忠泰美術館日前推出全新當代藝術展——《在混沌的世界中建立一點序曲　姚仲涵》。美術館邀請新媒體藝術家姚仲涵攜手劇場獨立製作人吳季娟，以長期且緊密的對話展開跨領域共創，呈現姚仲涵不為人知的感性與故事性交織的創作新面向；作品亦邀請影像創作者、表演藝術家參與其中，延續姚仲涵聲光裝置的特色，帶來五件全新創作，將忠泰美術館空間化為一座充滿裝置、聲音、光影與影像的「混沌世界」。展期至2025年6月29日。 展覽主視覺。©忠泰美術館   跨域實驗性展覽 本展邀請了兩位無法被定義的「創作者」——姚仲涵與吳季娟展開長期對話交流與合作，兩人透過不斷提問、假設、拆解與重組，最終以共創形式顛覆大眾對跨界合作的既定認知。展覽中雖未直接呈現兩人合作過程的具體痕跡，但吳季娟計畫協作一角，其實隱身於具象作品背後的起點和過程，推動創作思維的碰撞與發展，讓姚仲涵的創作得以不斷打破界線，帶來新的可能性。 計畫協作吳季娟、藝術家姚仲涵。©忠泰美術館   姚仲涵與吳季娟以「混沌」與「序曲」為核心概念，探討人類在混沌與秩序間的生存之道，兩人由此衍生創作五件作品，而本展亦為一場由各方創作者共同開展的關於合作、誤差與理解的實驗，邀請大聲光電、影像創作者黃偉軒、表演藝術家卓楷程等共同參與，其中，姚仲涵透過作品試圖回應聲光創作中的抽象性，以及對於身體感缺失的思考。 《在混沌的世界中建立一點序曲　姚仲涵》一樓大廳。©忠泰美術館   一樓夾層展出創作過程。©忠泰美術館 探索混沌與秩序的交錯共存 姚仲涵首次嘗試以噴氣管與空壓機作為媒材，推出新作〈漸強、漸弱與打氣〉。作品擬人化地隱喻人生際遇的起伏變化，彈簧的擺動象徵混沌，而隱藏於作品背後的電子裝置設定，則規律運作，構築出秩序的框架。 裝置作品〈漸強、漸弱與打氣〉。©忠泰美術館 〈感覺噪音〉多頻道錄像作品中，則首次透過擊鼓介入創作，採集外部混沌的環境噪音，加入自身對於噪音的感知，轉化為具身體感與秩序性的聲響作品。展場中，大型喇叭播放藝術家創作時聽到的聲音，兩側電視螢幕則呈現車外收音的環境噪音；影像取景貼近日常，涵蓋藝術家在台灣與日本的生活圈及周邊街區，構築個人體驗與城市聲景交織的感知場域。 多頻道錄像作品〈感覺噪音〉。©忠泰美術館    另外，也首次挑戰故事文本創作，與影像創作者黃偉軒合作，完成首支影像作品〈光電獸宇宙 - 未來〉，藉由科幻末日題材構築《光電獸》系列作品的世界觀。故事述說著2525年太陽瀕臨死亡，地球面臨「缺光症」危機，人類最終透過啟動光電獸對抗黑暗；以全新敘事視角串聯過往創作，回應聲光藝術的抽象性，同時開啟影像語言的實驗探索。 影像作品〈光電獸宇宙 - 未來〉。©忠泰美術館   姚仲涵為人熟知的《光電獸》系列過往多在開放空間展出，聚焦於光源的流動。本展全新大型裝置〈光電獸#41 - 混沌〉則於室內空間呈現，藉由與忠泰美術館空間的對話，量身打造獨特的感知體驗。在此環境中，聲響更具包覆感，作品以影子為核心，延續對光影與聲響流動關係的探索，透過鋁管長度的秩序變化與光影交錯閃爍，深化光與影的對話與敘事可能。 大型裝置〈光電獸#41 - 混沌〉。©忠泰美術館   忠泰美術館期望邀請觀眾進入這個失序、隨機且開放的空間，感受創作者們共譜的序曲，並在混沌中找尋引領前行的節奏線索。      資料及圖片提供」忠泰美術館 編輯」陳映蓁

「奧夫塞計畫Off-Site Project」為忠泰美術館2016年開館即啟動的長期藝術實踐計畫，邀請不同領域的創作者離開美術館既定的場域創作，於非典型的展演現場突破空間和制度的侷限，向外發散能量。2025年奧夫塞計畫推出《平田晃久建築展─物我交織的臨界》，是繼2019年《人間自然─平田晃久個展》後，建築師睽違六年再度來台展出。 《平田晃久建築展─物我交織的臨界》展覽主視覺。©忠泰美術館   平田晃久（Akihisa Hirata）作為日本中生代建築師代表人物之一，亦在台灣設計了不少作品，本次他帶來兩個核心建築概念「纏繞」與「迴響」，透過近40件珍貴草稿和模型，深入分享近年創作，同時展現其理論的延續和突破，呈現平田晃久對人類與自然融合的哲思，並從身體感知延伸至時空，探索建築的可能性。展期至2025年3月30日止，於NOKE忠泰樂生活三樓Uncanny免費參觀。   謙遜包容 萬物交織 平田晃久師承伊東豊雄，作品融合了人類與自然的哲學思考，兼具論述和創新設計的實力。忠泰美術館總監黃姍姍說道，爬梳平田晃久的創作軌跡，可以發現他並不滿足於現有的成就，而是不斷地在進化與前進，本次個展即為展示他現階段最新的想法和成果，期待提供觀者透過全新視角見證建築師的成長歷程。 展覽於NOKE忠泰樂生活三樓Uncanny展出。大階梯空間演繹「纏繞」主題。©忠泰美術館   平田晃久熱愛昆蟲，他曾說過：「人，在身而為人之前是一種動物、一種生物，同時人類也像是讓地表發酵的微生物般的存在。」他的設計一直都離不開人這樣的角色，因此，本次展覽以《物我交織的臨界》為題，探討在不斷轉變的人類生活與價值觀中，建築該如何回應未來的需求。平田晃久以最初的核心概念「纏繞的相容性」，將建築視為一個生態系統，成為人類與自然共生的有機場域；近年更發展出「迴響」概念，進一步探究人類的意識、感知、時空等非肉眼可見的物質，匯聚過去、現在與未來思想的連結與共鳴，試圖探索未來建築的可能性。 「迴響」主題展場照。©忠泰美術館   黃姍姍補充分享，本展雖然作為練馬區立美術館的巡迴展，但整體空間氛圍及作品配置，皆為平田晃久及其團隊特別量身打造，除了精彩的模型外，亦同步展出諸多平田的手繪原稿。   主題一：〈纏繞的相容性—身體的交織臨界〉 主題一中透過多個關鍵字展現其理念。「無法一眼望穿的空間」相連卻又未知的模糊邊界呼應現代人際關係；「皺褶」模擬如煙霧、珊瑚礁等能自我增生的自然幾何學原理，增加空間使用面積；「線條」如同樹枝化為鳥兒築巢之地，創造出綠意交纏的空間；「樹木」作為建築理想型態，成為萬物共生的據點；以及「發酵」讓人與建築、城市自然相融。本區展示了平田晃久的東京作品《Tree-ness House》，結合住宅跟藝廊，由方盒、皺褶、植栽組成宛如樹木般的型態，融合庭園與街道，共構一個立體的三度空間；位於台北的12層集合住宅《富富話合》同樣將自然引入都市，透過建築退縮的手法，替每戶打造寬敞陽台，並以屋簷及植栽調節陽光。 Tree-ness House。©Vincent HECHT   富富話合。©忠泰美術館 主題二：〈迴響—意識的交織臨界〉 植物藉由揮發物質，以類似香氣或聲音的感知進行溝通，平田晃久稱此為「迴響」。建築作為人類需求的產物，匯集了無數人的想法，形成潛在的連結與共鳴，這樣的行為也影響著當代建築的創作。例如，在設計《太田市美術館圖書館》的過程中，平田晃久多次舉辦工作坊，積極聽取市民跟相關人士的意見，將集體思考與回饋反覆融合，打造一個充滿集體意識的「迴響」空間，成為市民匯聚的文化據點。 太田市美術館圖書館。©Daici Ano 目前在台灣進行中的新作《國立臺灣大學百歲紀念館》，規劃包括博物館、多功能展演廳等多元機能，導入「Fragment」（斷片）元素，試圖在變化多端的展示空間和活動中激發互動，結合人類思維與AI人工智慧的形式，對「Fragment」型態進行研究，使其成為啟發各類展示與活動的催化劑。 國立臺灣大學百歲紀念館。©忠泰美術館   主題三：〈迴響之迴響—時空的交織臨界〉 平田進一步思考建築與不同時空的迴響如何對話。他認為，建築是跨越時空與意識的任意門，除了回應當代生活需求，同時能保留、傳承過去的記憶與感受。2024年開幕的東京原宿新地標《HARAKADO》以編織意象打造建築立面，以立體玻璃帷幕映照表參道街道櫸木、天空與神宮之森的自然綠意，亦呈現新建築和街區歷史共存的城市面貌。 HARAKADO。©KENYA CHIBA 《EXPO National Day Hall “Ray Garden”》則為2025年大阪世界博覽會設計，數道帶狀樓板依照關西地形的皺褶方向及展場的盛行風向構成，結合光線、風與綠意，展現地球作為生命體的活動特徵。 EXPO National Day Hall “Ray Garden”。 ©忠泰美術館     平田晃久© Marc Goodwin, Archmospheres 1971年出生於大阪府。平田晃久建築設計事務所代表，京都大學大學院工學研究科建築學專攻教授。畢業於京都大學工學部建築學科，同大學大學院工學研究科修了。畢業後進入伊東豊雄建築設計事務所。2005年起自立開業，設立平田晃久建築設計事務所。     資料及圖片提供」忠泰美術館 撰文」陳映蓁

《未央．夜》邀請八位藝術家匯集於TKG+ Projects，通過水彩、素描、油畫、雕塑、攝影、藝術裝置等形形色色的手法與媒材，傾訴他們對入夜後的世界的觀察和哲思。   TKG+於2009年成立，初以台灣當代錄像藝術為主要路線，切入媒體時代，致力於拓展影像在藝術領域的思考範疇，隨著畫廊經營的時間軌跡，TKG+進一步在畫廊以藝術家創作為核心、展覽為主體的運作基礎上，延伸藝術經濟體系。負責人暨藝術總監吳悅宇期望透過這座藝術空間回應時代變化，讓藝術與社會接軌，將藝術落實於生活。   夜晚或許是有些人在經歷一天繁忙後難得的休憩和自由時間，也或許有人的忙碌才剛剛開始， 在《未央．夜》中，可見藝術家如何詮釋這段時光：「王雅慧——一首詩」、「王慶蘋——冥冥中的彩排」、「周楷倫——隱市」、「邱承宏—— 夜與靈魂」、「洪郁雯—— 載夢」、「陳妍伶——窺探」、「智海——鹵素：明珠」、「劉致宏—— 迷湯」，八位藝術家的作品在展場中拼貼這段與白日相對的幽微幻夢，喚起觀者的無盡想像。     展覽作品   王雅慧《一首詩》   王雅慧的創作取材自生活經驗，將攤開的詩集置於桌上，來自作家筆記本原稿那一頁有別於過去翻閱的記憶，意外觸動了她，手寫的質感、歷經時間的詩集，置於工作室久未清理的黑色桌布上，種種元素在這一刻彎成一道迴圈，詩句與承載文字的媒介產生了共鳴。     王雅慧，一首詩，2020，半光面相紙鋁板裱褙、實木層板、書，73 x 09 x 20 cm。     王雅慧致力於研究影像媒材與觀者視野的邊界，探討現實與影像之間的重疊和落差，創作形式涵括錄像、裝置、攝影、繪畫，並在作品中思考，重力造成的型態、時間運行的軌跡、影像的視覺及記憶中的時空、事物的質感，乃至於人們對事物的成見，在這些不同階調的反射中，如何構成人類認知中的世界。   她關注東方的自然哲學中人與世界的關係與思維方式，嘗試將這樣的思路重新納入當代生活，相對於單純的拍攝，其影像作品更著重於解構風景，深入構圖的邏輯，化為多層次的敘事。     王慶蘋《冥冥中的彩排》   創作之於王慶蘋，就如同張著眼做夢，作為一色彩主義者，色與光是她的創作語言，通過繪畫和攝影，充分展現她運用色彩關係與色光特性建構形與色的繁複對話，激發作品張力與蘊意。結合抽象和有機象徵型態，在作品中建立多緯結構，令意象與非意象彼此穿插交會，讓觀者一窺藝術家靈魂深處的動靜變化。     王慶蘋，作品331號，靈動之物，2022，複合媒材（不透明壓克力水彩、油性粉彩筆、墨水）、水彩紙，23 x 31 cm。     其作品層次多重、充滿體驗性，藉視覺空間結構的交互震盪，創造豐富的動態與情緒張力，進而轉化為觀者感性經驗內涵與視覺隱喻，講求慢觀、浸淫與持續發現。豐富的色彩層次、象徵性筆觸及線條共同交織，在不斷流轉與游移的視角中，創造多元的視覺內涵與敘事可能。     陳妍伶《窺探》   陳妍伶講述了一個窺視者與被窺視者的故事，她創作了高矮不一的民房、守在街燈下形單影隻的人，從中透出的幽微燈光令人聯想到安德烈亞斯．古爾斯基的《巴黎．蒙帕納斯》（Montparnasse, Paris，Andreas Gursky）和法國攝影師羅曼．雅凱《天台故事II》（Romain Jacquet-Lagrèze，Concrete Stories II）作品裡的一格格小窗，藝術家放大了每一格入夜之後亮燈的窗，窺探別人的同時也把自己擺了進去。     陳妍伶，亮燈(2)，2024，複合媒材，牛奶紙板、LED 燈泡、木頭、模型娃娃、MP3播放器，15 x 25 x 14.5 cm。     從一扇扇小窗，勾起對屋內情景的好奇，夜晚令人褪去白日的武裝，在屬於自己的空間裡釋放被掩飾的天性，在賀照緹的紀錄片《睏袂之際》中，陳妍伶捕捉到白日奔波的人們在深夜獨自面對自己時，因恐懼而無法成眠的窒息感，而最終每個人都將孤單地睡去。     陳妍伶，邊緣，2024，複合媒材，木頭、模型娃娃、LED燈泡、磁鐵、電池，37.3 x 34.8 x 9.8 cm。     陳妍伶早期以錄像、超八厘米影片為主要創作，2012年之後開始收藏廢棄的木料、布料、金屬和雜誌，結合大量的手工縫紉為複合媒材進行創作。以人為核心，探討人的情緒和困境，以一種通透的視角，觀察旁人和自己的內心世界。     邱承宏《夜與靈魂》   邱承宏尋拾地震災難中倒塌建築的破碎建材，試圖在現實中重建夢境缺失錯落的斷簡殘編，以扭曲的鋼筋與混凝土，建構書架及書本造型的雕塑，在這些裂痕與斷口之間，嵌入來自周遭環境的光影與情緒，如同書架索引，隱含夢境中的低語與記憶片段，也映射出現實世界的掠影浮光。     邱承宏，夜與靈魂，2025，鋼樑、混凝土（地震倒塌之建築物殘骸）、水泥、鵝卵石、黑大理石、黑曜石、石墨、金屬夾具，226 x 272 x 76 cm。     邱承宏的創作多以裝置、雕塑的方式呈現，宛如在現實與幻想的邊界進行考古，他善於挖掘被遺忘的時空中曾經存在的身影，並透過抽象手法重新演繹那些被合理化及設計過的生存軌跡，將它們生動地重塑，藉此發展出藝術家獨有的記憶修補術。     洪郁雯《載夢》   洪郁雯運用跳脫框架的思維，打造她的微觀宇宙，巧妙融合傳統技法與各種媒材，超越常規和文化隔閡、探索藝術創作的邊界。她在本展中編織對夜的想像，似雲絮或薄霧般輕飄虛渺的作品，卻絲絲縷縷流動著金屬的微光閃閃，靜止於空氣中，在展場朦朧的光影籠罩下，彩漆銅線在空中糾纏不規則的線條與形狀，宛如黎明前將要逸散的夢境。     洪郁雯，載夢03，2025，彩漆銅線，80 x 127 x 18 cm。     自小旅居各國，洪郁雯受多元文化薰陶，將跨越多個文化圈的生活經驗融於其藝術中。她的創作展現如水一般，給人流動且不被定性的感覺，輕鬆超越界限和形式，同時保留其內在本質，其流動性反映了她多元化的觀點，蘊含道家思想相生互換的哲學。曾在台灣舉辦個展，並參與歐洲和加拿大的群展，是近年備受矚目的亞洲新秀。     周楷倫《隱市》   以繪畫與攝影為主要創作的周楷倫，有時先拍照再根據相片內容進行繪畫，有時先落筆，事後再進行拍攝，透過攝像和繪畫形式的相輔相成，進行當代視覺影像與繪畫的討論和思索。面對既有影像的重複辯證，既是強調個人的自我意識，也是藝術家在創作形式現代化與社會規則交相逼進的情境底下，針對「創作者」身分進行的反覆詰問。     周楷倫，休息的高鐵旅客，2024，炭精筆、紙，19.5 x 13.1 cm。     周楷倫表示，一直希望留下一些獨一無二且能夠求同存異的瞬間，讓自己與自身當下所處的環境周遭達到某種平衡狀態。身處碎片化的時代，周楷倫的創作轉化源於意識的攝影，在現實中取材拼貼精神的輪廓，回應藝術家身處現代社會的自我定位。     智海《鹵素：明珠》   1977年出生於舊香港的智海自過去收藏的幻燈片中取材，創作《鹵素》繪畫系列。這些幻燈片大多是1960-70年代香港的風景名勝，因年代久遠而褪色，剩下偏紅的單色調。     智海，鹵素51–啟德機場夜景，2025，油彩、麻布，24.5 x 33.5 cm。     將過往的風景投影於工作室的牆上，智海將這些不曾親歷的場景繪製為一系列油畫，再將畫作轉譯為幻燈片，並投影展出，作品內容聚焦於舊香港的城市夜景，題為《鹵素：明珠》。歷經載體的一再轉換，為這些僅存於舊香港人記憶中、曾被譽為「東方之珠」的都市場景，烙印最後的風華。   智海的創作涉及鉛筆畫、油畫、漫畫與獨立出版，題材廣泛，漫畫集包括《圖書館、我和我聖人》、《默示錄》、《大騎劫：漫畫香港文學》、《灰掐》等，作品譯有英、法、義及芬蘭文。     劉致宏《迷湯》   劉致宏的作品描繪了一個下著雨的傍晚，騎在老打檔車上沿著海岸巡遊前進，隨著天色漸深，自身也越發靠近海洋。安全島上瑣碎的裝飾燈、鎢絲燈泡的光逼出梅納反應（Maillard Reaction）的熱烈，隨細密的雨絲，暈開視線所及的每一點光源，沸騰的陽明山上蒸氣繚繞，榕樹與棕櫚葉被雨水洗得顏色清亮，海堤上釣魚的人們撒下點點螢光。     劉致宏，鎢絲燈泡，2015，油彩、畫布，19 x 27.5 cm。     劉致宏近年的創作持續關注當代生命經驗的捕捉，以日常的角度建構敘事，創作類型涵括了繪畫、陶瓷、裝置、複合材料、地景藝術、出版計畫等，並聚焦在「材料與能動性」、「語言形式轉化」與「在地關係連結」等面向。   自他的創作中，宛如從他的眼睛、跟著他的呼吸，一同沿著海岸奔馳，細雨澆頭，風和水氣撲面，略帶汗水的鹹味……一切感知，宛如將深夜的種種元素投入，細燉一鍋迷湯。     《未央．夜》 時間」2025.02.15-04.19 地點」TKG+ Projects (台北市內湖區瑞光路 548 巷 15 號 2F)     資料及圖片提供」TKG+ Projects 編輯」江瑜

林莉酈〈大眾澡堂-1〉44x80cm，絹本膠彩，2025。     2025的當代一畫廊，邀請兩位女性藝術家攜手以雙個展的形式，為其首檔展出揭開序幕。   林莉酈與胡晴雯的最新創作，通過水墨與膠彩反映現實的生活片段、和創作者游離於現實之外的精神世界。展出內涵20餘幅作品，呈現兩位藝術家相輔相成的創作脈絡，在物質性與精神性之間搭起一座橋樑，邀請觀者在光影與時間的流動中，感受生命的豐富與深邃。     胡晴雯〈透光〉45x100cm，銀箔、墨、鉛筆、盛上、紙，2024。     舊影重遊─林莉酈個展   林莉酈以平實筆調表現沉靜的心靈感受，取材自日常所見，作品呈現的室內空間、街景擺設以及植物盆栽，情感含蓄內斂，而不見任何引人注目的企圖；氤氳的灰調、搭配高彩度色質，與台灣膠彩畫習見的鮮麗大不相同，表現其個人獨到的色感與美學。     林莉酈〈前山浴室〉43x77，絹本膠彩，2025。     作品畫面充滿對日常事物的溫柔凝視，從童年田郊的純真記憶，到成年後的思索，融合自然、宗教與人造物的象徵，林莉酈從藝術家的角度，重新審視生活裡的每個細節，從中提煉生與死、開闊與封閉的矛盾，藉細膩筆觸將這些感受具象為畫面語言，讓觀者在作品中窺見物質世界背後的靜默與震動。     如影隨形─胡晴雯個展   胡晴雯偏好觀察光影與萬物互動的變化，使用金屬媒材突破傳統水墨主題的盲區，寫意筆法描繪抽象和流動的時光，利用硫磺水與銀箔產生交互作用，自然衍生線條和筆觸；並善用銀箔易氧化的特性，沉澱焦灼的色彩在畫面中留住了時間的軌跡，展現傳統與現代技法相輔相成的可能性。     胡晴雯〈朽葉〉30x30cm，銀箔、礦物性顏料、硫磺、紙，2024。     以光為核心，捕捉生活中片刻的感性經驗，將那些不經意流淌的瞬間凝結為悠長的詩意，觀察光影映照萬物表面、滲透萬物內裡的此消彼長，光的存在沉澱了心靈上的紊亂，成為藝術家的精神反射，也是創作中不可或缺的主題，胡晴雯通過描摹光影的善變與易逝，將這些特質轉化為對生命旅程的觀察與深思。       《舊影重遊 x 如影隨形》林莉酈 x 胡晴雯水墨雙個展 〈What Difference A Day Makes X Inseparable〉- Ink Paint Dup Solo Exhibition 日期」2025.02.07 — 2025.03.22 地點」台北市光復南路22巷32號1樓 營業時間」週一至週五10:00-18:00星期六13:00-18:00     資料及圖片提供」當代一畫廊 編輯」江瑜

蛇年迎春萬象更新，新的一年誠品畫廊以「繭之詩」為名推出全新特展，並邀請日本藝術家北川宏仁、台灣藝術家李明剛、楊子逸、潘麒方、李秉璈，以及香港出生的藝術家張柏林等人之作，以赤陶雕塑、油彩、壓克力顏料、水墨等媒材，映照日常肖像、重建風景等當代生活模樣，揭示當代社會的碎裂感及網路世界的流動性，訴說人際間若即若離卻又無可名狀的內在感性。   北川宏人所作人物雕塑矗立在展場中央，其完美比例彷若與觀者一同漫步欣賞。 以人物雕塑聞名的北川宏人，利用陶土捏塑將人物身形拉長，達到其所理想的完美比例，不僅蘊含西方雕塑的古典氣質，亦兼具日本動漫美學。特別的是，北川宏人手下作品雖擁有時尚外表，神情中卻透著一股憂鬱疏離的茫然，刻畫出泡沫經濟下日本青年的無奈和苦悶。   李明剛，憑拳，2024，壓克力顏料／畫布，50 x 50 cm。從生活場景出發，在現實與虛擬間創造嶄新的繪畫語彙。 「空間記憶的探索與重構」是李明剛的創作核心，本次展出從疫情期間至今的繪畫作品，其中可見透過掃描、拼貼及去背等手法，擷取生活場景片段，將其轉化為介於現實與虛擬間的敘事場景，表現人們透過網路及迷因獲取認知與共鳴，在虛實交錯中反映當代碎裂而嶄新的繪畫語言。   張柏林，在速度之上，2023，油彩／紙，51 x 36 cm。 生於香港的張柏林，本次展出涵蓋2019年至近期所創作的肖像畫，其人物多散發著如聖人般的微弱光環。在作品中，肖像畫象徵著張柏林探討自我的多重投影，彰顯人們被欲望牽制而感到無力的痛苦與掙扎，透過反覆消抹、塗刮等手法，紀錄與重構人們存在的心理狀態。   楊子逸，山間的影子，2025，水墨／絹本，88 x 140 cm。 楊子逸以水墨為媒材，圍繞「山水」作為發展前奏，利用塊面狀作為主要基調，繪製出獨樹一格的「自然」，透過墨於宣紙上的寫意和流動暈染，審視物我之間的關係。藉由磨墨、繃絹、單色墨塊反覆疊加，最後填於上礬的絹布之上，彷彿穿透表象探見背後真實樣貌，不為表層所蒙蔽，探討眼見與心視之間的差異。   潘麒方，麒麟花，2024，油彩／畫布，91 x 60 cm。 風景是潘麒方的繪畫主題，習慣於尋常景物中，挖掘被化為氣味、記憶、印象及各種情緒等體驗，進而探索景物間的連動關係。在此次展出的近兩年之作中，藝術家從回憶與感受出發，以清晰姿態出場卻又迅速消散，因此其作品總在清晰與曖昧的記憶間構築而成，成為可見事物的再延伸，以及「不被量化的感性」呈現，藉以提出屬於現代風景畫的新見解。   （右）李秉璈，野望，2024，壓克力顏料／畫布，163 x 97 cm。（左）李秉璈，想像藍海。2024。 李秉璈在2021年《壓馬路》及2024年《想像藍海》等繪畫新作中，以日常生活、網路社群及零星記憶為靈感，從這片破碎訊息中捕捉資訊畫面，在放置與疊合間創造出似曾相識的感受，猶如開啟或連繫或獨立的多個視窗，重新審視日常過程，賦予繪畫另一層的時代含義。   繭之詩 時間」2025年2月8日至2025年3月22日 地點」誠品畫廊丨台北市信義區菸廠路88號B1（誠品生活松菸店） 線上展廳。   資料及圖片提供」誠品畫廊 編輯」林靖諺

「我創作的核心是透過重新打造、去除原有敘事，將世界變成一座模型；此時世界變成寓言，而整個作品計畫就是隱喻。製作模型是一種文化技藝，沒有它我們就無法見證一切。」──托瑪斯．德曼    德國藝術家托瑪斯．德曼（Thomas Demand）世界巡迴展近日登台，並於臺北市立美術館展出。展覽由攝影展覽基金會、尤倫斯當代藝術中心與北美館共同製作，美國策展人道格拉斯．佛格（Douglas Fogle）策劃。德曼曾參與「2002台北雙年展」，本次睽違20餘年重登，匯集從1990年代至今近70件作品，呈現其30年融合雕塑與攝影的創作實踐。 精心設計展場燈光，在明暗間細膩感受作品所暈染出的意境。 從工具到藝術媒材的轉變 起初，德曼僅以紙張和硬紙板為素材創作雕塑，攝影原本是紀錄作品的工具。在拍攝過程中，發現物件實體與相機鏡頭所呈現平面影像之間的差異，而後發展出以攝影為目的建構物體的創作方法，成為創作的主要媒材。   托瑪斯．德曼，《檔案》，1995，C-Print／水晶裱。 德曼的創作題材多取自知名歷史或社會事件，重現影響西方、全球局勢轉折的關鍵時刻。早期觸及未曾親身經歷、透過圖像認識的德國歷史，如1944年希特勒險遭暗殺、被炸毀的房間（《專室》，1994）；納粹所支持電影導演蘭妮．萊芬斯坦（Leni Riefenstahl）的電影資料庫（《檔案》，1995）等。   重現歷史與文化場景 此外，德曼重建多起世界重大新聞事件的場景，例如：唐納．川普2017 年就任美國總統前召開記者會中，為證明已交出名下企業經營權而堆疊於現場的文件 （《文件夾》，2017）；美國國家安全局洩密者艾德華．史諾登（Edward Snowden）逃亡至俄羅斯時曾落腳的飯店房間（《避難所》系列，2021）。 托瑪斯．德曼，《控制室》，2011，C-Print/水晶裱。 警方查獲30件失蹤數十年名畫與雕塑的威登斯坦研究中心（Wildenstein Institute）密室（《保險庫》，2012）；311大地震後福島核電廠廢棄的控制室 （《控制室》，2011）等。   托瑪斯．德曼，《石窟》，2006，C-Print／水晶裱，透過硬紙板仿真石窟意象，落於攝影圖像便是人們集體對石窟印象的濃縮。 人類文化如何詮釋與再現「自然」，以及人造和自然世界的分野，一直是德曼感興趣的創作主題。以超過27萬張紙製樹葉創造《森中空地》（2003），一幅陽光從樹冠灑落的夢幻森林場景，呈顯人們對純淨、原始自然樣貌的浪漫憧憬。《石窟》的場景由36噸的硬紙板製作而成，藝術家收集並研究數百張世界各地禮品店銷售的石窟明信片，建造出仿真石窟及經過數千年累積而成的鐘乳石。  托瑪斯．德曼，《花見》，2014，UV 印刷，無紡布壁紙。展場入口，以《花見》大面鋪陳立面，聚焦視線吸引觀者目光。 橫跨此次展間出入口牆面的壁紙攝影作品《花見》則為觀者打造沉浸式環境體驗，利用紙製出無數櫻花，以稍縱即逝的花期，冥想生命短暫與周而復始的本質。   日常系列：重現生活中的詩意 2008年，德曼轉移到生活題材上，創作「日常」系列。藝術家採取相同創作手法，將影像轉換成紙雕再拍攝，不過此系列的影像來自日常中偶遇、用手機拍攝的一隅即景。 丟在層架上的空優格冰淇淋杯與粉色塑料湯匙。 「日常」系列為德曼以尋常視覺元素譜寫的自述，讚頌生活中蘊含無限意趣的微渺末節，濃縮成對歷史的理解：歷史不僅是世界各地的恢弘事件，也同樣包含個體生命的凡常絮語。有鑑於手機的普及及大眾對在社群媒體分享影像的痴迷，透過耗時精心重製生活中詩意而平凡的瞬間，引人反思快速生成和傳播、充斥於當代社會的影像。 托瑪斯．德曼，《太平洋豔陽號》（動畫截圖），2012，定格動畫。  在紐西蘭海岸遭熱帶風暴巨浪襲擊的郵輪船艙內，桌椅、儲物櫃等物件向兩側滑動的滑稽景象，花三年時間，用紙和紙板重現。 定格動畫則是德曼對動態影像構成的探索。《太平洋豔陽號》取材自一段網路上瘋傳的監視錄影機畫面；《氣球》（2018）中，一串繫在紅色塑膠晾衣夾上的氣球，在混凝土與磚石人行道上被風吹而緩緩飄動。畫面中只見夾子、五顏六色的絲帶，氣球本身卻漂浮在畫面之外，僅透過投射在地面的影子顯現，宛如跟著即興演奏的小步舞曲輕巧而慵懶地移動；伴隨搖曳的樹影、偶爾在地面掃過的落葉，作品捕捉城市生活中往往被忽略、不經意的詩意瞬間。 托瑪斯．德曼，《椋鳥》，模型研究4，2020，數位版畫框裱。   2011年，德曼在洛杉磯蓋蒂研究所（Getty Research Institute）駐館期間，開始「模型研究」系列創作。主要聚焦在建築與時裝設計師的紙質模型初稿，擷取其中局部與抽象元素，揭示紙如何成為構建世界的基礎。   《置物櫃》（2018）以圖像輸出鋪於四周立面，享受層次豐富的視覺感受。 另外，在視覺世界建構環境的探索過程中，以其攝影輸出為壁紙介入白盒子空間，如《圓管》（2018）與《置物櫃》（2018）圖像在兩個展間中滿布四面展牆，為展示賦予空間層次感。   藉由紙張、硬紙板、攝影等平面影像重現真實場景。 透過紙材的巧妙建構與光線、陰影的編排，乍看近似真實世界的攝像，卻了無人跡，仔細審視更會發覺是用紙張和硬紙板重現。以平面的紀實影像為依據，精心搭建還原場景的紙模型並拍照，直至銷毀模型、徒留鬼魅般的影像，透過在原影像與最終準攝影分身間進行重製與轉譯，暗示歷史影像與真相的差異。   托瑪斯．德曼 他擅以大眾傳媒中常見的紀實影像為對象，以紙材精細地重建實物尺寸的場景，接著透過鏡頭取景拍攝出近似原影像的畫面，再將模型全數摧毀，用大尺幅攝影輸出再現。藉此，他認為攝影是絕對客觀的真實媒介，探索現實與重現之間的距離。德曼作品曾在全球各大美術館及藝廊展出，並在第26屆聖保羅雙年展（2004）代表德國參展，更曾四度於威尼斯建築雙年展登場。出於對模型與建築的喜愛，德曼歷年來也與多位國際知名建築師如大衛．基帕菲特（David Chipperfield）、雷姆．庫哈斯（Rem Koolhaas）以及SANAA建築事務所等合作，包含展覽、裝置，甚至是建築工程案。   托瑪斯．德曼：歷史的結舌 時間：2025年1月18日至5月11日 地點：臺北市立美術館 一樓1A、1B展覽室   資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」林靖諺

「2024金點設計展」已於台北松山文創園區「台灣設計館」正式開展，本次精選近兩百件榮獲金點設計獎及金點概念設計獎的作品，透過六大設計趨勢主題與空間體驗，呈現來自台灣、中國大陸、美國、日本、英國、泰國、波蘭、新加坡、馬來西亞、菲律賓等地的得獎佳作。   金點設計獎作為台灣歷史最悠久、具指標性的設計獎項，每年評選出優質作品，表揚設計者與業者的創新成果，帶動產業重視設計價值。2014年起更積極推動國際化布局，開放全球設計從業者參賽、同時擴大國際評審團陣容，今年海外參賽作品件數逾五成，已躍身為國際知名獎項；每年舉辦的得獎作品特展「金點設計展」亦能一次飽覽海內外頂尖設計。 2024金點設計展主視覺。   六大趨勢共構展覽全貌 2024金點設計展由新銳策展團隊「極製設計所」策劃，策展人游麲從作品的本質與關注議題切入，規劃了六大主題：「設計基石」探討設計在基礎設施與公共系統中發揮的作用與重要性；「倡議支點」強調設計如何回應社會多元價值觀，以及在促進公共討論與推動社會變革中的作用；「科技拓界」展出科技在解決社會需求中的創新應用；「生活擴界」呈現不同視角的生活提案，透過空間設計和商業品牌創新，打造多樣化和靈活的日常體驗；「地方迴聲」著重設計如何回應自然環境、重新詮釋文化，形成推動地方發展的力量；「物質探索」則展示設計師對材料的理解與應用，重點強調回收材的再利用與循環系統的構建。   全展旨在強調設計如何在社會創新、科技應用、永續發展與地方文化中發揮深遠影響力，並以多元跨域的專業視野，將策展理念、展出作品與空間設計緊密串聯，激發觀者的情感共鳴與深層思考。   空間語彙扣合主題 《室內interior》特別邀請游麲分享策展思維。他閱覽上百件的獲獎作品後，訂立出上述所提的六大主題，突顯金點設計獎所關注的方向；展覽空間則運用不同的設計語言，精準詮釋各大主題。 第一區（01展間）展出「設計基石」與「倡議支點」議題，室內整體敞亮開放，具有重量感的白色展台就好似奠定社會基礎的基石，他特別將量體轉了45度角排列，如基石般穩固，象徵設計作為社會基礎力量的重要性，同時也強化觀者的遊逛經驗。 第一區（01展間）「設計基石」、「倡議支點」透亮開放。展台以45度角排列，陳述如基石般穩固的意象。 第二區（02展間）聚焦「科技拓界」與「生活擴界」，有鑑於台灣科技產業發展蓬勃，產品每年推陳出新，其實也象徵一種突破邊界的動力，因此，不規則的折線展桌有效延伸了空間，隱喻科技不斷創新與日常生活風格的拓展，並賦予垂直動線更蜿蜒且多向的靈活度，引導觀者自由探索。 第二區（02展間）聚焦「科技拓界」與「生活擴界」主題。以不規則折線展桌延伸空間，隱喻拓界的概念。 第三區（04展間）則圍繞在「地方迴聲」與「物質探索」，他發現現行許多設計作品十分強調與地方的串接，不論是風土文化的梳理，抑或是與在地工藝產業的結合，致力彰顯地方特色；另一方面，資源日漸匱乏，如何在有限物質中開發新的可能，也成為設計者關注的焦點。 第三區（04展間）圍繞「地方迴聲」與「物質探索」。使用漣漪狀的展桌，表達材料循環的價值及延續地方文化。 展間中使用漣漪狀的展桌，表達材料循環的價值及延續地方文化的意象，並透過碎石級配與金屬質感，襯托出該區對材料質感與創新的關注；為呼應循環設計的理念，策展團隊亦將過往展會中的桌子、光板等物件回收再造，轉化為不同情境的載體，不僅延續展會的歷史記憶，更意涵了設計的傳承與新生。 第三區（04展間）圍繞「地方迴聲」與「物質探索」。使用漣漪狀的展桌，表達材料循環的價值及延續地方文化。  由於展品分別依主題性被放置於三個不同空間，「選選研」設計的主視覺則肩負串聯的責任；主視覺將代表三個展間的元素──量體、折線和圓弧曲線相互交疊後，再拆分至展間相互呼應，將空間和視覺和諧整合，更易於與大眾溝通。游麲期待藉由金點設計展打破各個設計範疇的專業邊界，以六大主題作為議題導向，提出具想像與未來性的問題，讓設計成為推動社會進步的解方。 Atelier SUPERB 極製設計所 / 游麲 極製設計所主持建築師／設計總監。英國UCL Bartlett建築碩士，為Atelier SUPERB 極製設計所＋游麲建築師事務所主持建築師，目前同時任教於東海大學建築系。團隊在多元跨域的背景下，認為設計藝術沒有實質專業的界線，從建築專業跨足室內空間、地景、都市設計、藝術創作、展場設計、品牌企劃等，期許不拘泥於單一類型的創作路線，相信設計思考與溝通是當代最具整合性的專業能力，而設計與製造過程即是一場行動，是觸發進步與趨近未來的原動力。曾獲得日本Good Design Award、德國iF設計獎、英國[d]arc燈光設計獎、TDIA台北設計大獎、TID Award台灣室內設計大獎、Golden Pin Design Award 金點設計獎等。   2024金點設計展 日期」2025年4月6日前 地點」台灣設計館01、02、04展間   焦點作品報導請見>> 泰國篇 日本篇 資料及圖片提供」台灣設計研究院、Atelier SUPERB極製設計所 採訪」陳映蓁

今年泰國參賽件數十分踴躍，足可見泰國豐沛成熟的能量，近年來在設計的發展與推動上，可說是令人驚艷且成果有目共睹。本次金點設計獎系列報導彙整多件泰國的亮點作品。   1922 Architects｜N.L.N. Villa 位於清萊的木造住宅，主要使用再生木材，結合現代建材與建築工法打造，提升木造建築的耐久性。設計以雙層屋頂和高腳設計為特色，有效減少熱度和濕氣，並提供全天候遮蔭。室內布局符合人體工學，並適應當地氣候與生活方式，推廣更環保的居住理念。   Hanabitate Architects｜Lanna Rice Research Center, Chiang Mai University 不僅是研究中心，也作為多功能空間，服務學者、農民至學生等不同使用者。建築設計將各空間排成一列，藉此獲取充分的自然光與通風，竹簾則能有效隔熱。採用混凝土等當地材料，建造磚牆、拋光地板及屋瓦等處，降低維護成本；牆體則利用稻米磚，可同時展示中心培育的稻米品種。   IDIN Architects｜Harudot Chonburi by Nana Coffee Roasters Harudot咖啡店結合了「春天」與「起點」的意象，象徵新的開始與成長。建築設計以中庭樹木為核心，圍繞著黑色山牆，彷彿樹木穿過建築生長；內部空間採用溫暖松木和曲線設計，戶外座椅則以樹脂與咖啡渣製作；地面嵌有花瓣與名言，融入品牌理念，增添互動趣味。   ativich / studio｜Ralyn's Residence 基地位於曼谷，住宅面積共200平方公尺，巧妙地融合泰國傳統建築特色與現代材料技術。設計以泰式高腳屋為靈感，將功能性空間設置於二樓，並運用雙層水泥外牆與側開百葉窗，調節自然光和通風，呼應傳統木質百葉窗的功能；圓形水泥柱則喚起傳統泰式房屋木柱的印象。   Physicalist｜Baan Klai Wat 以「熱帶花園中的涼亭」為設計概念，打造開放、有遮蔽且中性的度假場域，環繞著自然採光、通風與植栽美景，建築、室內與景觀間界線在此消融於無形。五棟別墅環繞中央庭院排列，一樓採通透開放設計，透過全景玻璃門讓室內外無縫連接，實現在花園中生活的體驗。   The Others Co., Ltd.｜OB HOUSE 以立方體造型為建築特色，透過「實與虛」的變化，在各立面創造出節奏感，同時保持整體的和諧，回應屋主對於極簡俐落且富設計感的家居想望。設計強調室內外空間的流動感，中庭與螺旋梯讓每層樓的功能性空間自然連貫，並確保充足採光與隱私。   Tofu Company Limited｜The Bound House The Bound House結合商業與住宅空間，重新定義都市生活。面向街道的街屋與後方連棟住宅及綠地共同創造了活力社區。A型住宅設計為街屋、B型住宅以磚牆致敬當地文化，中央天井引入自然光；C型住宅有庭院增強通風與採光。每棟皆採自然通風與被動節能，實現永續生活。   EKAR Architects｜The Sayla Hotel 本案目標為翻新因疫情陷入經營困境的老飯店，透過重新設計空間提升品質與吸引力，並延續社區精神，與居民產生共鳴。建築運用清邁與周邊地區的磚材，形塑類似清邁古城牆的紋理，公共庭院的設計既保留傳統生活氛圍，也期待吸引人們駐足。   Mobius Studio Co., Ltd.｜Kaew Boutique Kaew Boutique提供泰式創意甜點，並結合咖啡廳、共同工作空間及寵物友善區，打造當地觀光新地標。建築內以類似蛋黃的結構，在中間設有庭院，構建互動交流的場域；考量當地日照、風向和降雨，設計山形般的屋頂，兼具機能性也打開山景視野。   Unknown Surface Studio｜Uncloud Coffee 建築型態以流暢的線條，模擬極光的動態光影，無縫連接內外空間。以地形條件區劃三大區域：入口結合吧檯與座位區、戶外休憩區及內部工作區，立面設計以弧形屏障減少噪音與熱能，同時最大化山景視野，並透過中庭引入自然光，提升室內採光效果。   Architects 49 Limited, TK Studio Company Limited｜ WASTE MANAGEMENT BUILDING, KING CHULALONGKORN MEMORIAL HOSPITAL, BANGKOK 本案為朱拉隆功紀念醫院廢棄物管理大樓設計，依工具和設備尺寸設置相應區域，並以紅、黃、藍色對應全球通用廢棄物分類標準，方便員工分類處理。大樓空調系統產生的多餘能源則用於烘乾垃圾桶，並設有通風與氣味控制系統，確保對周圍環境的影響降至最低。 Coomaxtudio｜Marni 以泰國傳統剪紙藝術「Ma-Hod」為靈感，藉由創新技術打造竹編燈具，手工桑紙透出溫暖柔和的金黃光芒，營造流動光影的效果；燈座採拋光黃銅，簡約又不失質感。Marni有桌燈、落地燈及吊燈三種款式，以永續竹材製作，並結合演算法設計和3D列印，減少材料浪費。   mflex factory Co., Ltd.｜Ventilation Block - Air Flow (BTL 201) AIR FLOW (BTL 201)是一款具特定寬度的空心磚，可依照不同建築目的保持空心或增加裝飾性側面，並可內嵌鋼筋，無需額外鑽孔或切割。使用天然土壤混合製作，展現不同來源土壤的天然色彩與質感，同時保留自然的泥土氣息與美感。   Manita Songserm｜Crossover ll: The Nature of Relationships 《CROSSOVER II: 關係的本質》展覽探討了1945年至2000年期間，泰國現代藝術、藝術家與環境之間的關係。為突顯這一時期藝術家對於色彩的獨特運用，主視覺海報從展出的70多件藝術作品中萃取顏色與組合，讓觀眾在欣賞真實畫作前，先感受豐富的視覺饗宴。   The Head And The Heart Studio｜Stupid Stay Stupid Stay是一家充滿活力的旅館，將「愚笨」解讀為探索自我與創意的起點，而非缺陷。識別設計也由此延伸，旨在喚起人們的好奇心並鼓勵探索，從標誌、字體和排版系統，皆特意缺乏明確的指引，反映透過「愚蠢」發現自我道路的旅程。   資料及圖片提供」台灣設計研究院 撰文」陳映蓁

鄰近台灣的日本，旺盛的設計力以及充滿辨識度的美學，在在展現了日本對於文化、藝術、工藝等方面的堅強實力，成為風靡世界的設計強國。我們亦可從金點設計展中一窺日本設計者嚴謹精湛且與時俱進的精彩作品。   TERRAIN architects｜Kashimada Nursery 此作為位於東京的托兒所，以適合孩子體型與活動需求的八疊榻榻米空間為單位，圍繞中央柱子形成風車狀布局，並共享一個百寶箱般的空間，存放文具和書籍。兩棟風車形建築相互獨立，承重牆將室內外、花園和步道無縫連接，透過結構元素引導孩子探索互動。   Masatoyo Ogasawara Architects｜Redefining Public Restroom in the Park 重新改造羽田機場旁的公園公廁，讓公共廁所變得更具親和力和包容性，打破負面刻板印象，同時兼具功能性和美學。設計上則融合傳統與現代元素，使用日本檜木和燒杉木，增加美感與耐用性；廁所外面設有長椅與觀景台，提供可放鬆享受周遭美景的環境。   TBWAHAKUHODO Inc., quantum Inc.｜SHELLMET 《SHELLMET》是由100%北海道當地廢棄扇貝殼製成的安全帽。外型採用仿生設計，模擬扇貝外殼結構，達到高強度與耐用性，製程上與一般塑膠安全帽相比更減少了36%的二氧化碳排放；使用後的SHELLMET可回收再製，促成更永續的資源運用。   Chi Design｜Chiritori X Houki 2.0 《Chiritori X Houki 2.0》將逐漸消失的傳統工藝，依當代美學重新設計，融入現代生活空間。掃帚由職人手工製作，採用環保材料，具清潔與減少起毛功能；畚箕則利用家具廢木料再加工，設計簡潔、符合人體工學，展現傳統工藝與現代設計的融合，傳遞手作溫度與細膩。   TETUSIN DESIGN｜Organic Fertilizer "YAKUZEN" and Compost System Local Production for Local Consumption 《YakuZen》是結合大學生物技術與天然材料的有機肥料，應用東方醫學原理於土壤改良。以地方生產與消費堆肥系統，將區域廢棄物轉化為高效且安全的肥料，提升土壤品質；此系統以當地資源生產肥料，實現廢棄物管理、土壤再生和食品安全的目標，並獲得有機JAS認證。   AISIN CORPORATION｜YYSystem 這是一款為聽障人士開發的語音與聲音視覺化應用程式，藉由專屬演算法幫助使用者精準溝通。具備即時轉錄、降噪處理和使用者字典功能，提升溝通順暢度；介面設計直覺，並包含聲音圖示等功能，有助於聽障人士主動參與社交，享受更安全、安心的生活。   sankaku｜sankaku Volume 2: Ramen sankaku是一份來自日本的獨立印刷刊物，聚焦手工藝與職人，第二期以「拉麵」為主題，採用真空封裝的速食麵，作為書封一部分。封面設計將日常食材置於不尋常的情境，將這本書轉化為一件藝術品，挑戰讀者對書籍的認知，也探索書籍設計的更多可能性。     資料及圖片提供」台灣設計研究院 撰文」陳映蓁