蜂計畫》(BEE' S project)讓我萌生這樣的問題。《蜜蜂計畫》是目前任教倫敦的葡萄牙設計師蘇珊娜·蘇亞雷斯(Susana Soares)在2007年的設計和科學計畫，運用蜜蜂獨有的精密嗅覺，訓練蜜蜂來作為人類醫療疾病、懷孕診斷的有機測試。展場裡三件工藝精緻的玻璃製品，其實在真正使用時，裡面會有受人類特別訓練的蜜蜂，來作為不同用途的醫療測試。 看著《蜜蜂計畫》美麗的玻璃物件，讓我想起幾年前全球各地原生種蜜蜂大量死亡，各地的數據都不同，最高數據大約是30-40%。主要原因包括棲息地、化學農藥的使用，沒想到我們熟悉的蜜蜂有一天居然也會成為可能瀕臨危機的物種。蜜蜂族群數量下滑，導致各地農場缺少蜜蜂作為農作物授粉的重要媒介，也意味著人類世界糧食供給也發生問題。那麼，蜜蜂作為醫療測試的用途，顯得有些 超現實。  朱亞·奧曼(Julia Lohmann)。《因為這很重要》，2013。海帶植物裝置， 2019 米蘭三年展《損壞自然》裝置現場。米蘭三年展(Triennale di Milano)提供。攝影 Gianluca di Ioia 如果整體大環境的基本面沒有獲得改善，如聯合國教科文組織所言人類僅剩10年不到的時間，設計真的能保護人類免於生態大浩劫所帶來不宜人居的狀態？除了設計作為解決方案之外，近年國際趨勢很多朝向規劃生態保留區，作為讓自然環境免於浩劫的方法之一。所謂生態保護區，是免除、降低人類活動對環境的干擾。 以美國拜登政府舉例來說，年初頒布對應氣候危機的行政命令，其中一項是暫停所有公共土地上的新油氣租賃。其中最深具野心的政策目標，是在2030年前分別保護30%的陸地、30%的沿海海洋，作為自然保留區。2019年美國《國家地理》雜誌報導，中國將以生態廊道區的概念設置大熊貓國家公園，其規模是美國黃石公園的3倍，橫跨不同省份，目前試點區總面積2.7萬平方公里，跨越四川、陝西、甘肅3省12市30縣，因為動物沒有省份的概念，只有隨著自然韻律遷徙移動的原始生存本能。 凱利·賈茲瓦克(Kelly Jazvac)。《塑料異構體》(Plastiglomerates)，2013。凱利·賈茲瓦克提供 雖然是大熊貓國家公園，這生態廊道保護的不只是熊貓，還有其他珍貴的野生動植物，像是雲豹和金絲猴等。一位台灣海洋科學家曾跟我說過，台灣大多數溪流，都早因為水泥攔沙壩的設置成為階梯式溪流，對我們來說是溯溪的好步道，但是魚如何在階梯式的河川水中游？他認為修補大自然最好的方式就是不要理它，讓自然自己療癒。 經濟發展和生態修復之間總是棘手的政治問題，「修復性設計」也許是人類一起作為損壞自然共犯的良心行為。  撰文」Chia-Ling Lee 

天蓋地的紅色毛線如血液織繫著輕舟、黑色則如同夜空包裹燒焦的鋼琴，這樣夢境一般的場景，是塩田千春最具代表性的系列作品。作為 25 年創作生涯最大型且全面性的展覽，本展由日本東京森美術館館長片岡真實（Mami Kataoka）策劃，展出超過 100 件雕塑、行為藝術錄像、攝影、素描、舞台設計及其相關圖稿等，2019 年在森美術館展出時，130 天內吸引超過 66 萬人參觀，藝術如何走出學院受到普羅大眾歡迎？一如展覽名稱「顫動的靈魂」，塩田千春的作品不僅給予觀眾直面靈魂的震撼，更象徵著藝術家看似纖細卻無限漫延的生命。 《去向何方？》。攝影」林冠名   此次移師台北市立美術館，樓高、動線、空間氛圍皆與森美術館不同，作品都是到現場研究完空間之後，思考觀眾的感受，再重新編製。策展人片岡真實亦說明，作品呈現依據空間會有所更改，如入口處的第一件作品《去向何方？》，一艘艘以白線細密纏繞的船懸吊半空中，緩緩向上航行，卻看不見最終目的地，藉此意味著現代人每日收到過多資訊，卻受其迷惑，反而不知道該去向何方。此作在森美術館安排於入口的電扶梯上方，利用燈光照明襯托，觀者從下方隨著白舟而上抵達展覽。但在北美館則安排在入口長廊處，觀者則是沿著白舟向前，兩側為大面落地窗，利用自然光與玻璃倒影襯托展品如夢似幻的氛圍。   提到塩田千春，多數人腦中會浮現的第一幅作品即是《不確定的旅程》，透過滿室的紅線彼此糾纏表現人與人之間錯綜複雜的關係狀態，映照出藝術家內心世界的一角。鐵製的船則來自塩田小時的回憶，每次回到位於高知的老家時，都必須坐一個晚上的船，船上那種搖晃、不安的感覺帶給她相當深的印象，如同渺小的人類處於浩瀚的宇宙中。 《不確定的旅程》。攝影」林冠名 塩田與紅線的緣分開始於2015年威尼斯雙年展的作品《手中的鑰匙》，她提到，日本與台灣對紅線都有相同的意象，便是牽起人們的緣分，除此之外，紅線也能代表血液、血管的顏色。除了紅色，塩田的作品中也常使用黑或白的線條，她將立體空間視為畫布，以作畫的概念創作，因此作品中常使用黑線描繪框線。而白色象徵純潔、從什麼都沒有的空間開始，卻也代表著結束、死亡，同時具有起始與結束的意含，成為她較常使用的色彩。   藝術中的死亡與重生 塩田千春將生命歷程完全袒露於展品中，展覽特別展出她的第一幅畫作─《蝶倚向日葵》，童稚的線條與色彩出自 5 歲的塩田，她描述彼時連自己的名字都不會寫，卻已經能繪畫，12 歲時便立志成為藝術家，一路學習、磨練技巧從未放棄藝術之夢，但進入京都精華大學美術學院就讀油畫科後，她卻開始徬徨，發覺自己不管怎麼畫都會有其他人的影子。 《成為畫》。攝影」林冠名 作品《無題》是她的最後一幅油畫作品，放棄畫筆後，某天晚上她做了一場夢，在夢中她成為一幅畫，不停思索著如何移動身體才能成為傑出的作品，醒後她將夢境場景化為行為藝術作品《成為畫》，以畫布包裹周身，並潑覆紅色瓷漆，瓷漆接觸皮膚不僅難以清洗，更會造成傷害，但對塩田而言，這是她首次將自身全部投入，真正地展現出她所欲表達的情感。此後她開始創作裝置與行為藝術，如第一件嘗試用線跳脫二維空間的創作《從 DNA 到 DNA 》，是她感到蛻變重生的轉捩點。展覽依時間順序將《蝶倚向日葵》、《無題》、《成為畫》與《從 DNA 到 DNA 》等 4 件作品並列，呈現出塩田千春藝術生涯的初始，死亡，與轉型的重生。   塩田的創作始終與生命經驗緊密扣合，探索諸如死亡、生命、記憶、界線、身分認同等普世都會有的疑問，呈現出糾結、纏鬥等難以表達的情緒。如《靜默中》便來自藝術家9 歲時的記憶，看見鄰居家因火災而燒黑毀壞的鋼琴，帶給她相當大的畫面震撼，20 年後將其化為作品，黑色的絲線由鋼琴中向外延伸，塩田以細線代表音樂，呈現出鋼琴彈奏的模樣。展牆上她寫下「有些事物深深沉入我的心底，有些則無論多麼努力嘗試，也難以物質或語言的形式捕捉其樣貌。但它們卻是沒有形體的存在，一如靈魂。」 《靜默中》。攝影」林冠名 1996 年塩田千春前往德國就學並遷居柏林，那時圍牆倒塌不久，整個柏林瀰漫著一股特別氛圍，分別 28 年的東西德各自有不同的文化，撞擊出新的想法與機會，吸引許多藝術家前往。她思索著這些擁有相同國籍、說著相同語言的居民，如何看待生活、看待彼此？她跑遍大大小小的工地，蒐集了被丟棄的舊窗戶，在作品《內與外》以象徵交流的窗戶建構出一道圍牆，反思柏林圍牆倒塌後城市中人事物的轉變。 《內與外》。攝影」林冠名   連結靈魂的細線 被策展人片岡真實形容是「沒有展出、不創作會活不下去的人」，在 2017 年收到森美術館辦展邀請時，塩田心想「活著真好！」老天卻在此時給予一個殘酷的考驗─她被診斷出癌症復發，歷經半年的治療後，塩田隨即投身於展覽準備之中。她描述治療的過程，人躺在病床上接受一個個不同的醫療儀器與療程，身體越來越健康，但靈魂卻感覺跟不上身體，身體彷彿不是自己的，她開始思考，當下的這些想法與情感，在肉體消失之後會去哪裡？本次展覽中的最新作品《外在化的身體》即呈現出藝術家的徬徨，以紅色網狀牛皮連結攤放的手腳青銅鑄模，藉此與身體對話，表達身心碎裂的束縛感，呈現出想要聯接靈魂與肢體的渴求。   在被診斷出罹患癌症後，塩田開始思考靈魂，因此展場動線的最後一個作品即選擇《關於靈魂》，在影片中她從寵物切入，一題題深入詢問這群德國孩童：「靈魂是什麼？靈魂在哪裡？是什麼顏色？動物是否有靈魂？人死後靈魂是否會消逝？」等問題。塩田分享，這件作品的創作動機來自她女兒，癌症復發時，女兒才大約 10 歲，身為母親，她非常擔心自己不在後女兒怎麼辦，孩子會怎麼理解死亡，她也很好奇跟女兒差不多時代的孩子們怎麼思考靈魂這件事情，因此才有了這個計畫，也透過影片召喚觀者一同思索存在的意義。 《外在化的身體》。攝影」歐陽青昀 劇場作品 除了視覺藝術創作，本次展覽更特別展出塩田千春為9部歌劇和戲劇表演擔任舞台設計的作品，展覽中分別以紀錄片、模型和手稿呈現其空間藝術與舞台設計間的關聯。塩田表示，舞台設計與藝術作品最大的差別在於觀眾的時間性，美術館不太會限制觀賞的時間與角度，但舞台有固定的表演時長，觀眾僅能坐在座位上欣賞，因此如何在種種框架內呈現視覺震撼及表演主軸，成為每次設計的重點之一。 在創作時，她會特別重視表演者與舞台的積極關係，如 2011 年創作歌劇《松風》舞台時，她以黑網在舞台上築起一件跨距達 14 米、高度 10 米的巨型裝置，舞者們可在網上交錯攀爬。此外，與藝術創作不同，舞台設計需要與整個團隊合作，需要多方配合、參考他人意見，塩田非常享受這種和眾人一起創作的感覺。 劇場設計展區。攝影」林冠名   本次疫情中佈展，也是一次團隊合作的精彩作品，塩田先與 7 位團隊人員來台隔離 14 天，同時間北美館事先完成展場隔間、硬體等施工，塩田團隊則以技術顧問性質指導台灣約 50 人的專業團隊佈展，如何將錯綜複雜的細線拉好、做出藝術家希望的效果，在時間與默契的培養下逐漸加快流程，花費約兩周的時間通力合作完成本次盛大展覽。策展人片岡真實提到，在疫情下，許多美術館都只能改以線上虛擬方式，但她認為實體美術館有其重要性，親身體驗、沉浸於藝術品空間中，會帶給人與照片完全不同的感想，希望本次的展覽能為觀眾帶來思考生命的契機。   塩田千春：顫動的靈魂 日期」2021 年 5 月 1 日至 10 月 17 日 地點」台北市立美術館 1A、1B 展覽室（台北市中山北路三段 181 號） 資料及圖片提供」台北市立美術館 撰文」林慧慈  

「塩田千春：顫動的靈魂」由日本東京森美術館（Mori Art Museum）館長片岡真實（Mami Kataoka）策劃，為國際知名藝術家塩田千春（Shiota Chiharu）創作生涯至今最大型且全面性的展覽，包含數件大型裝置，另有雕塑、行為藝術錄像、攝影、素描以及舞台設計及其相關圖稿等，邀請觀眾細細體驗藝術家 25 年來超過 100 件觸動人心的創作。 塩田千春《不確定的旅程》。攝影」林冠名 不在中的存在 塩田的作品以具現無形的回憶、焦慮、幻夢、寂靜而著稱，她探詢普世問題如身分認同、界線、與存在等，觸動觀者深層的情感，使來自世界各地的人皆為之著迷。本次展覽以她最為人所知，無數細線纏繞空間或物件的大型裝置為節點，企圖牽引觀者穿越無以名狀的雜緒念想，在她織羅出的維度中展開身心靈的旅程。 展覽由一艘艘懸吊半空中、以白線細密纏繞的船列所組成的《去向何方？》（Where are we going?, 2017/2021）揭開序幕，導引觀者踏上探索的路途；《不確定的旅程》（Uncertain Journey, 2016/2021）則以滿佈 300 平方公尺空間、糾纏交織的紅線表現人與人之間錯綜複雜的關係狀態，映照出藝術家內心世界；《靜默中》（In Silence, 2002/2021）來自於藝術家童年記憶中一場大火後棄置現場的焦黑鋼琴，千絲萬縷的黑線串起寂靜卻清晰的記憶與感受；《集聚─找尋目的地》（Accumulation—Searching for the Destination, 2014/2021），以紅線懸置空中、層疊遞進的大量行李箱，遙想人們懷抱著什麼生活想望而遠走他方？  塩田千春《去向何方？》。攝影」林冠名 此展覽可說是塩田長期藝術生涯所探索命題「不在中的存在」（presence in absence）之縮影，她不斷使那些不具物理存在，卻在在引動生命的事物和能量無所遁形，展覽副標「顫動的靈魂」即直指藝術家所希冀傳達，這份難以言喻卻洶湧的感受。塩田的作品與本質、普世概念的深刻連結，及其引發共鳴的特性，提供一股探問這個世界的重要力量，伴隨我們在生命旅程中找到自己的解答。   創作與生命經驗連結 展覽伊始呈現塩田一路走來的創作生涯，透過紀錄照片及影片，追溯她如何橫跨繪畫、行為與裝置藝術，進而發展成多方位的創作者。在澳洲大學作交換學生期間，她首次用身體投入行為表演創作《成為畫》（Becoming Painting, 1994），用畫布裹住身體並淋上紅色的瓷漆，自講究技巧的窠臼中獲得解放。行為藝術／裝置作品《從DNA到DNA》（From DNA to DNA, 1994）是她首度用線嘗試跳脫二維空間的創作，則為使她感到蛻變重生的轉捩點。 塩田千春《集聚—找尋目的地》。攝影」林冠名 塩田前往德國學習後，進一步嘗試身體表演的多種表現形式，行為藝術表演《嘗試．回家》（Try and Go Home, 1997）中，她赤身爬上斜坡面掘出的洞穴，滾落再爬上去，同時懷想遠方的故鄉，將無法回家的困境與自身不確定的存在，投射到作品中；《浴室》（Bathroom, 1999）是她第一件採用錄像呈現的行為藝術作品，藉由浴缸中滿是污泥的身體，表達「即便清洗也無法抹去的皮膚記憶」。 塩田的藝術實踐始終與其自身生命經驗緊密扣合，捕捉身體感知與心理狀態的隱微牽動，以其細膩感性的體察遊走於創作媒材的邊界。移居德國第三年，她以「皮膚」作為自我身分認同的象徵，而後在部分作品中她將衣物比擬為第二層皮膚，如本次展出的《時空的反射》（Reflection of Space and Time, 2018），以密密麻麻的黑線將白色洋裝與其鏡中的反射重重包覆；《內與外》（Inside Outside, 2008/2021）則以建築工地拾得的廢棄窗戶堆疊出一道牆，反思柏林圍牆倒塌後城市中人事物的轉變，同時呼應她將牆、門窗視為第三層皮膚的隱喻。 塩田千春《內與外》。攝影」林冠名 當塩田在 2017 年著手準備本展首站時得知癌症復發，此期間更加關注靈魂與身體、生與死的命題。《外在化的身體》（Out of My Body, 2019/2021）以紅色網狀牛皮連結攤放的手腳青銅鑄模，藉此與身體對話，表達身心碎裂的束縛感。錄像作品《關於靈魂》（About the Soul, 2019）中，藝術家詢問一群德國學童：「靈魂是什麼？靈魂在哪裡？是什麼顏色？動物是否有靈魂？人死後靈魂是否會消逝？」等問題，召喚我們思索存在的奧義。 除了視覺藝術創作，塩田亦跨界表演藝術，陸續為 9 部歌劇和戲劇表演擔任舞台設計，展覽中分別以紀錄片、模型和手稿呈現其空間藝術與舞台設計間的關聯。對她來說，舞台空間與展示作品的美術館是截然不同的語境框架，她特別重視表演者與舞台上裝置彼此的積極關係，例如，2011 年在布魯塞爾皇家鑄幣局劇院推出歌劇《松風》首演，她用黑網在舞台上築起一件跨距達 14 米，高度 10 米的巨型裝置，舞者們在網上或橫或縱地交錯攀爬。這類舞台設計作品匯聚了導演、表演者、編舞家的多重觀點，為其創作注入更多可能性。   藝術家簡介   塩田成長於大阪府岸和田市，現居柏林。於京都精華大學美術學院就學期間主修油畫，並於雕塑系擔任村岡三郎（Muraoka Saburo，1928-2013）的助手，期間以交換學生身分前往澳洲國立大學藝術學院（Australian National University School of Art）就讀時，開始創作裝置與行為藝術。受到波蘭纖維藝術家瑪格達蓮娜．阿巴卡諾維奇（Magdalena Abakanowicz，1930-2017）啟發，塩田在 1996 年前往歐洲發展，並先後師從行為藝術先驅瑪莉娜．阿布拉莫維奇（Marina Abramovic，1946-），以及德國藝術家瑞貝卡．霍恩（Rebecca Horn，1944-）。此後，塩田活躍於各大美術館及畫廊，也參與許多國際展覽如雪梨雙年展（2016）、基輔雙年展（2012）和橫濱三年展（2001）等，更是 2015 年第 56 屆威尼斯雙年展日本館的代表藝術家，至今總共參與了 300 場以上的展演活動。    塩田千春：顫動的靈魂 時間」2021 年 5 月 1 日至 8 月 29 日 地點」台北市立美術館 1A、1B 展間 資料及圖片提供」台北市立美術館

作為一座引領大眾探索城市、思考如何邁向未來的美術館，忠泰美術館在這個全球疫情蔓延的當下，推出最新當代藝術展《殘山剩水—我們的城市失敗了嗎？》（Broken Landscapes: Have Our Cities Failed?），由胡氏藝術執行長－胡朝聖擔任策展人，邀請台灣、德國、韓國、加拿大及日本等國，包括石孟鑫、吳燦政、何孟娟、安德列亞．格爾斯基（Andreas Gursky）、徐道獲（Suh Do-Ho）、袁廣鳴、陳界仁、張立人、賈茜茹、廖建忠、利安．摩根（Liam Morgan）、豬股亞希（Aki Inomata）共12位藝術家，從五個子題回應疫情時代下，因國際地緣政治、經濟對抗、族群衝突、氣候變遷下的城市樣態。《室內》雜誌亦專訪胡朝聖老師，與讀者分享他的策展概念，以及想藉由展覽傳遞的訊息。 胡朝聖 輔仁大學大眾傳播系廣播電視組畢業，1998年於紐約流行設計學院（Fashion Institute of Technology）獲藝術管理碩士。曾任富邦藝術基金會策展人、台灣視覺藝術協會理事長、臺灣藝術大學兼任講師，現為忠泰建築文化藝術基金會榮譽董事、台灣視覺藝術協會顧問、台北市政府市政顧問、VT Artsalon非常廟藝文空間共同創辦人、双方藝廊策展人、胡氏藝術公司執行長，以及2018、2019年臺北白晝之夜藝術總監。 在2007年至2008年間，胡朝聖策劃了一檔名為「魔幻山水」的展覽，擷取中國明朝末年國祚衰退混亂時，藝術家利用創作體現對國家的關懷與憂心的精神，他們以山水畫的方式描繪出對烏托邦世界的想像，但畫中卻內含了諸多光怪陸離的現象；胡朝聖以此展對應台灣當時的山水畫走向，已非古代大山大景，而是有些許魔幻氛圍，除傳統水墨外，更延伸出油畫、針筆、粉彩等媒材。 2012年，他又策劃了「虛山幻水」一展，以科技藝術結合建築空間為主軸，強調山水畫的虛擬性和精神性，胡朝聖思考到，若山水是古代文人與知識分子對理想生活情境的投射，那他作為一位專業策展人，又該如何看待自己所生活的城市和土地？「城市」作為政治、經濟和文化的相遇之所，是一個多重的敘述之地，在彰顯主流價值的同時，卻也同樣壓抑著其他相異群體的都市體驗和生活現實，尤其在全球化資本主義的浪潮下，城市必須不斷被開發，進行利益價值的交換，導致我們的山水土地變得殘破不堪，因此，「殘山剩水」一展的雛形遂於他內心成形。 位在美術館1樓的張立人《戰鬥之城第一部：臺灣之光（模型）》。展出的模型僅為實際成品的1/9。©忠泰美術館 2020年，忠泰美術館邀請胡朝聖策劃一檔城市相關的展覽，他認為當代藝術探討的即是如何回應世界的環境，近期最直接且劇烈的現況，就是COVID-19新冠疫情，這段期間許多城市基本上都失能了，病毒讓大都市面臨封城、失業、人類大量死亡的困境，彷彿是一座一座的孤島。人類的予取予求，讓地球資源和其他物種面臨生存挑戰，掌權者或所謂的「上流人士」握有政治、經濟等資源，其一舉一動牽動著每個城市的發展，也深刻影響著人權和文化，有鑑於此，胡朝聖分別從「消失以及不可見的存在」、「破壞與重生的極致風景」、「囚禁所和寄生之處」、「他者戰場」、「明日預言的應許之地」等5個子題探討人與城市的未來可能性，透過藝術家的現地製作裝置、情境互動設計、錄像與攝影紀錄創作等多元詮釋，藉由提問打破現代性進程裡的樂觀主義，思考城市在這個高速發展的時代中所面臨的複雜處境。    石孟鑫的現地創作。他在城市角落尋找廢棄、邊陲的物件，試圖讓這些城市中的碎片成為此次作品的主體。©忠泰美術館 從現實裡反思 在「消失以及不可見的存在」中，藝術家吳燦政的《漫遊者004》透過記錄台灣的環境聲，召喚城市記憶的日常聲景，利用梯廳場域擴大觀者視聽體驗；而石孟鑫的作品《T》則巧妙運用館內樓梯下方的傾斜壁面，以熟悉的工業化現成物，測量樓梯下方畸零且壓迫的空間，呈現城市中的可見與不可見。建設與破壞被視為一體兩面的關係，都市景觀如同影像般快速幻化，「破壞與重生的極致風景」特別邀請到3件第一次在台灣亮相的國外藝術家作品，被譽為宏觀敘述者的德國攝影藝術家Andreas Gursky鏡頭下的《東京》和記錄英國羅賓漢花園社區都更前最後景象的韓國藝術家徐道獲的《羅賓漢花園，伍爾莫爾街，倫敦E14 0HG》，在在說明著在全球化與都市化下，城市空間必須不斷被破壞及重生的命運；加拿大藝術家Liam Morgan的《紀念碑》以未經許可的游擊快閃式紅色燈光，投射在曼谷曾代表權力奢華的廢棄大樓，突顯出資本與權力共謀下的時代證據。 忠泰美術館2樓展間（畫面中左為徐道獲、右為豬股亞希作品）。©忠泰美術館 而廖建忠為本展量身訂做的《離群物》與《3／2》，則是透過擬真手法，打造出美術館2樓展場通往3樓虛空的樓梯等偽日常物件，暗喻失能建物為城市帶來的傷疤，胡朝聖表示，他個人十分喜愛廖建忠的創作，藝術家擅以唯妙唯肖的裝置作品，點出隱於背後的巨大問題，例如《離群物》是以高密度泡棉製作的仿真電線與分享器，暗示著城市景致被切分得肚破腸流的一面，十分貼近空間調性和展覽主軸。藝術就像是精華液，將許多值得探討的話題濃縮並解構，再以視覺的方式呈現出來，觀看時或許無法馬上與作品產生連結，但只要深入了解後，就能和作品敲擊出更多火花，如同滾雪球般，讓深層的議題被釋放而出，造就更多的討論機會。  廖建忠作品《3／2》透過擬真手法打造一座通往上層的階梯，愈往上空間愈顯狹窄，隱喻失能建築對城市帶來的影響。©忠泰美術館 戰爭、環境變遷所引發的流離，為這個世界製造了更多弱勢階級與衍生而出的居住問題，城市亦有可能成為囚禁之所，「囚禁所和寄生之處」的子題中，日本藝術家豬股亞希《為何不給寄居蟹一個避風港呢？》系列作品以不同的城市樣貌替寄居蟹訂製透明之殼，隱喻著被迫流離失所的移民和難民問題；何孟娟的《魏斯貝絲計畫》闡述有關居住正義的課題，以影像紀錄紐約魏斯貝絲藝術家公寓裡的人事物來回應，展場中設置輪椅，邀請觀眾體驗中老年藝術家的視角。 利安．摩根的《紀念碑》。現被稱為鬼塔的沙吞獨特大樓（Sathorn Unique），曾是泰國的豪華象徵，藝術家藉由此失敗的奇景，思量權力失速的本質和謬誤。©忠泰美術館 「他者戰場」中則探討資本劃分的城市逐漸成為階級的競技場，陳界仁的《中空之地》試圖讓觀者反思人們在權力、監控宰制下的生存狀態；張立人的《戰鬥之城第一部：臺灣之光》以虛構的動畫和模型城市，演繹社會追求成功與優越的欲望投射，展現具台灣視野與特殊性的微型政治學。最後，「明日預言的應許之地」說明著人類經歷種種天災人禍後，必須重新適應新的空間密度、距離感受、人際關係等，賈茜茹的《物品命名計畫》透過提取日常物件，與觀眾交換影像和名字，將現成物件轉換為另一種展示方式；袁廣鳴的《日常演習》以俯瞰的空拍鏡頭拍攝台北萬安演習當日空無一人的城市街頭，暗示著戰爭威脅的日常化，企圖使觀眾省思人類與城市的未來，到底有哪些可能性。   德國攝影藝術家Andreas Gursky透過不斷搭乘從東京出發的列車，捕捉快速經過的城市景象。©忠泰美術館 在迷宮裡找尋自身解答 胡朝聖表示，策展是一個滾動式的行為，策展人都有一本「神秘本子」，記載許多靈感、或是可合作的對象。展覽前期他欲邀請的藝術家其實多達二三十位，但在過程中必須不停的聚焦濃縮，來回思考如何在有限的空間佈局中，使展覽面向更為多元豐富，針對本次展品安排與動線規劃，他解釋道，希望為觀者創造一種「殘破的迷宮感」，這種殘破並非指作品跟展場雜亂無章，而是企圖打破既定的身體感，讓大家穿梭於內外之景之餘，也能觸發對未來生活的思考和想像。   談及理想中的城市樣貌，胡朝聖笑說他喜愛擁有況味的老城鎮勝過高樓大廈，甚至希望可以減少馬路比例，放寬行人活動的空間，擁有完善的大眾交通系統，且大量種植樹木，讓人類跟自然環境可以和諧共生，生活盡量簡單，降低物質消費的欲望，這是他心中渴望的烏托邦。每個人心中都有期待的美好社會，胡朝聖透過這次的展覽，用創造力和藝術性表述目前世界遭遇的困境，城市的成敗與否，反映著人類文明的未來可能，這全端看我們的所作所為，也因此，若大家願意反觀自照，從自身做起，相信我們的城市會從殘山剩水走向青山碧水，成為更適宜居住的環境。 殘山剩水—我們的城市失敗了嗎？ 日期」即日起至2021年4月18日 地點」忠泰美術館（台北市大安區市民大道三段178號） 資料及圖片提供」忠泰美術館、參展藝術家 採訪」陳映蓁

誠品畫廊自 2010 年與藝術家陳道明開始合作，分別在 2012、2015 以及 2017 年皆舉辦過陳道明的個展，睽違三年的時間，誠品畫廊再次於 2020 年 12 月 25 日至 2021 年 1 月 23 日舉行「抽象藝術的先鋒者—陳道明個展」。陳道明是東方畫會的創辦人之一，一生致力於藝術創作，更被蕭勤肯定為台灣第一位抽象派畫家，此次展覽以陳道明最廣為人知的晚期作品作為開端，一共挑選 21 幅 2000 年後的創作作為系列個展的起點。 誠品畫廊表示，此系列個展預計共會有三次的展覽，希望帶領觀眾回溯藝術家的創作生命，第一個展覽將從終點往回走，透過不同階段創作的展示，讓觀眾認識藝術家的創作歷程。《室內》特別專訪誠品畫廊總監趙琍女士以及陳道明的兒子設計師陳連武帶看展覽亮點，暢談陳道明的藝術精神如何落實於空間美學。 陳連武 城市室內裝修有限公司設計總監 出生藝術世家，父親為東方畫會創始人之一陳道明先生。畢業於台北淡江大學建築系，並以第一名的成績保送研究所。後赴美國紐約一年進修經歷，養成其獨樹一格的設計風貌。為得獎經歷涵括全球四大設計獎（德國 iF 設計獎、德國 red dot 紅點設計大獎、日本 G-mark Good Design Award、美國 IDEA 傑出工業設計獎）的台灣室內設計師。  趙琍 誠品畫廊執行總監 於1980年代投入畫廊業，在累積逾40年之專業經歷期間，致力經營華人現、當代藝術之優秀創作者，並以卓越前瞻的眼光發掘和推廣海內外傑出華人藝術家，包括蔡國強、徐冰、劉小東、展望、蘇旺伸、林明弘、黃海昌、謝素梅，以及年輕藝術家如陸亮、賴志盛、林彥瑋等，均具備豐富的國際展覽經歷並為其建立了廣泛的收藏族群。   與藝術家的緣分 誠品畫廊與陳道明的合作其實源於兒子陳連武的積極促成，陳連武認為父親的畫作應該被更多人看見，在多次拜訪誠品畫廊總監趙琍女士後，誠品也成為唯一代理陳道明作品的畫廊。在2012 年舉辦的第一次個展中，陳道明曾和兒子說：「我的畫作有一種回到家的感覺。」這句話讓陳連武至今仍印象深刻，覺得身為兒子的他為父親作了一件對的事情。 陳道明在 2017 年離開人世，此次的展覽不同於以往，不是與藝術家本人接洽，而是透過他的兒子陳連武聯繫，陳連武說：「與誠品多年的合作中，他看到誠品對藝術家的尊重，不會以商業角度侷限藝術創作。」所以對於展覽的規劃安排他十分信任總監趙琍，在導覽的過程中，他也再次感受到誠品的用心，不管是畫作的選擇、順序與動線的安排、場地的設計到畫作的擺設等，也讓他再次透過不一樣的角度重新細細品味父親的畫作。   展覽的梳理 陳道明的作品大多都是無題，而展覽的第一幅作品選擇了少數有命題的畫作〈土地公 土地婆〉。總監趙琍表示，這幅畫作與其他 20 幅畫作除了相異之外，更存在一種矛盾感，也是唯一一個有人在內的具象代表，同時畫作的名稱意外的讓人覺得有種安定的感覺，所以初期討論時就決定將其作為入口的首幅展示，作為開端同時引導觀眾的動線。而展覽的壓軸作品〈201631〉更是展覽的一大亮點，因為畫廊空間不像一般的美術館，樓高、尺度都較微侷限，為了讓畫作之間不互相影響，所以有些畫作需要單獨擺放，〈201631〉就是如此。 〈201631〉是陳道明生命階段倒數的創作作品，從畫作中可以看到其對自我內在追尋與探討所寫下的結語，自幼學習水墨畫、油畫、到後期西方抽象繪畫，作品表現出陳道明一生的創作能量，具有十足的視覺張力，所以規劃在展覽最後的空間中，同時跳脫畫廊白盒子的概念，為〈201631〉量身打造展示間， 背景透過與作品相呼應的綠，並在前方擺放了一張長椅，讓人們轉折進入空間、心境沉澱後，與畫作做進一步的交流、對話。   而陳連武身為室內設計師，向來積極落實空間藝術化，不同於大多設計師，陳連武在進入設計階段前就會先挑選好畫作，許多業主也因為他的推薦而首次踏入畫廊。因成長背景的養成，陳連武深受父親的影響，對於藝術品的認知更為嚴謹、尊重，他認為，藝術品不該作為空間的附屬品，不該被當成裝飾、擺飾品，不能有著隨時要替換的想法，所以在他的案子中看不到吊畫軌道以及吊掛線的設置，他強調，設計師對於藝術品價值的定義，會進而影響設計的高度，所以當決定擺放的畫作後，才會開始討論牆面的顏色、材質，畫作前方的擺設以及動線等，均不能影響藝術品本身。 總監趙琍也十分認同陳連武的設計觀念，她談到，裝修設計會隨時代的演變過時，且可以持續更換，但藝術品卻是永恆的，藉由藝術品去延伸空間設計，可以讓藝術品更有意義。陳連武更進一步指出，燈光也是藝術品與空間重要的橋樑，透過均勻照明打量主體，再以局部重點光突顯，避免燈飾形成的陰影影響畫作，讓畫作如同在畫廊展示般，在室內空間中成為和諧且亮眼的存在。   觀眾常為陳道明在色彩和技巧間的掌控度感到懾服，沈溺在其韻味之中。但對陳道明而言，他的重點在於創作的過程，他曾說：「作品的意義是心靈意識活動的一種記錄，原則上是抽象的，我在表達內在生命意象的過程中，盡量不受任何干擾，以求達到沒有結論又有結論的境界，美的醜的，本身即是獨立完整的生命，我只不過用我的語言把感覺訴諸畫面而已。」這也是陳道明在創作晚期一直堅持的理念。2020「抽象藝術的先鋒者—陳道明個展」透過誠品畫廊的重新梳理，將帶領觀眾再次品味藝術家陳道明的創作能量。   展覽資訊 抽象藝術的先鋒者——陳道明個展 日期」2020 年 12 月 25 日至 2021 年 1 月 23 日 地點」誠品畫廊｜台北市信義區菸廠路 88 號 B1（誠品生活松菸店） 開放時間」週二至週六 11:00-19:00（週日、週一休館） 資料及圖片提供」誠品畫廊  採訪」歐陽青昀

由瑪黑家居獨家代理，來自德國的 Paper＆Tea 柏林選茶（P&T），與有最美藥局之譽的台中分子藥局，合作策劃 「P&T Teaology ：What's in your cup ?  這批比較純 有機茶特展」，以 Teaology 為主題，透過五感巡遊，以視覺畫面、故事、觸摸、嗅聞茶香和品飲茶品，將世界最原始的茶風貌和有機茶的檢驗準則，帶進我們的日常生活中。在後疫情時代，我們都需要純一點的，幫我們延長生活中的戰鬥力！  Paper and Tea 發跡於德國柏林，由一生都在喝茶、被歐洲媒體稱為「茶大師」的 Jens De Gruyter 創立，在經營茶事業的叔叔影響下， Jens 自小就是個茶的狂熱者，更透過旅行，踏遍多個擁有悠久茶歷史的亞洲國家。 ​在一步一行的味蕾旅行中，行經日本京都、南非開普敦、喜馬拉雅山、肯亞、斯里蘭卡、巴拉圭等地，透過各地最原始最美麗的茶葉採集，摘取下茶飲的迷人優雅之處。更在 P&T 將獨特的茶文化結合藝術外觀，以充滿視覺衝擊的感官印象，延續每一款茶令人驚豔的個性風韻。   以紙為界 邀請觀者茶的感知世界 拆解品牌名稱 Paper & Tea ，即為「紙」&「茶」，這兩者不僅皆源自千年前的中國，亦是推演人類文明發展重要的媒介，策展特別選用大量紙材作為觀展介面，並選擇與分子藥局合作，有別於一般藥局冷硬制式的刻板印象，呼應以感性美學為訴求的空間設計，展覽特別以文藏館的設計寓意氛圍呈現，在分子藥局 2 樓規劃主題展區。 茶色幻燈片 展區以「純」為概念，「Teaology」為軸心，透過輕鬆的文字輔助說明，與體驗式互動佈展巧思，鼓勵觀展者自在隨性地探索每一個角落，引領感官進入茶理性和感性並存的感知世界。   走進分子藥局，沿著旋轉樓梯上至 2 樓，展區分為「品牌介紹：純有機」、「包裝設計：茶的故事」、「純草本、純滋味 」和「茶的分子方程式」4 個區域，從每年台灣人均茶飲飲用量和進口茶葉現況、世界有機認證準則，介紹到世界潮流的調和茶及草本茶。從「 觀 」茶的理性面，與我們一起舒展五感、慢慢沈浸於茶的感性面。 分子藥局 2 樓主題展區空間 四大展區介紹 ▸品牌介紹、純有機 由品牌logo設計為靈感始源，利用摺紙和鑲嵌設計，打造出純白的結構紙磚牆面，透過牆面上的圖文，逐一陳述 P&T 柏林選茶創辦人親自走訪世界各地莊園小農的茶旅故事。 另一側，長條掛軸則分享 P&T 在有機製茶的歷程，掛軸前一落落宛如檔案櫃的紙盒，內部分別收藏著茶葉樣貌與茶色的幻燈片，觀展者可以親自開箱檢視 P&T 通過歐盟和台灣兩地有機認證，對茶最嚴格的檢驗和品質要求。 ▸茶的故事：包裝設計 相較前一個主題展區的簡約，此區則展現 P&T 源自柏林自由、個性的設計血液，繽紛的立體紙磚堆砌成的彩牆，是來自茶罐上的包裝用色， P&T 調製每一款茶的背後，都有一個想像故事，以對某一段文化來表達敬意 ; 而茶罐設計融入柏林藝術靈魂與玩味態度，以幾何與光影為靈感，搭配復古插畫與色彩，描繪出每款茶葉的風格故事，在此，你可以翻讀、沈浸在茶的故事中。 ▸純滋味、純草本 方格層架上展示了 20 多款 P&T 的調和茶與草本茶，層架由上而下，分別展示每一款茶的包裝和其茶葉樣貌，向下，則配置相對應的茶盤，茶盤上承載了每款茶的調配、靈感故事、風味特徵，並展示盛裝茶葉的透明玻璃皿，你可以自由抽取茶盤、讀取與嗅聞茶香，發掘最合你的「味」的茶款。最後，各式現代沖茶和飲茶器具的陳列，鼓勵大家以最愜意的方式喝好茶。此外，你會發現，層架擺放的裝飾紙箱上，還貼著遠自柏林飄洋過海來的郵遞資訊，為展覽增添趣味。   ▸ 茶的分子方程式 製茶是理性的學問，但浸泡出感性茶飲情緒。撫緩情緒的茶氨酸，與提振精神的咖啡因，看似對立的兩種物質，在一杯茶中又能完美協調共存，讓我們以科學佐證、直覺感知輔助，解構茶的分子結構並透過茶色記憶瓶，說明茶何以令人如此著迷、上癮。 展覽資訊  P＆T 柏林選茶  Teaology : What’s in your cup ? 這批比較純  有機茶特展 時間」即日起至 2021 年 1 月 6日 (三） 地點」Molecure Pharmacy 分子藥局（台中市西屯區惠來路二段236-1號）   資料及圖片提供」P&T 柏林選茶 編輯」林慧慈