一年一度備受關注的金點設計獎（Golden Pin Design Award）已於日前公布標章得主名單，今年共有118件作品入圍「金點設計獎年度最佳設計獎」，同時也將頒發兩項「年度特別獎」，表彰在循環設計及社會設計表現傑出的作品；預計於12月2日的頒獎典禮揭曉最終得獎結果。而《室內》雜誌作為金點設計獎官方媒體合作夥伴，也將帶來連續三期的深度報導。   本期報導將介紹以「Corner長凳」榮獲金點標章的台灣家具設計品牌「Tomood土與木之間」，主理人郭良旗（Roger Guo）嘗試以手作溫度和精細工藝，向消費者傳遞木材擁有的豐富紋理，以及與土地連結的生命力；此外，他亦致力推廣台灣國產材，期待更多家庭體會受台灣在地木材的獨特韻味。《室內》雜誌特別造訪Roger的工作室，請他與讀者分享創業過程的點滴，以及對木材、家具和設計三方面的見解。   Tomood土與木之間 / 郭良旗Roger Guo Tomood土與木之間，是台灣家具設計品牌，期待透過設計的力量，勾勒美好的生活樣貌。近年致力於發展家具與生活用品的設計，特別選用天然且有溫度的國產樹種，彰顯材料沉靜樸實的美；重視使用者的舒適度，手工打造簡約、溫馨且高品質的家具及器物，從設計到生產皆來自台灣，希望藉此傳達台灣的工藝之美。  品牌參與過2022 Maison & Object Paris法國巴黎國際家飾用品展、2022台灣文博會、2022新北SDGs創客季、2022台灣工坊家具－木質生活展、2021銀合歡家具設計大賽作品展等盛會；亦榮獲金點設計獎、2022台灣綠工藝Taiwan Green Craft入選、OTOP產品設計獎（入圍決審）、銀合歡家具設計大賽佳作等獎項肯定。   台灣的工藝技術，一向聞名於世。不論是木藝、籐業或其他技藝，都曾有過輝煌的歷史，時至今日，亦有一群在地職人隱身於城市角落，以不張揚的態度，默默守護、傳承技法和溫度。不過，在時代巨輪的轉動下，工藝傳統還是遭遇了日漸凋零的困境，如何讓這些工藝在現代社會中找到新的起點，重新回到世人眼中？「設計」，或許是解決窘況的一帖良藥。 「Tomood土與木之間」於2021年文博會的攤位。透過大大小小的參展機會，向大眾推廣品牌及國產材的魅力。   近年來，台灣越來越多年輕設計者，憑藉著對土地和家鄉的熱愛，期以符合現代的美學觀點，積極投入、重塑傳統工藝的多元面向，而Roger創立的「Tomood土與木之間」，更含納了他對台灣國產木料的關注和理解，他期待在地材料能走進每個生活空間中，讓材料、工藝和人，共築更多的可能性。 作品製作過程，現階段品牌所有商品皆為設計師手工打造。 Roger自述幼時居住於山上，算是個「山裡來的孩子」，從小接觸森林，很喜歡樹木富含的溫潤質感和獨特香味，就算長大成人，每每聞到木頭香氣，就彷彿回到小時候寬廣無際的山林中，能夠感受身心的舒暢；與木作家具相遇的起點，則是大學時期受到「國家級匠師」黃俊傑老師啟蒙，首次接觸木藝的Roger，不僅開拓了對木材的進一步理解，這段歷程也讓他確信了自己未來的發展方向：從事家具設計。   用國產材料，製作屬於台灣的家具 畢業後，他便按照預期進入家具與生活用品產業，並在美國家具電商品牌擔任設計主管一職，長期設計適合外國市場的品項，令他不禁萌生一股想法：「台灣家具曾享譽國際，70年代曾有『家具王國』的美名，但隨著代工業由盛轉衰，目前台灣充斥著國外進口的家具，款式也多以歐美風格為主流。那什麼才是屬於台灣本土的家具呢？」 Roger企圖發展台灣風格的家具品牌，並挖掘國產材的更多可能性。   熱愛挑戰和創新的Roger，為了找出台灣家具的特色，便利用工作閒暇時間進修，學習「榫接」工法，透過了解、接觸傳統技法，企圖探索新的創意和切入思維；2017年時，恰巧碰上林務局開始推廣台灣國產木料，他訝異於台灣擁有如此豐富的生態，各有特性的樹種開啟他走入山林的契機，也在多方嘗試下，最後利用異材質的籐編結合國產材，設計出第一張椅凳作品，在經過競賽和展覽的洗禮下，收穫了來自各方的好評，遂開始研發一系列的家具產品，也就是品牌元老級的Corner系列，並於2021年的台灣文博會正式對外發表，憑藉國產材和天然籐編技術，打造出充滿台灣風格的設計家具。   衷於本質，強調素材的原有面貌 品牌名稱中的「土與木」，意指「本質」。Roger提到，土和木能拼組成「本」字，象徵著他喜愛物體和材料本質的初衷，因此品牌的核心概念正是強調天然素材的原始樣貌，所有品項製作完成後僅簡單塗抹保護漆，避免過多的人為加工或表面處理，藉此突顯國產樹種既有的溫潤手感和多元紋理；而木材生長於台灣，不僅更能適應這塊土地潮濕悶熱的氣候，亦可省去長途的運輸耗能，進而達到節能減碳、保護環境的目的。 設計師嘗試以雙手的力量，創造每件富含溫度和自然肌理的作品。   作為環保且可再生的天然資源，Roger期待透過雙手的力量與溫度，打造簡約、溫馨且高品質的木製家具和器物，成為日常起居空間中的靈魂要角；每件產品皆來自他對美好生活的爬梳和想像，構築舒適怡然的生活景致之餘，同時也默默傳遞木材的自然生命力，更嘗試述說蘊藏於家具形體上，屬於台灣的文化軌跡及技藝價值。 設計師手繪圖。   Roger進一步說道，國產木材的紋路特別，且色澤上較為多變，不過，木材來源相對不穩定，疏伐木徑小且有節，消費者的認知理解也較為薄弱。現有國產材多為小徑木和林業疏伐木，可以藉由創新的設計思維探索最適合的比例及工法，來突顯材料具備的特色，Roger擅長以複合材質和不同於過往的製造方式，翻轉劣勢使其成為獨一無二的亮點，例如杉類較為輕軟，可透過結構來強調它的輕量感，而簡潔的造型亦可彰顯杉類的豐潤色彩與花紋。 以手工壓籐技術製作的實木籐編收納盒。 另一方面，實木家具經常面臨的變形、軟材碰撞等問題，Roger則強調，木頭是會呼吸的素材，需順著它的脾氣和習性，以不同的製作技術呈現，而過程中的乾燥、表面塗裝等細節，更是不能馬虎的環節，成品才能因應台灣的天氣型態，長久陪伴消費者。   用雙手實踐腦海畫面 設計是一門很廣泛的領域，除了本身的知識，更多的是日常生活的體驗和積累。Roger提到，他不會為了設計而刻意去尋找靈感，但平時已養成良好的閱讀習慣，吸收國內外包含建築、室內設計、服裝或藝術等範疇的資訊、趨勢和技術，也非常喜歡觀察日常生活周遭的小細節，並會將每次迸發的靈感記錄下來，這些看似隨筆、隨興的思緒，都可能在某個時刻串成概念的起源，他很享受這種靈光乍現的感受，也因為熱愛挑戰、挖掘新知的個性，讓他得以時刻保持著創作的熱忱而不顯倦怠。 製作每個品項前，皆會再三剖析結構細節，並不停試驗。   目前「Tomood土與木之間」的所有商品皆採耗時耗力的手工模式打造，Roger笑稱現在是「做不及賣」的情況，但當初之所以自立門戶，就是希望所有的家具器物，從設計到生產，甚至是販售都能完全掌握在自己手上，唯有這樣才能隨時從各個角度和面向進行修正微調，並鞭策自己不停歇地追求更精細的製造技術，讓商品的品質、價格最佳化。 消費者可依居家裝潢風格，選擇中意的木種。 雙手的溫度，賦予物品更細膩的質感，亦可因應需求挑選喜愛的木種、訂製專屬造型或特定尺寸，藉此顯現消費者的個人品味，設計者也能在每次的銷售過程中更貼近市場需求，提供更高端的客製化服務。   有台灣溫度的特色作品 此次榮獲金點設計獎標章的「Corner長凳」，設計概念取自台灣早期常見的實木與籐製椅凳，設計師透過異材質的結合，重新演繹舊時記憶，並以輕盈、圓潤、極簡的造型，使其適切融入現代的居家風格中。 此次獲得金點設計獎標章的「Corner長凳」。模組化零件的運用，可滿足單人至3人座的需求。 椅面使用高品質且天然的籐材製作，具高延展性又十分輕量，網狀結構適合台灣海島型悶濕氣候，相較木材質坐墊更能達到透氣涼爽的效果；烏目籐編技法習自台灣老職人，強度更能符合載重需求，無金屬釘的壓籐技術更可利用籐芯卡扣固定住木材和籐編，提供了未來維修的便利性。 椅面選用高品質的籐材，透氣涼爽且承重效果佳，適合悶熱潮濕的台灣。 簡約線條和大R角的椅腳設計，不僅使結構更為穩固，也突顯了木材的紋理和溫潤度。 考量到國產木材輕軟、色澤豐富等特性，Corner長凳的簡潔線條和大R角的椅腳設計，增顯其特殊紋理和木頭細潤的質地，所有結構皆以傳統的榫接技法，並加厚內部結構板材，拉長使用年限；此外，模組化零件的設計，僅需3至4個零部件即可製成單人至3人座，若日後導入量化生產，也能依市場屬性調整並客製。   「Arch Table」是品牌的生力軍。以木材和金屬等複合元素搭組，賦予家具更多變的表情。 而最新推出的「Arch Table」，雕塑感外型採用國產材和金屬製成，融合不同材料，並放大所有細節特徵，使其成為一組可高低搭配或單獨使用的多用途邊桌，輕巧的體積和精緻的造型，能夠與各式沙發、單椅或床頭相互呼應，圓潤弧線亦能渲染出和暖的居家氛圍。 實木籐編收納盒與籐編托盤。   至於人氣品項「實木籐編收納盒」同樣以國產木搭配傳統籐編工藝，木框部分擷取紋路與木節位置，平衡視覺之餘又能顯露木材特色，平整的接合邊緣以及手工壓籐技術亦強化了質感，共有3種尺寸以符合不同空間、機能的使用需求。 上述作品皆於日前代表台灣前往法國參加2022巴黎時尚家居設計展（Maison & Objet Paris），用台灣的材料，述說屬於台灣這塊土地的點滴故事。   成就感，是創業里程中最大的鼓舞 台灣木料的豐富花紋和芳香氣味予人十分深刻的印象，參展時常常接收來自消費者的回饋，他們驚豔於國產材複雜花俏的紋理，卻能藉由設計呈現其優雅簡約的一面，也因此，「成就感」是Roger最大的收穫，看到消費者喜愛商品並開心地使用著，是他努力堅持的最大動力。 參與2022年文博會。利用商品構築居家情境，使人更能體會木作家具的美好。 Roger還說道，創業是非常艱辛且困難的挑戰，尤其是品牌剛成立時，即遭遇新冠疫情攪局，需要針對營運狀況不斷彈性調整，不過，他依舊認為自己很幸運，遇到很多好機緣，也有許多貴人的協助，才能撐過那艱辛的一段路。 「Arch Table」的製作過程。此為前期比例草模。   針對品牌日後的發展願景，首要規劃是努力開發新商品，優化品牌營運，不論是庫存、通路或人才培育等，仍有許多難題需克服。放眼未來，Roger希望建立屬於台灣的家具風格，進而扶植國內林木產業，帶動生產量和產業鏈，並加強與不同領域的鏈結跟合作，讓國內外更多人喜愛並認可台灣的家具設計。 嚴選天然質材，在自然採光照射下更襯托器物的韻致。 在台灣發展家具事業實屬不易，必須時刻調度策略才能向前推進，因此他也建議有意願創立品牌或是從事設計相關產業的有志之士，要善用有限的資源且多方嘗試，最重要的是要不斷腦力激盪，進行創意發想，從而找出品牌專屬的獨特性，才有可能站穩腳步、踏實邁進。   資料及圖片提供」Tomood土與木之間 採訪」陳映蓁

提到全球酒店、豪宅與會所的創作團隊，必然會見到CCD（鄭中設計集團Cheng Chung Design）蹤影，在創始人鄭忠的領導下，CCD秉持傳承東方文化之理想，以「東意西境」理念，在競爭激烈的設計市場上斬獲一席，每每發表新作總是精緻中蘊藏新意。 投身設計領域30 餘年，鎮日工作繁忙，鄭忠卻未顯倦態，回首一切，他自承，設計是己身鍾愛之事，不僅貫徹生活，也是人生最精彩的部分。從學生、老師、創業後成為領導者，至今他依然守在最前沿，堅持將一半以上的時間投入到設計裡，未曾懈怠；這份執著，正是對設計歲月的自豪根源。   鄭忠 Mr. Joe Cheng CCD香港鄭中設計事務所（Cheng Chung Design）創始人、董事長。 鄭忠先生曾擔任「CTBUH 世界高層建築與都市人居學會首屆室內設計評委會主席」、「Frame Awards 酒店設計類別評委」，被授予「聯合國文化大使」等榮譽。 帶領CCD從創立至今已獲得包括室內設計界最高榮譽“Gold Key Awards（金鑰匙獎）”最佳酒店設計獎項在內的逾百項頂級國際大獎，是首位囊括全系列酒店設計大獎的華人設計公司。 源起，來自建築養分 鄭忠從事室內設計迄今已有30多年，他成長於中國廣州，是早期一批進入廣州美術學院學習建築、室內設計的學生，畢業後順理成章投入教職，在教學之間漸漸察覺自身對於設計的熱愛，在希望將理論化為實境的趨動下，決定辭去教師工作，全心投入設計產業。   源自建築本科出身，鄭忠的作品總是透露出強調建築元素的意圖，他會從建築精神出發，藉由室內設計來呼應建築特色，為作品注入底蘊、質感與獨特性，形塑出富有內涵溫度的空間。在室內空間與建築結構並重的前提上，儘可能採用開放式手法，並呈場域流動與全觀視景，讓區域、裡內外都能共融對話，奠基了作品的大器格調。這些特色，無不構成CCD鮮明的辨識，日漸打開知名度。   旅行，用文化豐滿作品 要如何定義這個不斷成長且多元精進的團隊？鄭忠表示，根植東方文化，以國際視野傳遞東方創意美學是CCD的最佳註解。CCD在許多重要城市都有旅店作品，特別之處在於即便承接連鎖飯店委託，也執意為個案剖析獨特性，使其成為話題。 鄭忠認為，設計並非架空在無垠想像裡，它必須與在地有所共鳴，才能訴說內涵溫度。因此，他會從閱讀城市開始尋思靈感，喜歡四處遊逛，親訪歷史建築，浸潤於當地的文化氛圍與生活氣息。在旅行與工作相輔相成下，他特別鍾愛底蘊濃厚的城市，讓自己浸潤其中吸收養分；比如，京都古建築與東方禪意氣息，當地生活節奏與民眾對美感、細節之講究；在巴黎、紐約這些時尚之都親見豐富的時裝、汽車等設計領域的新穎創意。設計人向來講究五感體會，鄭忠也不忘親嚐美食，除了親至知名餐廳，也會體驗當地一些富有創意的特色餐飲，讓自己從五感經驗中汲取靈感，將之轉化成設計內涵，把當地氣息、生活風貌、歷史背景都映射入作品中，藉空間進行文化傳遞。    回顧眾多酒店作品，鄭忠尤其重視旅店內外細節與所在的環境、地理風貌能否完美融合，認為設計者看待空間時不能肆意天馬行空的脫離在地，應該完整地考慮自然、環境、建築、文化、工藝與永續關係，主張空間裡外合一，用文化積澱的內涵厚度造就旅店銘記人心之關鍵。他指出：「設計語言和手法只是一種實現手段，它創造出空間的『體』；從對地理、歷史、人文的思考中挖掘出情感與故事，才能為空間注入『靈』」。據此，設計者必須全面且深入的了解歷史脈絡，不單僅針對品牌背景的理解，也擴及對文化風情的探究，從縱觀視野裡擇取重點再深入挖掘，思索如何提取獨特要素再作轉譯，讓這些文化元素如同針線密縫著空間與內涵，在裡外相合中勾起關於城市的歲月記憶，為酒店道敘動人故事。   這份情懷，也透露出CCD以旅店作為交流平台，實踐弘揚文化之雄心，期望用設計語言表達根生東方的自信。例如，近期作品「成都東安湖木棉花酒店」位在成都龍泉驛，設計元素揉合了四川地貌、建築語言、當地文化，硬體空間結合古代驛站特色，引導賓客像似穿越時空般遙想舊時絡繹盛況，而軟體細節裡也利用竹椅、銅壺、藤編等符號呼應成都的茶文化，在文化內涵與當代空間相互揉合之下，生成具有在地意義的城市酒店。又或「九寨溝英迪格酒店」位於九寨風景區中查溝內，「中查」源自藏語「穹恰」的音譯，「穹」意指神鷹，「恰」是托負、承載之意，「穹恰」涵意為「神鷹降落之地」，這個美麗的名稱來自傳說典故，相傳格薩爾王的坐騎是一隻巨大神鷹，牠翱翔天際卻遍尋不著安棲之地，最後只有白堅山神守護的寶地能承載神鷹力量，神鷹終於得以降落棲歇，成了該地命名由來。酒店整體設計靈感源自這則傳說，以「藏‧ 藏」為主題，汲取祥巴、羌繡、犛牛、火塘等本地獨有的藏族生活藝術，再以當代詮釋將之融入酒店空間，領人像似走進一座藏式文化館般。   善用歷史文化蘊生空間質韻，讓美的感受超越物質表象，樹立旅店與眾不同的獨特性，成了CCD旅店作品的鮮明標記。     細節，造就奢華體驗 經手眾多知名酒店與高端品牌的空間設計，鄭忠被外界譽為「時尚先生」，隨著歲月洗禮，如今他心中對奢華的定義，早已從有形化為無形。他認為，時尚會隨著時代演變而不同，深入研析並且勇於嘗試，用作品反映時代脈動，不忘體察使用者真正所需，是設計者必要的功課。而真正的「奢華」則是精神層面的享受，而非物質表象的填充，舒適與質感只是奢華的入門磚，唯有深入人心、觸動內在的感動，才能道出獨特價值；因此奢華的感受必定深刻，卻未必有形。   談到如何將「奢華」概念融於空間設計？鄭忠分享，其中關鍵就在細節，用細節講故事，以細節造就品質來打動人心。以五星級酒店為例，CCD在執行設計時會深思使用者體驗，講究每一細節予人的感受，酒店代表著在異地的居所，必須如同家居般使人安心，也要提供比家屋更加別致的體驗，從設計美感、物料質地、選品講究到工學考量環環相扣，用全面的寵愛來駐留人心，舒心的虛實體驗使人嚮往難忘，是星級或精品旅店立於不敗的主因。   轉回居家設計視角，所謂「美好生活」的定義因人而異，「家」是業主寄託理想的具象體現，它如同高級訂製服一般，講求精準客製，功能上要貼合諸多需求，質地氣韻須與業主特質相應。細數CCD在各大城市的豪宅作品，像是北京三里屯一號、北京縵合、台北琢白、上海湯臣一品、深圳太子灣藝城灣樽等，件件無不依據業主的生活習慣、理想、需求而打造，以頂級用材、名品家具、定製藝術品、機能齊備且分工細致的場域規劃來實現客製價值，緊扣層峰客群國際化、重品味、精緻性的生活講究。     靈感，來自深廣累積 從事設計30餘年，鄭忠至今對設計工作依然熱情，靈感未曾枯竭。他認為，身為一位設計師除了鑽研本業的深度，生活體驗的廣度也不能偏廢，伸展觸角能讓人保持敏銳與好奇，是設計師必備的重要特質。以己身為例，他對汽車、時裝、美食、攝影等領域都深感興趣，喜歡翻閱各類雜誌，瞭解各行業趨勢，這些日常習慣不僅幫助自己掌握潮流，同時也助於啟發思考。鄭忠指出，時裝色彩、工業設計、攝影構圖都可能成為內在養份，設計人要自發的跨界體驗與開拓視野、對事物懷有好奇探索的熱情，讓各種經驗交織體會，趨動自身不斷感知、咀嚼、思考、再創新。   從廣泛閱讀中啟思當代工作空間的多元可能，可從CCD設立的53A、53B新體驗中心來印證，這座融合創新、趣味的探索性空間，不僅作為自由辦公的聚點，也是藝術收藏博物館、時尚選品店，以及融合智能運用的物料展廳，在在立體化CCD對生活與審美的品味。鄭忠也提醒，設計須與時俱進且表述個人觀點，深入生活、觀察趨勢、融會心得，從跨界感受去引發腦力激盪，從中產生新想法、新嘗試，讓自身保持設計活力。      跨境，緊密夥伴關係 除了公司自有團隊，隨著專案規模與複雜度提高，CCD也必須與不同領域團隊合作，在堅守專業之外，如何溝通順暢？鄭忠分享，彼此尊重是合作的重要基石，成功的作品都脫離不了良好溝通，為了確保施工品質，貫徹設計的完整性，CCD會主動與各方團隊對話、協調，確實掌控品質與工期。   商業空間的精確執行與溝通效率是CCD深受業主青睞的主因，至今合作夥伴已經遍及全球，鄭忠接觸的室內專案都堅持從建築概念階段即參與其中，依據地理環境與功能需求提出見解，同時也持續參與工程細節，務求整體裡外合一。隨著業務版圖拓展，CCD運作也日漸全球化，各地供應商會主動提供最新訊息、材料，CCD亦會思索將之運用於空間的可能，為彼此創造出代表性實例。而趨動供應商的推力就在CCD 不僅止於選用，更會重視設計與材料的緊扣，過程裡積極與供應商深入探討，思考材料為空間量身訂做的可能性，以最終成果作出最佳呈現，成為有力的樣本案例。此外，CCD也密切觀察趨勢並進行預測，盡可能為業主減輕營運成本，像是效率化的動線布局、坪效與多元運用可能，或是讓智能設施融於空間硬體，讓設計發揮出最大價值。     領導，奉行平衡哲學 CCD盛名日炙，至今專案、團隊、夥伴散布於各大城市，也因效率與品質俱全，被盛讚為「懂管理的設計師」。迄今，位於深圳、上海雙總部的在編人員已超過1000人，香港、北京、西安、洛杉磯、曼谷、孟買等地都設有辦公據點，運作龐大組織，在設計師與經營者的角色之間取得平衡始終是鄭忠的重要課題。他坦言，設計是門以人為本的工作，關於管理的功課至今仍在摸索中學習，也是自身每天面對的課題，由於本身是一位專業設計師，因此十分瞭解設計師的特質習氣，能以彼此理解的溝通語言領導團隊。然而，隨著事務所規模與成員日漸增長，人員背景、文化差異都提升了管理難度，對此他會從各地文化去解讀員工與掌握設計人的跳躍思維，制定明確目標，進行合宜的調動分配，確保組織活化並促進交流，讓團隊避免笨重僵固，使公司在激烈競爭中取得優勢。   身為一位領導者，對經營與設計的平衡需要付出相當的努力與取捨，對此，鄭忠會不斷因事因地而切換角色，謀取最佳平衡；內部管理上，思考如何聰明的化繁為簡，讓決策明快且執行暢通；與業主溝通時，深入體察表裡需求，力求團隊以專業與執行力達成目標，從創意到服務都不負所託。他也提醒，回到個人生活時，「平衡」亦十分重要，要懂得調節與去蕪存菁，莫忘工作與生活兼俱，不要顧此失佊。   效率，導入智慧動能 CCD講究專業、高效與國際接軌，隨著事務所工作據點分散各地，組織運作與眾多專案並行，為維護精準分工與溝通效率，CCD運用網路科技實行對國內外據點的統一管理，像是採行電話會議、視訊會議、智慧管理系統等，消弭地域與時間的限制，確保團隊齊頭並進。 而軟體建置方面，則利用物聯網與資料庫，讓各專業部門在雲端交流，實現工作平台化與高度合作等目的。與此同時，CCD亦致力實現設計參數化、施工智慧化、運作標準化、管理規範化，在這些基石上不斷改善與提升，確保設計、工程、管理都能精確掌控，也因大量雲端數據，讓溝通過程累積的資料得以反饋為改善組織的依據，持續驅動建造、驅動運維。   再者，CCD採行大公司小工作室的模式，目前擁有近20個工作室，智慧系統讓溝通方式多元、靈活，分散各地的工作室利於組織收集情報、縱觀趨勢，讓團隊能與時俱進改變，高效溝通也有利於緊密成員關係，讓團隊擁有大公司的高凝聚力、品質穩定等優勢，同時保有小工作室的靈活積極、自由創新。鄭忠提醒，管理者的角色有如船長，要穩定掌握航行方向，信任團隊成員使其各司其職，朝向共同目標前進，同時也要時時洞察可能性，使團隊力量作最佳發揮，在漫長的航行中偕同創意本質乘風破浪。   「擇一事，終一生」是鄭忠面對設計的態度，從學習設計到投入產業，他始終堅守在前線，對設計、對理想矢志不移，縱然過程難免辛苦與寂寞，但持續學習吸收，拓展眼界閱歷，一再自我突破，迎來了豐收纍纍的設計人生。對於有志事從事設計領域的後進，他借用建築大師梁思成先生之語勉勵：一個好的設計師必須要有哲學家的頭腦、社會學家的眼光、工程師的精確、心理學家的敏感、文學家的洞察力和藝術家的表現力。在設計職涯上，所有的實現都勿忘以人為本，以理想為動念，創造有意義的作品。      作品賞析  深圳前海嘉里大廳 〉〉用極簡道出跨時代美學。 本項目位居海灣的高端金融區，地塊鄰近佈滿綠化空間，專案為綜合社區性質，由綠化廣場、商業、辦公、公寓等業態組成。 整體設計希望以「回歸」為主題，創造溫暖明亮的空間，引導大眾以新視角回望所在城市與人際關係，以抽象漸變元素來延續建築語言，用造型石材與木紋的對比產生自然意象，同時奉行「少即是多」的極簡美學，賦予空間跨時代的美感，以及表達重視環境與情感交流之本質。 所謂「回歸」，在這個作品裡意味著從漸變到融合。漸變使空間產生鮮明的節奏感，從大到小、從小至無，從遠處看是和諧的整體，走近能再細賞諸多細節，予人一種遠望近觀各有風景之妙趣，而淡雅溫暖的背景與光色，則意味著「融合」，如同春日暖陽一般給人溫和舒適的感受，走入其中自然而然地放鬆與交流。     北京龍湖總部 〉〉重視交流的高效空間。 打造一個舒適、高效、美觀、實用，具備園林環境和節能效率的超級辦公總部是全作的設計目的。室內布局重視靈活分割性以及清晰高效的動線，挑高大廳是入口、展廳與活動場域的樓層，留有寬敞動線並調整階梯尺寸，令整體顯得大氣，大階梯東側電梯廳出口處可作為訪客或員工的交流地點，大階梯的背面區域增設咖啡吧，豐富大廳功能。 挑空三層樓的大中庭是整棟大樓的核心所在，可滿足不同類型的場景使用，提高中庭使用率。每一個樓層增設三座垂直交通的樓梯，緩解上下交通的人流，創造更加高效便利的辦公環境。全作以多樣化的水平與垂直動線串連，重視多向採光可能，細節處加入綠植或自然意象元素，使公共空間處處隅藏驚喜，在人與人、人與空間、人與日光的交流中，豐富了互動可能。     深圳太子灣公寓 〉〉讓寓所與雲彩碧海共舞。 這座享有海景的豪宅寓所，以浩瀚的雲彩、遼闊碧海為創作靈感，用「灣畔綠洲」之概念貫穿，重新詮釋自然、生活、藝術三者之間的關係。大廳強調有如遊園的體驗，重視空間的流動性和通透感，讓室內與環境灣景相融合。 公寓戶型採用大量的純色背景襯托家具質感與壯闊視景，充分利用建築落地窗口優勢，公共空間重視場域相互延伸，讓人在動線上能不斷領受海景，布局的通透性與局部鏡面材質之運用，亦促使室內外產生對話，居住者與湛藍海色在生活裡此展開詩意邂逅。較私密的臥室或衛浴空間精心規劃，力求將多種功能併入同一量體之中，體現功能與美學並重的完善思考。 全作回歸生活本質，關注居住者的情感需求與生活期待，以時尚且精緻的場景創造「有溫度的人生港灣」，在海水流動性和通透空間裡，時時對話的窗外光影與城市美景成了日常享受。      北京通盈中心‧三里屯一號BOTTEGA VENETA 〉〉奢華優雅的經典風采。 BOTTEGA VENETA（以下簡稱BV）的美學是含蓄細緻的，一如它自信、優雅且忠於自身風格，此作力求以簡約低調之姿，展現高貴與雅緻。整體設計精神，在以BV 含蓄細緻的美學打造一座奢而不華的居家，將品牌元素融於空間設計，致敬經典。 整體風格延續BV 一貫的嚴謹、低調，講究質感，突出格調，而中性色彩與精緻選材，令整體流露穩重質感。超尺度的廳區設計重視開放性，270度落地窗的景模糊了室內外的界限，從公共空間至臥房的規劃無不強調藝術、精緻、高雅。 柔軟細膩的皮革是BV的驕傲，為了達到和諧且鮮明的視覺效果，編織元素貫穿了家具、燈飾，配以藝術陳設共同演繹義大利式的精湛工藝，無一不彰顯品牌獨特風格以及雅致不凡的品味。     九寨英迪格酒店 〉〉披上神祕傳說與在地文化的彩衣。 九寨英迪格酒店坐落於中查溝內全新的魯能美麗匯小鎮核心位置，九寨溝風景區、「嫩恩桑措」神仙池、多彩中查等美景近在咫尺，當地地名意指「神鷹降落之地」，此一吉祥寓意啟發全作以「藏‧ 藏」為主題，汲取當地的藏族生活藝術形式，通過當代視角賦予嶄新詮釋，使酒店像似一座開放的藏式文物博物館，傳達當地民族的內聚力和認同感。 大堂空間模仿神鷹視角，以挑高開揚感受迎賓，櫃台背景玻璃板上的神鷹翅膀領人重溫傳說。「火爐」是在地文化的重要體現，視為中心在四周編入地毯、座椅、吊燈、原木元素與藏族圖騰，以別富異域色彩的休閒感迎賓。餐飲空間處處可見藏族文化之貫穿，像是以火塘為原型重現藏房裡圍爐相聚的場景、傳統唐卡或壁畫等色彩元素之裝點、青稞架作為牆面裝飾特色。客房設計融入了藏式傳統貴族府邸的意象，不對稱的床頭設計表現當地特有的民族圖案，細節上則有木雕、織錦、壁畫等元素與之相呼應。      南京園博園悅榕莊酒店 〉〉在空間與環境對話裡創造詩意。 南京悅榕莊位於湯山之上，曾經有如仙境的自然風貌因人類開採而破壞，透過生態修復，思索裡外自然應和，重修空間與環境的關係，是此作的課題。從大自然「孕育‧ 破繭‧ 新生」的生命規律獲得靈感，將湯山本地廢棄石灰岩礦山的光、石、林、雨等元素解構重塑，構造出一處全新的「礦谷秘境」。 整體建築及空間比擬生命的孕育體，以極簡現代手法呈現「破繭重生」的生命力，以「繭」為形，簡約線條與竹編藝術層層錯落，純淨無暇有如母體。弧線造型使空間柔和圓潤，通過對空間的重塑，給予破繭重生的蛻變感與驚豔感，又如同張開環抱的臂彎，賦予了空間如家的歸屬感。 為了達到建築空間與自然融合的目的，使用天然材料強調尊重生態的持續性概念，以大自然作為媒介創造出一種富有藝術整體性情景的藝術形式。全作以「光之穀」、「時光林」、「螢之穀」、「雨之林」、「石語徑」意象規劃公共與餐飲空間，在大面落地窗相佐之下，自然成為主景，道出空間與環境共生的精神。 資料及圖片提供」CCD（鄭中設計集團Cheng Chung Design） 採訪」室內雜誌編輯部  

鶯歌：振興陶瓷計畫 重整產業願景，突顯知識價值   新北市的鶯歌，是T22計畫的首發站。這是個充滿手感溫度的小鎮，擁有豐沛的製陶文化和技術，然而在時代的推進下，面臨轉型的迫切需求。艾副認為，鑑於現今的網路和潮流趨勢，消費者的眼界，以及生活品味皆大幅提升，而鶯歌長期著重於代工生產，在地業者的品牌觀念不足，導致商品同質性高，缺少獨特的個性跟特色，長久下來突顯出鶯歌陶瓷品的劣勢。 T22計畫看見陶瓷文化與傳統工藝的存在價值，希望尋回鶯歌製陶的榮耀感，不論是生活陶、建築陶、藝術陶等範疇，都能發展出屬於在地的風格，道出產地自信。   產地明星的誕生 設研院除力邀日本中川政七商店團隊首次跨海輔導「新旺集瓷」，全方位體檢企業品牌經營，打造明星等級的在地品牌：「KOGA許家陶器品」；也與「燕三条 工場の祭典」推手、日本創意企劃公司method總監山田遊（Yu Yamada）聯手建立「產地學院」，凝聚在地店家並媒合跨領域產業，共同打造聯名商品企劃，業者陣容橫跨中式桌菜、精緻糕點到配餐茶酒以及當代藝術，提升鶯歌整體的產地能量。 T22鶯歌另外亦規劃「工廠見學」，打開工廠，讓製造現場成為知識型的觀光資源。   爾後，亦與國內旅遊集團合作企劃「Open Factory工廠見學」，讓工藝製造現場成為不遜於自然景觀與文化遺產的觀光資源。工廠的知識學，是近年全球的熱門話題，「打開工廠」是一場知識型的旅遊，在不改變現有環境、製程的前提下，利用指標與燈光設計與動線整理，邀請民眾走進工廠，看到陶瓷產品實際的製造工序與生產情景。由設研院媒合5家設計公司與5間陶瓷產業鏈上的工廠，將減法美學導入工廠環境，踏進一般不對外開放的製造現場，近距離觀賞各種工藝品的誕生過程、參與一切「進行中」的製造狀態。   重新擦亮陶瓷之都的光芒 今年是T22計畫進駐鶯歌的第三年，設研院與日本專家們退居顧問角色，將於8月26日至28日交棒予安達窯、新太源、臺華窯、新旺集瓷、陶聚與傑作陶藝6個品牌繼承者們成立的主導團隊，聯手策劃「鶯歌產地開放日Yinggooo」。 新太源－曲面貼花工藝。 取「go」與鶯「歌」近似音，以片語「go to」與利用字尾重複g、o字母，帶出正在「進行中」的動態意象；同時帶出三大活動主題：「go to factory工廠見學」、「go to market限定市集」、「go to shop老街限定店」，藉由串聯老街和工廠，塑造「綜合體驗空間」，彰顯鶯歌滿城活力，站穩復興腳步。繼承者們感性地說，「鶯歌產地開放日是一群來自鶯歌的孩子，對於地方情感的延續，互相合作而琢磨出的寶藏，希望能吸引新一代民眾的目光，帶給鶯歌陶瓷產業新生的氣息」。 傑作陶藝－透過再生陶瓷演示循環經濟。   艾副也說到，近幾年陸續有多位鶯歌寶寶誕生，她認為這是當地開始找到未來目標的象徵，不論是新生兒的到來，或是品牌的新生，皆代表著鶯歌有更深厚的能量跟能力邁向未來；同時，也越來越多當地人期待加入T22的群體中，這些美好的一切都令團隊深受鼓舞，希望和在地人一同耕耘，使鶯歌重返陶瓷之都的榮景。 北投：活化地域品牌 食癒開發，盡享四季之味   台灣各地有諸多具內涵、發展意義的品牌，可惜不夠全面跟廣泛，彼此之間也缺少合作，無法創造雙贏、甚至是多贏的局面；因此，有別於鶯歌和花蓮振興產業的切入點，T22在北投發展出另一種模式，近似地域活化的概念：推廣北投農業。 北投地景。 多數人不知道北投存在著台北市區裡最大面積的友善稻田、唯一綠色保育認證的咖啡莊園以及數座有機認證的精緻蔬果農園；北投的「都市農業」雖有先天的自然優勢以及鄰近都市的地理位置，卻因規模較小、產量較低和季節氣候等因素影響，難以發展出符合成本效益的商業模式。 將北投產地直送的農產品創作為精緻美味的北投宴禮盒。 T22以設計角度切入「都市農業」的發展瓶頸，重新建構北投的「療癒產業」生態，結合原型農業生產者、餐飲店家、飯店業者、設計行銷與媒體專業人才，創造兼顧自然與社會永續的新型商業模式，讓農業走進都市日常。 之外工作室與大地酒店秉持宴席精神，以十人桌席套餐復刻酒家菜。   艾副提到，在田野調查的過程，發現很多在地業者不清楚北投居然有農業，如何找到正確的命題，找出更多可能性，是T22在北投的著眼點。如同大地酒店李昭明主廚所言：「在北投生活了幾十年，因為T22計畫而重新認識北投。」她很開心可以織起各行各業間的合作網絡，縮短產地到餐桌的距離，引領民眾感受北投的點滴。 上篇：T22設計振興地方產業計畫 專訪艾淑婷副院長 資料及圖片提供」台灣設計研究院 採訪」陳映蓁

台灣設計研究院（Taiwan Design Research Institute，以下簡稱設研院）自2019年起推出「T22設計振興地方產業計畫」，以「產地」為概念，從設計角度切入地方創生。「T」意指台灣（Taiwan），「22」為台灣22個縣市，台灣有著精密的製造技術，不過由於世界經濟的快速轉變，致使眾多產業聚落出現式微現象，設研院期待藉由與國內外專業設計團隊合作，重新整合包含製造、行銷、通路等資源，與消費市場鏈結，為觀光和經濟發展賦能，與產地的生產者們攜手突破困境，迎接新生，創造加乘價值。 由角白設計工作室操刀的T22計畫Logo。融合計畫理念和元素，解構為品牌標誌。 時至今日已陸續在鶯歌、北投與花蓮等地發表相關計畫，並收穫了來自各方的迴響。《室內interior》於本期企劃中專訪身為T22計畫推手的艾淑婷副院長（以下簡稱艾副），請她分享站在第一線的觀察、當設計介入後激起的漣漪，以及對台灣產地最深切的期許。   台灣設計研究院 / 艾淑婷副院長 從外貿協會基層、轉任台創中心創始團隊，在2020年升格為台灣設計研究院，近30年的設計推廣與創新跨領域整合工作經驗。短短兩年，台灣設計研究院完成許多設計導入公共服務創新行動，其中學美美學計畫陸續獲得國內外重要獎項，包含2020年日本G Mark Best 100、金獎及全場大獎、德國iF設計金獎，影響台灣教育現場，培育國家未來領導人。除此之外，艾淑婷也推動如微改造新竹火車站、衛生所再設計、消防設備設計規範系統、公運美學導入北花線回遊號設計、台鐵便當店品牌形象設計等公共服務創新議題，同時擔任設計導入防災教育的社會設計行動、T22產地復興計畫等計畫發起人。   台灣的經濟結構，一向以工業生產與製造業為主軸，而MIT（Made In Taiwan）的品質也聞名於世。不過，環顧全球趨勢，「設計」正以前所未有的速度影響世界，它在國家經濟、文化、社會當中所扮演的角色重要性與日俱增，因此政府於2020年將「台灣創意設計中心」升格為「財團法人台灣設計研究院」，期許運用「設計力」整合政府跨部會的資源，成為重要的施政價值和發展策略，並持續引領產業和社會的永續發展。 DIT的時代已經來臨，設計將是改變產業、改變台灣的一大關鍵  艾淑婷副院長於採訪中提到，2020年不僅是設研院的成立元年，團隊也於同年獲得總統創新獎，證明了台灣從硬實力轉向軟實力的時代已經來臨，設研院致力往DIT（Design in Taiwan）的方向邁進，期待用設計改變台灣、讓台灣被世界看見。   台灣土地雖小，但擁有強大又旺盛的產業能量，也聚集了各領域眾多的優秀人才，不過，隨著時代變遷，產業逐漸面臨發展斷層和轉型的迫切需要。經濟部於1989年即開始推展「一鄉鎮一特色」（One Town One Product）計畫，協助中小企業利用各地特色為基礎，配合知識經濟概念為前導，創造高附加價值的新型態群聚式經濟體。 T22計畫首發站選定於鶯歌。設研院以設計角度切入，重塑文化與工藝的價值。 而設研院在前身「台創中心」時期，就開始從事產業輔導，甚至也擴及國際拓展和展會行銷等面向，艾副表示，在這些過程中，團隊觀察到頗為現實的狀況，也就是製造業的現行模式和所謂的創新，彷彿隔著一道鴻溝，而傳統的地方輔導又多為針對單一個案提供協助，並未兼顧整個產地發展，這樣的形式可能已無法滿足台灣在這個時代的需求。於是，設研院著手研發型態計畫，T22因此應運而生。   拉近產地、設計界、消費者的距離 台灣的製造業大多為群聚型態，現今面對的嚴峻挑戰，就是「世代交替」。年輕一代或許有接班意願，卻對老一輩的經營方式未必認同，世代之間的溝通不甚順暢，再加上，年輕人雖有意願進行改革，但他們不知從何下手，對於未來的定位發展也備感困惑；而所有的改變創新，都需要有縝密的計畫以及充沛的後援支持，才得以持續發展，T22便是集結眾人力量集思廣益的計畫，替這些有決心改變的年輕接班人們，打造一個具可能性的未來。 T22鶯歌「產地一顆星」與中川政七商店團隊全方位體檢企業經營，打造明星等級的在地品牌：「KOGA許家陶器品」。   「地方創生」的概念源自於日本，根據行政院揭示的資料，期待透過盤點地方既有「地、產、人」的資源優勢，確立獨特性和核心價值，再導入「創意（設計力）、創新（生產力）、創業（行銷力）」的輔導機制，為地方注入發展動能。 艾副則強調，地方創生不應該是單打獨鬥的現象，設研院提倡協助地方凝聚共同的目標，十分強調「共榮」，換言之，必須讓繼承者（接班人）們一齊擬定前進方向，在地業者彼此有了共識後，才有動能激起外界的關注度；由此可見T22計畫的使命：帶動地方活化、加深年輕人參與，以及吸引國際市場目光。   地方創生不該單打獨鬥，共榮才走得長遠  設研院在T22計畫中，則扮演串聯產地、設計界、後端推廣等細節的「平台」角色。艾副進一步解釋道，台灣長年來養成了非常多的設計人才，數量應該是亞洲之冠，但是，過往設計與傳統產業的串接機會較少，設計者們缺少大展身手的舞台，是一件非常可惜的事情；在這樣的前提下，設研院藉由T22計畫，將地方製造業和不同領域的專業人士相互結合，透過完整的機制，讓設計、行銷、懂得生活的人，一同替產地打造新的經營態度，也制定出一套具前瞻性的流程。 T22鶯歌「產地學院」則推出跨界聯名商品，演繹陶瓷的更多可能性。臺虎精釀與安達窯Anta Pottery結合瓷器、茶、與啤酒，創作茶酒杯對杯禮盒。 過去，商品是製造業的主軸，所以業者不斷地精進技術，以期創造出令人驚艷的成果；T22計畫進場後，則是更加注重「體驗」的環節，企圖使精緻又極具品味的商品，替消費者的生活增添質感。 產地挑選之原則與切點 T22計畫非常重視產地一路以來留下的軌跡，是否具備精闢的know how？是否有永續發展的能量？是否能承接各種不同課題，願意並肩開創新藍海？台灣許多鄉鎮的製造業，面臨了代工式微、與觀光、消費行為脫鉤等困境，各公司的決策者或接班人，大多也缺乏溝通合作的機制，導致產業氣氛略顯呆板無生氣。   T22鶯歌。永心鳯茶與郭詩謙（大謙堂）開發一壺二杯。 T22團隊每年會挑選2至3個產地，透過「把脈」的方式，邀請學界學者、日本專家一起走訪當地，進行田野調查，仔細剖析設計進場的適切性。現地踏查的重點，主要在於能否尋找到有企圖心、有話語權、能影響同業的年輕一輩，藉此拉起彼此的手，共同引動產地的發展；第二，觀察產業整體的上中下游連結是否密切，若嚴重斷鏈則有修復的困難；第三，接班人們是否能共同制定出未來發展方向的雛型，並順利說服上一輩給予支持和投注資金，這些面向皆為所關注之焦點。 前往花蓮田野調查的紀錄。圖片提供：沿岸製作 T22計畫目前已進入鶯歌、北投、花蓮三地，艾副說道，團隊在決定產地的考量如上述所提，他們重視在地業者自身的企圖心，有沒有關鍵族群願意跳出來承擔責任、進行整合，讓當地可以持續活化，而非一味的倚賴政府資源。   除了確認產地本身的能量，設研院作為連結跨域協作的發散地，會引進優秀的設計者一起合作。針對設計團隊的選用依據，艾淑婷副院長提及，台灣其實有許多充滿熱血和理想的設計從業人員，卻受限於市場而無法一展身手，有鑑於此，設研院積極開發各式項目，包含校園美學改造、工廠再造，甚至是公部門設計案等，讓這些人才得以實踐對於社會設計的理想。  T22北投團隊合照。 而國內外的眾多設計獎項，則是挖掘優秀人才的管道，設研院作為中介者，會主動邀請適合的設計者或團隊進行提案徵選，再委請具備高度市場觀點的專家顧問輔佐，以更明確與有效率的方式，保障設計方與業者的合作過程，讓產地風貌得以大躍進。   摩擦和衝突，都是成就蛻變的歷練 由於T22計畫大多面對較為傳統的產業，艾副表示，「世代交替」是最為棘手的一環，年輕人基於吸收了四面八方的新知，在價值觀和未來願景方面或許與父執輩產生了分歧，但是老一輩也並非不想改變，只是他們的成功經驗和現代已稍有落差，而「創新」這個詞彙又太過抽象，在無法想像的狀態下，他們通常會選擇較為保守的想法，固守自己打下的根基。 鶯歌產地開放日－繼承者們合影。 在改變的碰撞中，雙方的溝通和相互理解是相當難解卻又一定得面對的課題，有時候，說服家人其實最為困難，也因此，當雙方討論出共識、確立前進道路的那刻，才是重生的起點；艾副分享，曾發生過父親因為一路見證兒子站在第一線積極努力的身影，堅持著創新精神改革家族事業，使他大受觸動，兩人在發表會現場相擁而泣，這些感動時刻，都令艾副非常難忘，也成為持續推動T22計畫的原動力。   T22計畫的三大關鍵字：傳承、改變創新、永續發展    艾副自豪地說，T22將設計作為策略工具，並以「傳承」、「改變創新」、「永續發展」三大關鍵理念貫穿計畫架構，替台灣產業打造全新的發展模式，協助地方發揮特點，吸引人流，帶來新氣象；竭力凝聚產地的團結意識，從一個品牌到一群品牌，形成緊密的組織和力量，能夠自發性地規劃長期發展計畫，後期主要交由參與T22的繼承者們主導，設研院則逐漸轉為技術支援的角色，使地方創生不再只是曇花一現的短暫盛況，而是讓這股改變的意念得以在地綿延，激盪出更多火花。 T22北投發表會現場。   T22計畫根據不同產地定義出各自的問題、目標與對策，執行團隊運用設計思維，以Rebranding（品牌重塑）的概念，清晰爬梳在地優勢和特色，闡述各地的「自明性」，再透過co-branding（聯名）方式，打造話題商品，向外推展精緻的製作能量，帶領地方走出自己的康莊大道。 T22花蓮聯名商品。 艾副強調，台灣過往專注於提供幕後代工服務，但對於自身的自信並未有深刻著墨，她期待T22計畫成為具影響力的策略，重新挖掘鄉鎮地區的豐沛動能，將職人的精神及故事呈現於大眾眼前，讓優質的商品相伴你我的日常，讓台灣成為懂生活、懂體驗的國度，也能藉此開啟國際市場的注目。 下篇：T22鶯歌＆T22北投 用設計替產地敘事 資料及圖片提供」台灣設計研究院 採訪」陳映蓁

普立茲克建築獎得主，世界知名建築師安藤忠雄的生涯回顧大展《挑戰—安藤忠雄展》（TADAO ANDO：ENDEAVORS），自2017年由東京出發，歷經巴黎、米蘭、上海、北京，日前抵達世界巡迴最終站－台北，2022年9月13日前於松山文創園區一號倉庫重磅登場！ 本展由忠泰美術館聯手安藤忠雄建築展實行委員會共同主辦，並由旅日建築師龍國英擔任策展顧問，共劃分為「空間的原型」、「城市的挑戰」、「景觀的創造」、「與歷史對話」四大主題，展出超過300件作品，含括安藤忠雄的世界旅行速寫、設計手稿、建築模型、眾多影片與攝影作品等。 以「青蘋果」激勵大眾永保青春的學習之心。©歐陽青昀 展場一隅。©歐陽青昀   近兩年來世界壟罩在疫情的陰影下，人們備受限制，無法自由的飛越國界，忠泰美術館藉由引進本展，讓台灣觀眾有機會親身感受國際級建築大師充滿挑戰的傳奇人生。《室內》雜誌更邀請忠泰美術館黃姍姍總監進行專訪，與讀者分享策劃國際級大展背後的點滴和跨越諸多挑戰的心路歷程。   忠泰美術館 / 黃姍姍 （圖片版權©忠泰美術館） 現任忠泰美術館總監（忠泰建築文化藝術基金會）。日本國立東京大學文化資源學研究所博士課程修了，同研究所碩士、國立臺灣師範大學美術系畢業。曾於日本橫濱三年展、森美術館、國立臺灣藝術大學文化政策與藝術管理研究所工作。博碩士就學期間累積獨立策展經驗並發表多篇文章於藝文專業刊物。自2010年進入忠泰集團，於忠泰基金會任職時期，負責忠泰美術館最初籌備規劃及開館建置工作，2016年開館至今負責統籌忠泰美術館之營運與管理以及部分展覽策劃。個人專業領域為博物館學、策展、藝術管理。 【希望傳遞永遠保持開放心境與熱情，勇於接受挑戰的精神。】   展場一隅。©歐陽青昀 安藤忠雄（Tadao Ando）無疑是當代最具影響力的建築大師之一。他的重要性，不僅是遍布全球各地的建築創作，更重要的是他所帶來的訊息：「不自我設限，超越自我，不斷挑戰！」而忠泰美術館作為台灣首座聚焦於「未來」與「城市」議題的美術館，總監黃姍姍提到，在過去五年的時間，忠泰美術館已策劃約17檔展覽，不論是當代藝術抑或建築類型，每檔展覽最重視的即為思考與城市有關的各種面向，透過感性的藝術角度，或是理性的建築思維，爬梳城市脈絡，並剖析人和居住空間的連結。 展出安藤忠雄設計手稿、建築模型等，圖中作品為六甲的集合住宅。©忠泰美術館   1941年出生於日本大阪的安藤忠雄，曾擔任過職業拳擊手，他雖從未受過科班訓練，但基於對建築的狂熱，21歲便踏上了遍及歐美、甚至遠至非洲的自學之旅，藉由吸納名家建築精華化為自身養分，並在學歷至上的保守社會裡，以大阪梅田佔地30坪的「大淀工作室」作為指揮基地，進而開闢出日本當代建築前所未見的全新道路，更在1995年一舉榮獲號稱建築界諾貝爾獎的普立茲克建築獎。 「大淀的工作室II」模型。©歐陽青昀 2017年，安藤忠雄回顧展首站於東京六本木的國立新美術館（The National Art Center, Tokyo）登場，而忠泰建築文化藝術基金會於2019年曾邀請安藤忠雄來台，以《亞洲是一》為題舉辦千人演講，分享他執業以來，對於社會局勢的觀察和體悟，以及50多年來的心路歷程；雙方的合作關係由此拉起序幕，彼此奠基於深厚的信任關係，順利爭取到台北作為展覽全球巡迴的最終站。 「水之教堂」現場照。這棟建築可說是安藤忠雄將自然景觀融入建築設計裡的重要轉捩點。©Yoshio Shiratori 黃姍姍總監說道，安藤忠雄這位沒有受過正統科班建築教育的自學者，透過自身努力和不懈奮鬥的歷程，達到世界頂尖建築師的地位，因此展覽的核心精神，主要在於期待藉由闡述他的人生和創作，讓觀眾在拓展視野之餘，也能收穫不畏艱難、正面積極的態度，藉此面對人生中的難題與挑戰。 安藤忠雄與光之教堂。在沒有裝飾元素的室內空間裡，只有從正面透空的十字架穿透進來的光，成為教堂的象徵。©Araki Nobuyoshi   展場與內容的相互呼應 年屆80歲的安藤忠雄從未停止腳步，他將「青蘋果」視為青春的象徵，這個青春指的不是年紀，而是心態，只要保持熱忱，並以謙虛、積極的心態持續成長，就永遠不失學習機會。他更將《挑戰—安藤忠雄展》作為迎戰「建築」的半世紀奮鬥紀錄，他表示：「展覽5年巡迴過5個城市，最終站落腳在『對話之地』的台灣，是極具意義的巧合。希望本展能夠成為大家重新思考建築原點的機會。」 「21_21 DESIGN SIGHT」現場照。以「建築即地景」為主題，打造了「摺紙」造型的地面部分，以及擁有下沉式廣場的地下樓層，成為主要的展覽空間。©Mitsuo Matsuoka   展場特別安排在日治時代所興建的「臺灣總督府專賣局松山菸草工廠」，即為現今的市定古蹟「松山文創園區」一號倉庫內。黃姍姍表示，當初在規劃展覽場地時，不可諱言地的確非常希望安藤老師個展能夠在忠泰美術館本館舉行，不過，考量到回顧展規模甚大，且展品豐富多元，再者，作為主辦單位和執行單位，她與同仁有股企圖，希冀能將1:1比例復刻的「光之教堂」呈現於台灣觀者眼前。 「上海保利大劇院」現場照。不直接以外觀突顯存在，而是利用虛與實、立方體與圓管狀的相互交錯，表現充滿激情的內在空間。©Shigeo Ogawa 綜合上述理由，以忠泰美術館這個較為中型的展覽場地而言，有其布展上無法克服的限制，因此，便開始和安藤老師討論各種展示場地的可能性。當團隊提起有百年歷史、具古蹟定位的松菸倉庫為其中一個選項時，安藤忠雄馬上同意以此為展覽地點；黃姍姍進一步解釋，安藤忠雄秉持著尊重的原則，經手了許多歷史建物的再修復與再造，此次在松菸這座古蹟場域中展示他半世紀的心血，期待創造「沉浸式」的體驗，帶領觀眾感受建築和歷史承先啟後的對話。 中之島計畫II—都市蛋空間（提案）設計圖。©Tadao Ando Architect _ Associates   疫情下，策展及布展的挑戰 在古蹟中布展，的確備受考驗，以及有許多需要注意的細節。總監分享，因為場地較為脆弱，在空間整體建置上，無法採取「釘」、「黏」等侵入性手法或裝置，基於保護古蹟的前提下，在正式進場前，團隊經過非常多次場勘，確認內部結構與預計增設量體之間的關係，也在這些過程中，深刻感受到共同主辦的安藤忠雄建築展實行委員會，對於古蹟空間的崇敬和誠心對待。 「倍樂生之家 美術館」全景圖。在這座幾何造型的建築中，因應地形有一半埋藏在地下，讓內外空間進行了動態且大膽的交流。©Mitsuo Matsuoka   疫情不僅對生活產生巨大影響，對於各產業也造成許多衝擊性的變革。黃姍姍認為，忠泰美術館本館在過去兩年陸續舉辦了多檔國際展，面對疫情這個不確定因素，團隊練就了一身彈性因應的本領，並嘗試發展線上策展等策略，讓藝術持續走入大眾日常；不過，親臨展覽現場的共鳴和悸動依舊無法被取代，因此忠泰團隊不懼困難，堅持於台灣打造實體的安藤忠雄回顧展。 「地中美術館」現場照。此為安藤忠雄在直島上創作的第4號建築，形體與既有風景融合，完全隱藏於大地之中。©Tadao Ando Architect _ Associates 有鑑於展覽規模龐大，亦有諸多需關注、解決的複雜問題，所幸同仁們不厭其煩地與日方進行多次溝通，透過視訊、資料整理、圖片呈現等方式，企圖將心意及想法完整傳遞至日本；她進一步提到，在整個籌備過程中，能夠十足感受到日方團隊的信賴，甚至在進場和布展的當下，日方授權忠泰團隊能直接在現場做即時判斷與應對，這對一向嚴謹、要求品質的日本人而言，代表著全然的信任，這令忠泰團隊感到十分榮幸且開心。 對於建築產業的願景 安藤忠雄於展覽開幕的聯訪中，曾提到：「現在是男女平等的時代，我希望有更多女性加入建築領域，因此在展場規劃上，有特別思考如何讓女性對建築產生更多的興趣。」黃姍姍指出，安藤老師十分認同女性的能力和韌性，對於女性無限的發展可能同樣持肯定態度，這點令身為女性的她，深感鼓舞。 「海關大樓（皮諾私人美術館）」現場照。建築完全還原成15世紀的樣貌，僅在中央插入一個由清水混凝土牆框起的結構。©Shigeo Ogawa   另外，就她的個人觀察而言，安藤老師對於人類未來的城市發展亦抱持高度期待，他非常關注「尊重既有歷史」、「尊重自然」等層面，也期望建築行業並非僅藉由「新增」的手段，來塑造城市景象，而是需要營造與自然共生的環境，因此，在安藤的一些作品中，種植綠樹花朵甚至先於建築物。 「證券交易所（皮諾私人美術館）」現場照。依舊將新與舊之間的對話視為設計主題。©Yuji ONO 第二，他十分講求「團隊」精神，一棟建築的完工，絕非單靠個人就有辦法完成，而是必須由一群朝著相同目標的群體，共同努力、共同付出才得以實現，因此在展場入口處，特別展示一張安藤忠雄建築研究所同仁的合照，表達他對團隊的重視。另一方面，他也不斷在公開場合中呼籲世人正視地球環境面臨的危機，並傳遞他對人道的關懷，強調互相合作和理解的重要性。 「證券交易所（皮諾私人美術館）」手稿。©Tadao Ando Architect _ Associates 下篇：《挑戰—安藤忠雄展》展場介紹 資料及圖片提供」忠泰美術館 部分展場攝影」歐陽青昀 採訪」陳映蓁

以「成都方所」書店聞名，朱志康是設計師、是藝術家，更是一名書店創辦人，曾以家具作品獲得iF與紅點設計獎，並參與 2016、2017 年威尼斯雙年展官方平行展、2022 年屏東落山風藝術季等，更是大獲好評的 2019 台灣設計展「超級南」空間統籌，如此多元的身分來自同樣多變的職涯。本期《室內 interior》專訪朱志康設計師，了解其從國畫到空間設計的選擇心境、對於設計的核心精神，並分享諸多精彩作品的背後故事。 上篇：朱志康 奇蹟從「不可能」誕生 將原有結構柱體以水泥包覆，打造神聖氛圍。 成都方所書店：空間會走出自己的命運 介紹朱志康的代表作品，不得不提曾獲選 14 間「全球最美書店」之一的「成都方所」，自 2015 年完工並獲得多座國際大獎肯定，引領中國複合式書店設計風潮，至今開業 7 年，許多書店更迭淘汰頻繁，方所卻仍然在成都具有一席之地，有許多人將之視為經典。事後回想，朱志康談道：「空間會走出它自己的命運」，儘管施工時遇到許多超出想像的突發狀況，甚至開幕前需要整個設計團隊進入現場協助，還擔心成品會不符預期，結果居然大受好評，讓追求完美的他體會，很多事情做就對了，不必過於擔憂，每件作品都有自己的命運。   詢問朱志康認為「成都方所」相較現在如百花齊放的書店，有何與眾不同的魅力？他也有點摸不著頭緒，「或許因為我們並不是為了『被看見』才做設計。」 以特殊鑄銅材質包覆手扶梯，打造「豁然開朗」的視覺。 他解釋，設計一開始單純是為了解決尺度過於巨大的挑高地下空間，位於千年歷史的大慈寺旁，以此連想到將書藏於洞穴內的「藏經閣」，洞穴內以大切面的水泥包覆空間兩排原有柱體，建構出宗教般的視覺比例，跳脫一般書店配置，閣樓的藏書櫃與穿梭書與書中間的空橋，在「不能增建夾層、隔間」的條件下，完美地滿足了書店的機能需求。此外，空間設計上運用許多壓縮後釋放的手法，如入口的電扶梯即以鑄銅包覆，像是進入山洞前的神祕隧道，透過「豁然開朗」的體驗，加深看到主殿時的感動。   近年許多「網紅」書店將「吸引人潮進入書店」視為首要，但拍照、打卡後的下一步是什麼？為什麼成都方所可以令人「進入後逛到不想離開」？儘管自己因為閱讀障礙而不喜歡讀書，朱志康卻十分喜愛逛書店，在設計書店時，他會將自己視為消費者，去思考如何做出自己會覺得舒適、想一直逛的空間，因此在真正下筆繪圖時，所有空間格局、動線皆已在腦裡設想好。他認為，舒適美觀的空間固然可以吸引客群，但最重要的是要讓顧客對此心有所感，享受書店所給予的閱讀氛圍體驗。 兒童區，以圓弧造型打造親民尺度。   Jolab佐研院：信任與誠實，成就美的殿堂 與提提研面膜創辦人李昆霖在朋友介紹下認識，兩人一見如故，第一次會議便談妥了佐研院的規劃構想，而也是因為他與朱志康內心皆有喜歡「挑戰」的特質，才有獲獎無數的「佐研院」誕生。建築外立面高聳，潔白的外觀有如美術館，內部為 2 層樓的 8 米挑高空間，除了作為研發、生產基地，也需滿足對外展示、參訪等需求。 Jolab 佐研院坐落於高雄，為研發、生產美顏保養品的工廠。攝影：李國民 在規劃的過程中，朱志康與業主不斷溝通、把原訂提案推倒重來，發覺其內心真正的想望，是要打造一間「外國人也羨慕的工廠」，如果面膜是塑造容貌之美的作品，「我們是不是可以把工廠做成美術館、藝廊？」乍聽瘋狂的想法，卻得到業主的信任與支持。除了外觀運用設計手法放大視覺尺度，內部也以色彩、比例塑造如殿堂般的氛圍，讓空間影響人們的情緒與行為，使進到工廠的員工及參訪者油生崇敬之心，抱持著製作與欣賞藝術品的態度對待手上的產品，成就最完美的專業。 全白外觀打造殿堂神聖感。攝影：李國民   基地位於高雄，炙熱的南部陽光使得建築綠化特別重要，朱志康將其拆解為頂部的空中花園與半室內空間的懸吊式花園，讓陽光經過雙層綠化的綠蔭間照射入無塵室，懸吊式花園空間導入空氣對流降低室內溫度，讓無塵室節約許多空調與燈光上的能源使用。 植物的自然生機亦應證了廠房的潔淨，如果在設備層內的樹都能存活，何況無塵室內的設備及產品。朱志康笑說，自己也是因為這次經驗開始相信植物有靈性，原本開幕前樹已經有點枯黃，大家都覺得它應該活不了，但開幕後在大家的關心下居然越活越好。 半室內空間的懸吊式花園。攝影：李國民   由於室內僅能做兩層樓且樓高 8 米，1 樓研發中心與成果展示區以階梯式的設計做分區，抬高的研發中心下方，規劃作為庫存及運輸的區域。朱志康更靈機一動將無塵室的參訪動線上移，運用挑高空間 4 米深的管道層，做了 60 公分寬的檢修貓道作為參觀通道，使參訪者自上而下觀看，除了避免打擾員工作業，亦能看見最真實的工作狀況。 他分析，「大家都說這是最美工廠，其實不是美，而是最真實的工廠。」員工會因為隨時可能有人來參觀，所以端正自己的姿態，參訪客戶也因看得見每個細處的乾淨整潔，對於品牌專業產生信任。在設計時，朱志康會將自己置入參訪者、員工、老闆三者不同的角色去體驗空間，模擬每個人的心態、與空間的互動關係。   將參訪動線設置於工作區上方，呈現真實樣貌。攝影：李國民 關於佐研院的故事，最著名的即是那簡潔俐落的屋頂，在設計師的堅持下完美還原了設計構想僅數公分厚的線條。縱然所有人都反對將原有屋頂拆掉重蓋，業主仍舊相信他，一同將 99 分的作品推向 100 分的完美，而成品也不負他的信任，獲得了好幾個國際大獎，並受到外國客戶的讚賞。朱志康認為，佐研院的成功，除了感謝業主的信任外，最重要的便是「誠實」，真誠地坦白自己的需求，雙方才能合作，探索出切中核心需求的作品。   擦亮 HCG 工廠：「我們只是擦亮原有的，卻讓所有人找回自信。」 朱志康與 HCG 的緣分，始於台灣設計研究院「 T22設計振興地方產業計畫 」中「打開工廠」的活動，媒合 5 組設計公司與陶瓷產業工廠，藉由設計將民眾帶入實際工廠製造現場。面對偌大的HCG廠房，設研院找來擅長操作大尺度空間的朱志康設計團隊，期待給予這個近百年的台灣知名傳產品牌嶄新面貌。然而匠人們對於品牌的堅持，使提案過程不如預期的順利，他說道：「我們雖然很苦惱，但也還好他們拒絕了之前的提案，讓我們最後做了更重要的事情。」 打亮 102 米長的隧道窯具。攝影：李國民 最後完成的成品令人難以相信，他其實僅點亮了幾盞燈，以「光」點出那些美麗卻未曾被注意到的角落，如半完成品的輸送帶、102米長的隧道窯具、大型吸塵機具等，透過最輕的手法巧妙揭露並轉換他們最熟悉的日常，並「還原」原始的方向指示系統，制定可延續執行的指標設計規範計畫，並以百年前的鐵板噴漆技術，噴上企業代表色的藍色，加強日式工廠的氛圍。   「你必須跳脫設計師的既有框架，去看到空間本質上最美的那一塊」，朱志康說明，像集塵塔隱身於工廠兩棟建築物之間的陰暗角落，平時無人聞問、只想快速經過，但當他們打亮之後，才發現巨大的藍色集塵塔猶如八爪章魚延伸出錯綜複雜的管線，讓老舊的工廠頓時成了賽博龐克電影裡的場景，員工們會來這裡拍照、打卡，連在此工作30餘年的廠長都說出「原來我們工廠這麼漂亮」。 還原百年前的鐵板噴漆工法，打造簡單易懂的方向指示標誌。攝影：李國民   「其實我什麼都沒做，只是擦亮、還原，卻讓工廠從上到下的同仁找回百年產業的自信與認同，這是我覺得最有意義的事。」他提到，許多人會請他改造、裝修老宅，但其實只要經過妥善的整理，老物、老屋都有其自有的歲月之美。 朱志康反省，「設計不能以保護為名，卻行破壞之實」，很多老建築被抽走內涵的人與物，覆蓋上精美的設計手法後，反而失去了原本的韻味，本次HCG工廠透過「不加也不減的設計」，卻保留了工廠本身的美麗，讓空間與其中的人事物，自己講述品牌的百年風華。   藍色的巨型集塵塔宛若賽博龐克場景。攝影：李國民 資料與圖片提供」朱志康空間規劃 採訪」林慧慈

以「成都方所」書店聞名，朱志康是設計師、是藝術家，更是一名書店創辦人，曾以家具作品獲得 iF 與紅點設計獎，並參與 2016、2017 年威尼斯雙年展官方平行展、2022 年屏東落山風藝術季等，更是大獲好評的 2019 台灣設計展「超級南」空間統籌，如此多元的身分來自同樣多變的職涯。本期《室內interior》專訪朱志康設計師，了解其從國畫到空間設計的選擇心境、對於設計的核心精神，並分享諸多精彩作品的背後故事。   朱志康 擅長於將記憶帶入作品中，讓人們對空間產生共鳴。強調「真實」，不賦予風格，首要先了解空間的本質以及業主的需求，解決空間應用上的問題，讓空間擁有自己的個性。作品獲得多項國際獎項，曾被列為設計趨勢指標，並受到歐洲策展單位 GAA 邀請，在威尼斯建築及藝術雙年展期間展出創作，讓世界看到了現代新東方設計。   人生是一齣早就埋好伏筆的電影 大學時朱志康最常畫的國畫主題皆與空間有關，如廟宇、山水等，而非常見的花鳥靜物，這些養分也隱隱影響著他後續的設計風格，例如其最著名的作品「成都方所」書店中，柱子便沿襲了他過往國畫善用的比例與畫風，將廟宇的儀式感賦予到空間之中，壓縮視覺塑造出兩排柱體及中央的視覺核心，使書店產生宗教般的關係，而這些都是大學同窗所發掘，他才知道原來自己受到國畫藝術的潛移默化頗深。   從傳統國畫跳到設計領域，再一路從平面設計、產品設計，到後來踏上了更有挑戰性的空間設計一途，朱志康的生涯道路轉了好幾次彎，現在回首過往，卻發現一切早就埋下伏筆，「我以為自己是很有邏輯的判斷、選擇職業，後來發現我的國畫作品也是在畫空間，好像冥冥中安排了自己這條道路。」他以「電影」形容這一路的過程，非正科畢業、也未曾設想過志向，卻不知不覺地踏上這條路，像是早已暗藏伏筆的電影，身為演員只能隨著腳本前行。   參與 2016 威尼斯建築雙年展官方平行展，展出作品「山．水」。   揣摩大師的靈魂 「我從小成績不好，沒辦法跟人拚第一，也因此找到新的路、發現新的可能性。」人生路徑與大部分的設計師不同，令朱志康更加重視「獨特」的重要性，他笑說，自己很少從設計媒體上尋找靈感，因為那些都是其他人已經做過的設計，靈感應該是從生活瑣事的視覺體驗中發想，因此他更常看電影，或從事各種未曾挑戰過的體驗。此外，朱志康也會教導學生去研究大師的作品，「不要只看表面，更要學到大師的靈魂。」他甚至會去閱讀那些大師的自傳或紀錄片，以體會設計者創作的背景與心境。   談起自己心目中的大師，瑞士建築師 Peter Zumthor 是朱志康最為推崇的對象，更曾親自朝聖其 1996 年於瑞士建成的代表作品「沃爾斯溫泉桑拿房」。他分享，其他大師可能是代表一種風格、一種主義的極致，但 Peter Zumthor 的作品談的是精神與心靈性，一如其最新作品「布魯登．克勞斯田園教堂」以實驗性的手法打造出室內燒灼的痕跡，透過光與材質呈現對於宗教聖人的崇敬。朱志康相當佩服，「他的作品是一個體驗、一種感受，不是為了什麼機能而做的，走進去就像穿越時間，手法非常厲害。」 受邀參與2022屏東落山風藝術季，作品「來自海上的祝福」。 攝影：李國民   無關書的書店 體驗之於空間的重要性，亦可見於朱志康 2017 年所創辦的「無關實驗書店」之中，將其戲稱為一場「設計的極限遊戲」，推翻了他自己過往書店設計經驗中的那些「不可能」。雖然擘劃過大大小小的書店，但一開始拿到這個空間時，他們有兩年都想不出如何為其打造獨一無二的設計，後來他決定反向操作，做一個「沒有空間的空間」，書店內的燈光僅打在一本本封面向外擺放的書上，其餘空間則隱身於黑暗之中，將視覺感官上的設計提升至心理層面，塑造出一個「靈魂閱讀」的空間。 商業模式上亦創新，讓書店不只是賣書，而是販賣「閱讀」，他舉例，人們造訪酒吧除了喝酒，更多時候是期待享受酒吧的氛圍與體驗，書店為何不能如此？因此在入口處設置具有儀式感的「告別式」空間，象徵向外在桎梏告別，呼應「靈魂閱讀」主題，店內陳設、選書及活動皆經過精心安排，營運上則是需要購買門票進入體驗。 朱志康於2017年創辦「無關實驗書店」。攝影：李國民 書店已於 2021 年 6 月閉幕，朱志康笑說 3 年來的每個過程都是意外，原先只想做短期的實驗書店，沒想到大獲好評，中間經歷許多浮沉，在去年 3級期間終於下定決心停業，往下一階段邁進。他表示，做設計的過程就是一直在學習放手，無關書店的設計與經營更是一次挑戰放手的極限，一路上不停遇到巧合與奇蹟，「人生就是這樣，很多奇蹟，但奇蹟的本身必須要很誠實。」   奇蹟誕生之處 朱志康認為，從事空間設計，需要具備非常客觀的觀察能力，要能看見業主、空間、環境與自身的真實需求，才能以客觀角度提出可能方案，其中最難的是客觀地觀察自己，他也仍在學習，不去用自己習慣的手法思考問題，「如果不抽離自己，我們沒辦法看到新的可能性，完成的作品也會越來越相似。」 去年完工的書店空間新作「長沙open house」，將空間打造為一艘飛船。 他表示，每一個設計都是因應空間問題所誕生的解決方案，「找到問題、解決問題」說來簡單，卻是設計的根本，創意應該為了實用而服務，如果創意不能解決問題，創意就沒有用。 他喜歡去探索、實驗很多新的可能性，也因此他更喜歡挑戰別人認為困難、不可能的空間條件，從執業後第一個案子的小辦公室、方所書店的巨大尺度、無關書店的實驗，到佐研院的動線改造與 HCG 百年工廠，朱志康一直在挑戰各樣的不可能。他形容自己是「貪玩」的設計師，只要沒嘗試過、有可能性的，他都有興趣嘗試，「我發現只要有解決不了的地方，就可能會出現奇蹟；只要有卡住的地方，就代表只要突破了，就有一種新的可能性。」 「長沙open house」 下篇：朱志康 作品背後的故事：成都方所書店、佐研院、擦亮HCG工廠 資料及圖片提供」朱志康空間規劃 ​採訪」林慧慈  

輕盈通透的藍色壓克力板在日光下泛著微光，其上大小形狀不一的線條及輪廓組合成山景，如同那首你我都熟悉的詩句「橫看成嶺側成峰，遠近高低各不同」。這是臺北市立美術館（北美館）邀請新銳設計品牌「無園藝WU garden」合作設計的最新典藏衍生品「世外塵．花器」，以館藏藝術家姚瑞中的作品《世外塵-超人累了（臨黃公望「天池石壁圖」）》為靈感，將層疊山景具現於立體空間中。 圖片提供」無園藝Wu garden　攝影」陳婉寧   從壓克力轉型到無園藝 大學就讀建築系，吳立緯踏上花器設計一途在外人看來或許有點意外，對他而言卻是合情合理。在建築過程中接觸並研究景觀設計案例，對於植物逐漸培養出興趣，現在自己也是個資深的「綠手指」。 而「無園藝」的創立則與自身家族有關，父輩經營壓克力工廠，一如許許多多支撐台灣經濟起飛的中小企業，以代工、製作為主的產業敵不過人力與成本的飛漲。在吳立緯大學畢業時，壓克力製作逐漸走入夕陽產業，那時初入建築事務所的他便興起「壓克力是否有可能轉型？」的念頭，將自己的設計能力結合家中的製造技術，期待碰撞出新的火花。 圖片提供」無園藝Wu garden　攝影」陳婉寧 為此，吳立緯以姓氏諧音將品牌取名「無園藝」，另一方面也希望藉此降低園藝設計的門檻，「無園藝是可有可無的」他說道，就如同建築具有專業性，但最終成品卻應該貼近日常生活，以此為核心精神，希望嘗試將不同材質結合花卉、植物，使品牌成為園藝生活的實驗平台。 無園藝目前最具代表性的作品之一即是卡扣組合花器，將自己對建築、工業設計等立體設計手法的了解應用至花器之上，輕鬆組裝 4 片壓克力板即可獲得具設計感的花器。本次與北美館的合作，延續無園藝既有的花器設計概念跟組合架構，將姚瑞中畫作中的層疊山景化為輕盈通透的壓克力花器。 (左) 姚瑞中《世外塵-超人累了（臨黃公望「天池石壁圖」）》/ (右) 北美館ｘWU garden「世外塵∙花器」   藍色壓克力板打造的層疊山巒 觀察到近年蔚為風行的居家園藝潮流，且驚艷於壓克力材質的質感與光影效果，北美館很快便決定與熟悉壓克力花器設計、製作流程的無園藝合作。但面對數量龐大的典藏庫，如何從裡頭挑選出適合發展成花器的藝術品，吳立緯一開始也沒有頭緒，但在挑選的過程中，他也逐漸發掘無園藝及藝術品的同質性。 「我們的花器有點跳脫一般人對花器的想像，透過壓克力重新詮釋、再定義園藝，《世外塵》這幅畫作也是一樣，具有將山水畫再詮釋的概念」吳立緯分析道。同時，山水畫中亦常利用水墨深淺營造出空間感，正巧符合了壓克力花器輕透、立體的特性，成為本次衍生花器的最佳選擇。 圖片提供」無園藝Wu garden　攝影」陳婉寧 一如藝術家以原子筆和簽字筆臨摹元代畫家黃公望的代表作《天池石壁圖》，改寫並挪用中國美術史經典畫作，以極細緻的線條堆疊出不同深淺的藍色層層山巒，讓古與今產生有趣的對話與新意；花器以透明的壓克力板材重新詮釋山水，使平面線條在現代生活空間中具現化，獲得了美術館方及藝術家本人的喜愛。 花器汲取畫作中最令人印象深刻的藍色、層疊山巒等元素，將其線條簡化使整體設計風格偏向現代，透過不同角度的透明壓克力還原山形與色彩。而這也是吳立緯第一次嘗試做 4 片不同形狀的壓克力板組合，呈現出的效果比想像中更好，粗細相異的藍色印刷線條與邊緣的稜線在空間中交疊，層板的交疊仿擬出山水濃淡效果。 他分享，儘管花器雛形一開始便大致確定，但途中還是來回調了許多次顏色、形狀的細節，如原先選擇更接近畫作的深藍色壓克力，並以白色線條描繪形狀，後來為了使整體感覺更加輕盈，改以輕透的螢光藍色作為基底。 圖片提供」無園藝Wu garden　攝影」陳婉寧 吳立緯也透露，通常螢光色的壓克力板材會有很明顯的發光效果，唯獨本次使用的藍紫色，平日看似普通的透明藍色，只有在某種特定時刻的光源下才會發光，而這個神秘的小彩蛋，就留待使用者自己發掘。 美學流入日常之中  本次「世外塵∙花器」將傳統山水畫風格簡化，使其適宜融入現代居家風格當中，本身即為一件可從各個視角賞玩的現代雕塑作品，再放入玻璃試管便能作為花器，置入花草增添室內生機盎然的逸趣。除了與「美樹館裏的服裝秀」合作，展示於當代簡潔的畫廊空間之中，吳立緯樂見不同使用者插上自己愛好的花卉、放在不同空間中所呈現的效果，如他與我們分享的照片，在復古摩登的老宅當中，花器亦能與環境及家具良好地融合。 「世外塵花器」期間限定花藝體驗－紅／藍款。圖片提供」美樹館裏的服裝秀Museum of Flowers 「有機會將美術館才能看到的藝術品，化成貼近生活日常的居家用品，我覺得是很棒的想法與計畫。」這是吳立緯初次與他人合作，過往大多是自己思考、設計，再配合家中的壓克力工廠製造，此次除了學習到來回溝通、調整的過程，也是第一次嘗試從主題性的靈感延伸創作，更豐富完整的設計架構流程經驗，而他也十分期待後續有更多藝術品的嘗試機會，使美感與美學能透過一般人家中皆有的花草，流入日常生活之中。   設計師簡介 無園藝WU garden / 吳立緯 擁有多年種植經驗的主理人吳立緯，透過作品犀利的指向人與自然相互共存的重要性。自然與人沒有輕重之分，更不應該因城市而與自然產生距離，讓自然浸潤日常。 透過不同的新創媒材與植物結合，催化出嶄新介面，讓人重新與自然展開連結，是WU garden的理念與實踐。與其說WU garden是間植栽園藝店，倒不如說是一個以自然為核心，不斷自由解構既定園藝型態，創造無園藝感知的實驗基地。 「世外塵∙花器」售價新臺幣980元，線上訂購請見巡藝網路商店：https://reurl.cc/QjGpY2 資料與圖片提供」臺北市立美術館、無園藝Wu garden 採訪」林慧慈

社群普及與行銷當道的氛圍下，讓新一代的設計師能快速成名、累積經驗，但也因此衍生出許多問題。近年，關於設計的糾紛、侵權等問題層出不窮，設計師們該建立哪些觀念？消費者要如何自保？《室內》邀請到中華民國室內設計協會（CSID）理事長趙璽與台灣室內設計專技協會（TnAID）理事長袁世賢，他們兩位不僅是優秀的執業設計師，也是室內設計產業的領導者，透過他們的視野與經驗，提供年輕設計師與消費者可供參考的方向。  袁世賢 台灣 Next Design Studio / 呈境室內裝修設計有限公司 創辦人兼執行長 台灣 大葉大學空間設計學系兼任助理教授 2022 台灣室內設計專技協會第十一屆（TnAID）理事長 2022 金邸獎 評審委員  2022 德國iF DESIGN WARD 評審委員 2021 台灣室內設計專技協會第十屆（TnAID）秘書長 2021 台北市政府都發局 台北老屋新生大獎 評審委員 2020 台灣室內設計週執行長 呈境設計 空間的形成由人類的立體感知而建立，生活的經驗、美學的傳達、材質的變 化、光影的引入是使空間的轉換更為豐富的表達。因此呈境團隊致力於透過 設計的方法，去呈現建立在生活之上的空間美學演繹，讓生活、空間、生命 更為美好及充滿意想不到的驚喜。  當代設計師與過去在角色上的轉變？ 台灣早期，因為教育與社會環境的關係，僅有裝修、裝潢師傅，並沒有真正的室內設計師;而當時的網路也不如現在發達，所以裝修業的人大多依靠口耳相傳來累積名聲。接著，隨著時代的轉變，擁有專業背景的室內設計師越來越多，一開始主要透過報章雜誌等的紙本媒體作為曝光媒介，後期有的藉電視節目來傳播，他們以精湛的實力以及作品吸引業主。 相比現在，設計產業在過去不僅較為封閉，設計師也處於一個被動的角色狀態。當今的時代，對於設計師來說，不管是設計作品的發表、 設計師群體之間的交流，甚至要提升在社會大眾之間的認知度，都比以往簡單很多。迅速與廣泛的傳播力，讓室內設計產業變得更為開 放和普及、室內設計師的角色也更加多元化。  您會如何定義「好的設計師」？ 「好的設計師」除了應對自己的業務、服務的業主負責之外，我覺得更要追求「設計的價值」;這個價值不是只體現在少數的人群中，而是能擴展至整個社會。將設計師的能力轉而運用在社會上，對於我們身處的社會、生活環境、公共空間等的設計議題提出更多的關懷 和想法，讓社會大眾都能體驗到好的設計所能帶來的正面影響，進而提升大家對於設計力的認知。「好的設計師」能夠透過設計的力量去改善人們生活的方式。生活的方式並不是一定要追求高級、奢華或是富裕的生活，只要讓使用者感到適得其所，就是一個「好的設計」。   您認為「好的設計師」應負起哪些社會責任? 設計師應有哪些道德自律？  在設計師應負的社會責任中，我認為城市美學是很重要的一部分。第一，設計師必須對自己的設計負責，他的設計不能影響其所處的周遭環境，甚至必須放眼至整個城市的美學，不管是室內空間、建築外觀，追求設計與美感之餘，也應該要與城市美學取得平衡。  第二，當設計師有機會接觸到公共設施項目時，應更具同理心。因這些空間服務的對象是社會大眾，所以應以更為友善且便利的角度來設計規劃，同時在美感上也需與城市美學和諧共存。  第三，關懷社會議題。因擔任台北老屋新生大獎的評委，我才知道，台灣有一群默默在推動社區美學的人，這些人雖然都是非專業設計師，但他們卻運用自身能力，去改善他們觀察到的問題。設計最終的目的是「關懷人性」，設計服務的對象是「人」，所以透過設計師的觀察，找到、看到「人」的需求並做出被需要的設計，才是所謂「好的設計」。  在資訊龐雜的時代裡，消費者委託設計時應有的自我保護意識？ 諮詢時，消費者應請設計師提供工作流程、內容以及收費標準。設計溝通過程中，業主也應觀察流程是否融洽且是否有效率，若遇到問題，須及時提出並處理。進入工程期，同時也是糾紛最容易發生的階段，建議在每個階段，消費者都須與執行單位簽訂合約，將工作內容、付款期程訂定清楚，以法律保護自我權益才能彼此制約。  在設計師與消費者溝通之前，應先建立的正確觀念？ 設計師與消費者的關係其實非常奧妙，它不同於一般的買賣行為，設計師販售的商品是從無形，在與消費者溝通後，才逐漸成形並完成的，所以兩者之間建立良好的溝通模式至關重要。一般消費者並不了解設計背後的繁複程序，若溝通不確實，就容易造成對於設計結果想像的落差，所以設計師必須制定一個完整的溝通流程，與消費者清楚說明自己的作業方式與流程，減少後續問題的產生。  室內設計產業目前的隱憂或亂象？ 設計產業從接收案件、設計發想、製作簡報、業主溝通、產製 3D 圖、繪製施工圖、工程管理、結案驗收、拍照、媒體宣傳，每個環節都需要有專業的人員。但因為社群的發展、媒體迅速傳播，社會大眾看到的僅是最終的結果而忽略了過程，讓設計師這個職業被掛上輕鬆且高所得的標籤，導致很多人都想成為「設計明星」。我認為，這個問題必須從教育體制來改革，透過學校系統的分類、分眾，幫助設計產業人員找到適合自己的定位。 第二，設計師是一個需要經過時間歷練的職業，因為時代的轉變，名聲與經驗的累積更加容易，也因此降低了創業的門檻。當設計師的經驗不足、基礎不好，為了生存可能會採取低價競爭的方式，這對產業來說不是一個正向的發展，反而會造成市場價格的拉扯。所以，我希望剛畢業的學生與年輕設計師們，在進入公司後，能靜下心來學習，打好基礎後再來自我證明，成為產業真正的助力。 第三，室內設計產業的門檻過低。除了教育體制的改變，我希望國家未來應針對室內設計產業提供專業證照，或是推動室內設計師的相關規範，不僅讓室內設計師的職業更受到社會尊重，也讓設計師與消費者都能有所保障。  設計師應有哪些道德自律？ 在設計層面上，因為設計的靈感來源很多，可能是自發性的想像，也可能是因為一張圖片、一部電影的啟發，這些內容經過設計師的咀嚼、轉換，最後會藉由設計的獨特語彙展現出來。不可否認，尤其在學習階段，有的設計需要依靠模仿來練習，但我認為，在模仿的過程，必須加上自我的想法並重新修正才是正確的做法。 在實質層面上，我認為合理的設計服務費用是設計師必須擁有的道德自律。一個合理的收費機制，才可以讓產業同行之間一起成長，而不是互相打壓和搶奪。而設計師在面對消費者時，傳達的資訊內容必須確實、曝光程度也需要合宜，應透過作品來發聲，而不是過度的渲染和誇大。  在社群與行銷時代下，室內設計產業目前有哪些好的發展？ 社群與行銷時代下，讓所有的設計師都有平等的機會，去展示他們的設計能力與作品，同時也讓設計產業被更多人看見，因此，它帶動了產業整體的正向發展。而且也讓設計師的行銷方式更加多元，除了宣傳作品，設計師也可以分享生活、自我品味、設計精神等，藉此吸引志同道合的消費者。 設計師之間也會因為社群的分享，而相互激勵、交流，引發一個良性的互動和討論。而對於消費者來說，他可以看到這位設計師更多不同的面向。但還是希望大家必須自我約束，自我行銷必須拿捏得宜，切勿過度放大和過分渲染。  TnAID 對於產業的助力與責任?  因為新時代的來臨，協會十分重視年輕世代的問題，除了要吸引更多年輕世代的設計師加入我們，也需要與他們有更多的互動與溝通。協會的責任是需要幫助整個產業的發展，所以我們會提供設計師相關課程來提升能力，而這個能力並不僅限於設計，設計師除了做設計，開設公司時還會遇到稅務、會計、法律等的問題，協會邀請專業人士透過論壇、講座讓設計師參與。我們希望讓設計師，尤其是年輕一 代的設計師，在進入產業時是具備更多能量的。 時代的轉變也造成一些隔閡，協會就需要負肩負起橋樑的角色。讓資深前輩、中生代設計師在面對年輕設計師時，找到一個合宜的溝通方式，可以是經驗的分享與討論，雖然很多過往的案例不一定符合時代現況，但它卻是一個良好的觀念交流。  TnAID 未來發展的方向?  我們希望能與學校合作，大專院校專注於設計教學上，但卻沒有與產業銜接。我們可以將建材廠商、家居品牌、相關從業人員帶進校園，讓學生們提前接觸、認識並拓展眼界。近期，協會也積極與學校討論人才媒合，希望帶動產業人才的發展。 協會一直以來也十分關注設計產業廠商的動向以及兩岸之間的設計交流，所以也將延續室內設計週的活動規劃，整合設計師與廠商之間的關係；而除了兩岸，我們也希望能有機會與歐美、亞太等地區的國家有更多的交流機會。  資料及圖片提供」中華民國室內設計協會（CSID）、台灣室內設計專技協會（TnAID） 採訪」歐陽青昀